Разное

Картина в классическом стиле: Картины для гостиной в классическом стиле – купить на Ярмарке Мастеров

Содержание

Гостиная в классическом стиле. Особенности интерьера. Мебель.

Классический стиль в интерьере имеет богатую историю, поэтому не имеет однозначной трактовки. Мы рассмотрим современный классический интерьер для гостиной, который можно разделить на два вида:

  • Дворцовый классицизм или барокко
  • Послевоенный стиль 1950х

Дворцовый классицизм (барокко) — пышный до головокружения, с позолотой, лепниной, резьбой и инкрустацией. Данный стиль подходит для просторных помещений с высокими потолками.

Послевоенный стиль 1940-1950-х гг. — симметрия и традиционные элементы декора: раритетная мебель, антиквариат. Интерьер уместен в обычных городских квартирах.

Классический стиль в гостиной создан для Вас, если:

  • вы цените семейные традиции и владеете вещами переходящими по наследству из поколения в поколение
  • не любите перемены, абстрактное искусство
  • устаете от техники

Особенности классического интерьера гостиной

  • Классический стиль интерьера требует простора, поэтому идеально подходит для помещений с большой площадью. Однако, если не перегружать небольшую комнату массивной мебелью, то можно достигнуть требуемого результата.
  • Бархатные портьеры уместны в комнатах с большими окнами в пол, где много солнца и света, а во всех остальных случаях подойдут более легкие ткани с ламбрекенами, бахромой и кистями. 
  • Декор в виде крупных статуэток, объемных картин с яркой позолотой
    будет хорошо смотреться только в помещениях с высокими потолками,
    учтите этот факт.

Признаки стиля классического интерьера

  • Оттенки: бордовый, коричневый или молочный

  • Массивная деревянная мебель на гнутых ножках

  • Симметричные элементы — ковка, лепнина, резьба. Узоры в виде цветов или геометрических фигур.
  • Позолота и медные элементы декора.
  • Картины с классическими сюжетами.

  • Декоративные фигурки с изображениями людей или животных. Фарфоровые вазы, хрусталь правильных пропорций.
  • Дверные и мебельные ручки в виде шара (кольца) или более сложных очертаний.

Поклонники классического стиля в интерьере — это люди традиций, семейных ценностей, трепетно относящихся к мебели, предметам декора. Кроме того, современная гостиная — это самое большое помещение в квартире, которое сочетает в себе несколько функций — и комнату для приема гостей, и столовую, и библиотеку. Поэтому когда создается проект будущей гостиной в классическом стиле выделяют несколько зон: обеденную, общую зону для отдыха и более уединенную, где можно одному почитать книгу в удобном кресле.

Каталог стенок для гостиной в классическом стиле

01.06.2017г.

 

Роскошь классических интерьеров в гостиных

Классические интерьеры… Об их великолепии можно говорить часами, но если попробовать охарактеризовать их в нескольких словах, то такой декор – это, прежде всего, красота и достоинство в каждой детали.

интерьер гостиной в классическом стиле

Гостиные в классическом стиле – это интерьеры для выдержанных личностей, знающих толк в архитектуре и умеющих оценить традиции лаконичного дизайна. Поскольку изысканность вкуса шлифуется годами, то и понимание того, что классицизм настолько великолепен, что всегда будет оставаться вне конкуренции и никогда не выйдет из моды, тоже приходит с возрастом. Это объясняет, почему среди почитателей классических канонов преобладают люди среднего и старшего возраста.

Стилистические основы классики

Затеваться с созданием интерьера в классическом стиле уместно лишь в том случае, если комната, отведенная под неё, имеет большие размеры, не ограничена низкими потолками и оборудована высокими окнами, пропускающими достаточно света и солнца. Такая гостиная должна быть отделана качественными материалами и обставлена добротной мебелью, на приобретение которых придется раскошелиться.

классическая гостиная с фальшбалкой и высокими окнами

Классический стиль – это элегантность, запечатлённая в каждом предмете, четко выведенные пропорции и по-настоящему изысканные формы без пафосных излишеств.

Из материалов в отделке гостиных в лучших традициях классического стиля активно используется дерево, дорогостоящие ткани и металл. Из первого делается:

  1. Мебель;
  2. Покрытие пола;
  3. Декоративные предметы.

Из вторых:

  1. Мебельная обивка;
  2. Шторы;
  3. Подушки;
  4. Гобелены.

хрустальная люстра с подсвечниками идеально гармонирует с остальными элементами декора в классическом интерьере

Элементы из металла присутствуют в декоре в качестве фурнитуры или деталей осветительных приборов.

Если ваши намерения серьезны, и вы собираетесь воплотить в гостиной мельчайшие стилистические черты классицизма, то вам не обойтись без камина. Это, пожалуй, единственный объект, присутствие которого не обсуждается, потому что ему априори отведена роль сердца гостиной.

к оглавлению ↑

Цветовая палитра классической гостиной

Общий фон классической гостиной всегда выполняется в нейтральных и очень светлых оттенках. Приоритетом выбора могут стать: бледно-розовый, нежный голубой, бежевый, кремовый, размытый зеленый и бледно-желтый цвета, которые разбавляются большими порциями белого. Контрастировать с основной палитрой может только мебель, каркасы осветительных приборов или мелкие декоративные вещицы.

массивный каменный камин в классическом дизайне интерьера гостиной

Но если уж мы говорим о гостиных в достоверно классическом стиле, то в идеале основной фон сделать все-таки чисто белым, потому что он реально создает впечатление непревзойденной роскоши, богатства, шика и, естественно, чистоты. Великолепным дополнением к такому фону станет позолота, которая может наноситься на лепные элементы декора. При необходимости подкорректировать пространственное восприятие комнаты на стенах могут появляться вертикальные полоски, декоративные колонны (таким приемом дизайнеры «приподнимают» потолки) или мелкий рисунок (это визуально расширит помещение).

Естественно, при выборе основного цвета нужно учитывать, насколько солнечна и светла гостиная. Если её окна смотрят на север, то правильнее будет оформить её в более теплых тонах, в противоположном случае используют прохладную гамму.

стиль барокко в интерьере гостиной гротескная классика в интерьере гостиной

к оглавлению ↑

Чем отделывают гостиные в классическом стиле

Как уже говорилось, классический стиль предполагает использование лишь дорогостоящих материалов природного происхождения. Ценная древесина, роскошные ткани, позолота… А что же делать тем, кто не имеет счета в банке с шестью нулями? Прежде всего, не отказываться от мечты, ведь сегодня есть возможность приобрести современные и довольно бюджетные материалы, которые отлично имитируют фактуру камней, тканей, дерева. Они вполне в состоянии привнести в интерьер нотки классического антуража.

Пол в классическом исполнении

В качестве отделки для пола в классической гостиной чаще всего используют натуральный паркет из древесины высочайшего качества.

Поверхность плиток может быть покрыта геометрическим или ажурным узором. Такая любовь к этому материалу объясняется тем, что кроме высоких эстетических показателей, он обладает ещё и неимоверной долговечностью. Фактически, паркет укладывается даже не на десятилетия, а на века.

в качестве напольного покрытия в классическом интерьере может использоваться ламинат и паркет

Альтернативой в отделке может стать светлая паркетная доска. Она сохранит в интерьере легкость, присущую классицизму.

Стены в классическом исполнении

Оформить стены гостиных в настоящем классическом стиле можно разными способами. Здесь может использоваться декоративная штукатурка, стеновые панели из дерева, тканевая обивка и обои. Если вы остановились на отделке тканью, то выбирайте жемчужный или золотистый оттенок, цвет акации или беж. Узор на таких тканях должен быть неярким, симметричным и непременно замысловатым. Иногда гостиные оформляют в более темных, приглушенных оттенках бордового, винно-красного, пурпурного с позолотой.

Что касается обоев, то они должны быть элит-класса, в светлом спектре и иметь причудливый рисунок вертикальной направленности.

красные обои с восточным орнаментом в гостиной

Желательно не оформлять стены броско и ярко. В фаворе однотонный фон и тисненый рисунок. Если же вы желаете видеть на стенах позолоту, то постарайтесь, чтобы общая картина не получилась аляповатой, а выглядела дорого и солидно.

Не чуждо гостиным в классическом стиле использование лепных элементов на стенах. Это могут быть:

  1. Пилястры;
  2. Панели;
  3. Фризы;
  4. Молдинги;
  5. Колонны;
  6. Полуколонны.

Под такой рельефный декор стены обычно просто выкрашивают в спокойные цвета.

светлые тона стен в интерьере гостиной в классическом стиле

Потолок в классическом исполнении

Для классического стиля очень важно правильно оформить потолок. Это очень непростой процесс, потому что поверхность должна получиться безукоризненной. Украшения должны смотреться роскошно и органично, а для этого нужно хорошо разбираться в искусстве и помнить о симметрии.

Потолок можно сделать чисто белым и украсить его классическим карнизом и розеткой под люстру, а можно покрыть его росписью. В последнем случае без помощи профессионалов вам не справиться. Можно, конечно, заменить роспись качественной фотопечатью, однако она, даже будучи сделана по самым современным технологиям, никогда не сможет сравниться с шиком ручной работы.

матовый натяжной потолок – лучшее решение для оформления современного классического стиля гостиной

Двери и окна классического интерьера

Для декорирования оконной зоны используют тяжелые шторы и гардины, которые в гостиных в классическом стиле должны использоваться минимум в два слоя.

Гостиные комнаты в истинно классическом стиле не терпят использования современных материалов. Ширпотреб из пластика, даже в самой вычурной форме, мгновенно уничтожит дух старины, а вместе с ним и историческую подоплеку стиля. Именно поэтому оконные рамы и двери в таких интерьерах безоговорочно выполняются из натурального дерева. Что касается формы проемов, то они могут иметь любой вид, но чаще всего их делают арочными. Не противоречит канонам классики декорирование их карнизами и колоннами.

Важно, чтобы проемы окон по стилю и форме сочетались с дверными. Для декорирования оконной зоны используют тяжелые шторы и гардины, которые в гостиных в классическом стиле должны использоваться минимум в два слоя. Плотные портьеры комбинируются с тюлем. Чтобы не ограничивать доступ света в гостиную, портьеры укомплектовываются подхватами, украшенными кистями. Оформление должно быть шикарным, изобиловать складками и драпировкой, поэтому для пошива штор набирают не только бархат, но и атлас, набивной шелк, парчу.

единое цветовое оформление дверного и арочного проема

По традиции шторы крепятся на карнизе-штанге. Он обязательно должен быть кованным или резным, потому что кроме функциональной нагрузки в этом интерьере ему отведена роль и декоративного украшения. В идеале выбирают модели карнизов, которые бы сочетались с экстерьером люстры и других светильников.

Мебель для классического интерьера

Мебель, присутствующая в гостиных в классическом стиле, непременно должна иметь изящные резные ножки, подлокотники, спинки, фасады, но при всем великолепии изделий в их декоре все же должна прослеживаться умеренность.

Поскольку интерьеры гостиных, оформляемых в классическом стиле, должны иметь особенный характер, то и в их обстановке используются только те предметы мебели, которые способны точно передавать историческую суть направления. Этим объясняется высокий спрос на антикварные кресла и необычные стулья в духе Чиппендейла, диваны Честерфилд и комоды Шератона.

светлая мягкая мебель в классическом интерьере

Как уже говорилось ранее, вся используемая в интерьере мебель должна быть сделана исключительно из ценных пород древесины, таких как дуб, венге, красное дерево или гевеи. Если говорить о специфике обивки мягкой мебели, то используемая для этого ткань должна быть в тон с основным фоном комнаты. Наиболее желательные цвета обивочного текстиля – белый и натуральный песочный. Однако в некоторых случаях обивка может имитировать оттенок деревянного каркаса. Например, кресло из дуба может быть обтянуто бархатной, жаккардовой или велюровой тканью в светло-коричневых тонах.

Мебель, присутствующая в гостиных в классическом стиле, непременно должна иметь изящные резные ножки, подлокотники, спинки, фасады, но при всем великолепии изделий в их декоре все же должна прослеживаться умеренность. Расстановка предметов производится размеренно, и то есть на определенном расстоянии друг от друга. Скученность при меблировке нарушит ощущение свободы пространства, что для классических интерьеров неприемлемо.

оливковая мебель с резными ножками смотрится уместно в классическом интерьере

Не перегружайте комнату массивными предметами обстановки, даже если площадь и позволяет это сделать безболезненно. Вполне достаточно будет как дополнение к основной обстановке установить консоль, комод-бюро или сервант. Этот шаг позволит гостиной не выглядеть пустой и сохранит гармонию.

к оглавлению ↑

Освещение классического интерьера

Гостиные, оформленные в классическом стиле, требуют яркого освещения, поэтому присутствие в них люстр – обязательно. По сути, люстра, является вторым неотъемлемым (после камина) атрибутом классического интерьера. Каркасы таких осветительных шедевров изготавливают либо из резного дерева, либо из кованого металла. Их окрашивают в бронзовый цвет или покрывают позолотой. По традиции конструкция снабжена несколькими рожками, на которых крепятся тканевые абажуры или имитация свечей. Декорируют люстры в классическом стиле сверкающими хрустальными подвесками.

Картины в современном дизайне интерьера офисного кабинета руководителя

  1. Главная страница
  2. Статьи
  3. Выбор стиля интерьера для кабинета руководителя

Никто не будет спорить, что важной частью имиджа любого руководителя является его кабинет. Поэтому очень важно правильно подобрать оформление интерьера, чтобы подчеркнуть сильные стороны компании и личности руководителя, а также создать максимально продуктивную рабочую обстановку в кабинете. Выбор стиля оформления во многом зависит от вида деятельности компании, ее корпоративных ценностей и долгосрочных целей. Однако предпочтения самого хозяина кабинета тоже играют немаловажную роль. Как же выбрать идеально подходящий стиль интерьера? Рассмотрим все возможные варианты.

Оформляем кабинет руководителя в классическом стиле

Сегодня, как и сто лет назад очень популярно оформлять кабинеты руководителей в классическом стиле, который является олицетворением стабильности, процветания и приверженности традициям. Именно в таком кабинете у партнеров и клиентов не возникает никаких сомнений в надежности компании, ее финансовых возможностях и устойчивости на рынке. Поэтому совершенно неудивительно, что кабинеты руководителей международных финансовых компаний, банков, инвестиционных организаций оформлены именно в классическом стиле.

Особенности кабинета в стиле классики:

  • При обустройстве такого кабинета широко используется натуральное дерево или материалы, имитирующие его.
  • Шикарно смотрится пол из доски или дорогого паркета с оригинальным рисунком.
  • Вся мебель выполнена в спокойных тонах, имеет строгую лаконичную форму без излишеств.
  • Мягкая мебель почти всегда обита кожей или же дорогим текстилем.
  • В качестве освещения используют потолочные люстры и светильники в рабочей зоне.
  • Особое внимание уделяется декоративным элементам, которые могут быть выполнены из стекла, фарфора, металла.
  • Интерьер украшается оригиналами картин, которые размещаются на свободных стенах и создают особую атмосферу дорогого, статусного помещения.

Кабинет в английском стиле

Самым консервативным является английский стиль, который отличается сдержанностью и элегантностью. В таком кабинете царит атмосфера строгости и выдержанной роскоши, вся мебель выполнена из качественных материалов и сразу видно, что она дорогая.

В английском стиле оформляют кабинеты в домашних условиях, когда помещение позволяет организовать рабочую комнату, а также в компаниях, где особенно высоко ценится консерватизм и стабильность. Часто такие кабинеты предпочитают юридические контуры с соответствующей клиентурой.

Особенности кабинета руководителя в английском стиле:

  • Стены декорируются тканями или дорогими обоями с вертикальными полосками, оригинальными узорами и позолотой.
  • В качестве напольного покрытия выбирают паркетную доску или мрамор, а для большего уюта укладывают роскошный ковер.
  • Присутствие камина в кабинете отлично дополняет общую картину и создает атмосферу максимального комфорта и тепла.
  • Обязательной является зона библиотеки с симметричными стеллажами.
  • Стены украшают картинами импрессионистов, изображениями на классические темы.

Не стоит забывать, что кабинет в английском стиле – это прежде всего традиции и элегантность, высокое качество во всем, даже самых мелких деталях. Поэтому такой стиль подойдет истинным эстетам.

Оформляем кабинет в стиле хай тек

Кабинет в стилехай тек идеально подходит для руководителей молодых развивающихся компаний, которые занимаются инновационными технологиями, электроникой. Основными правилами оформления кабинета в таком стиле является максимальная функциональность и практичность в сочетании с современными материалами.

Особенности интерьера в стиле хай тек:

  • При обустройстве кабинета в стиле хай тек используют хромированный металл, стекло, искусственный камень, пластик.
  • Мебель, выполненная в данном стиле, отличается причудливыми формами, оригинальным дизайном. Она должна быть удобной и привлекать внимание блеском и вычурными изгибами.
  • В качестве декора здесь в основном используют ультрасовременные модульные картины с графическими изображениями.
  • Кроме этого в кабинете могут располагаться стеклянные напольные вазы, часы неординарной формы и дизайна. Однако стиль хай тек все-таки предполагает минимум декора, поэтом это стоит учитывать.

Кабинет в современном стиле минимализма

Такое оформление замечательно подойдет молодым и амбициозным руководителям, которые не готовы обращать внимание на мелочи вокруг себя и заняты глобальными идеями.

Стиль минимализма подразумевает:

  • Отсутствие лишних деталей в интерьере, которые отвлекают от работы. Фокус должен быть только на основных предметах.
  • Мебель отличается четкими линиями, выполнена из дерева, пластика или других материалов, но лишена каких-либо узоров и украшений.
  • Современный кабинет максимально располагает к эффективному рабочему процессу. Он оформляется в нейтральной цветовой гамме.
  • Дизайн характеризуется простотой и элегантностью.
  • В качестве декоративных элементов могут подойти картины с изображением городов, урбанистических пейзажей.

Кабинет руководителя в стиле арт-деко

Данный стиль выбирают руководители креативных и дерзких компаний, которые развиваются быстрыми темпами и специализируются на творческой деятельности:

  • художественные мастерские,
  • публицистические издания и журналы мод,
  • музеи современного искусства,
  • рекламные компании.

Оригинальное обустройство, совершенно уникальные идеи планировки, ломаные линии – все это является яркими характеристиками кабинета в стиле арт-деко.

В таком кабинете могут располагаться напольные вазы замысловатых форм, статуэтки с футуристическим дизайном, на стенах могут быть самые разнообразные картины.

Оформление кабинета в стиле лофт

Кабинеты в стиле лофт сегодня пользуются особенной популярностью среди руководителей строительных компаний и быстро развивающихся организаций с молодым персоналом. Предполагает просторное помещение с высокими потолками и широкими окнами. Отличительными особенностями данного стиля являются:

  • Отделка стен должна быть в виде кирпичной кладки, а на потолке могут располагаться балки и коммуникации.
  • Широко используется стекло, пластик, бетон, а также искусственный камень.
  • Если нет финансовой возможности сделать кирпичную кладку, тогда можно оклеить стены специальными обоями с принтом натурального камня или кирпича.
  • Стиль лофт отлично смотрится при оформлении кабинета в квартире и позволяет максимально расширить пространство.

Выбор и расположение картин 10 секретов от дизайнеров интерьера

Какие картины в гостиную выбрать особенности комнаты

Размер помещения, его геометрическую форму, следует учитывать как при создании дизайна комнаты, так и при выборе картин для нее. Картины следует подбирать, учитывая следующие факторы.

  • Высота потолков. Узкие, тонкие картины способны визуально вытягивать пространство, поэтому идеально подойдут для просторных комнат с невысокими потолками, но никак ни для узких и маленьких.
  • Объем помещения. Маленькое помещение, визуально уменьшится еще больше, если на его стены поместить крупные изображения, здесь прекрасно подойдут средние по размерам холсты.
  • Загроможденность пространства. Чем больше мебели и различных предметов интерьера находиться в комнате, тем меньше внимания должны отвлекать на себя картины. Они могут гармонировать с остальным декором, но лишь в случае грамотного подхода к выбору их размера, формы, стилистики.
  • Масштаб изображения. Чем крупнее рисунок, тем больше должен быть угол обзора. Созерцать его следует издалека (то есть полотно метровой длины выгоднее всего смотрится с расстояния минимум 2 метров от себя).

Картина требует больше простора на стене, и широкий угол обзора в помещении

Картина с формой, близкой к квадрату, способна визуально уменьшить высоту стен

Избегайте больших картин в маленькой гостиной

Любые «огрехи» или неграмотный подход к развеске картин их форме, смыслу, способен напрочь испортить образ и выбранный стиль комнаты.

Как повесить картины

Идея оформления картинами отнюдь не новая, но по-прежнему популярная. Размещая картины на стене, расположенной над диваном, нужно следовать нескольким правилам, чтобы избежать ошибок.

Диван – важный элемент дизайна интерьера гостиной, стена за ним становится не менее важной, чем этот предмет мебели. Стена идеально подходит для наглядной демонстрации различных экспозиций:

  • собственных работ;
  • фотографий;
  • рисунков, сделанных детьми;
  • картин.

Ниже приводится справочная информация, помогающая избежать наиболее часто допускаемых ошибок при расположении картин, изображений на стене.

Правила размещения картин, изображений над диваном

  1. Изображение, группу изображений нужно размещать на расстоянии не выше 15-20 см над краем дивана. Идея заключается в том, чтобы декорация воспринималась как одно целое с мягкой мебелью, а не как подвешенные отдельные элементы.
  2. Изображение, группа изображений, картина должны занимать не менее 1/3 ширины дивана. Слишком маленькая картина смотрится плохо, не сочетается с большой мебелью, создавая впечатление незаконченной композиции.
  3. Размещая одну картину, нужно попытаться разместить ее в пределах ширины дивана. Не обязательно поддерживать симметрию. Иначе обстоит дело, когда нужно разместить несколько картин на стене – тогда можно позволить, чтобы они выходили за пределы мебели.
  4. Если планируется повесить несколько картин разных размеров, нижний край желательно расположен в одну линию, вводя в композицию гармонию, порядок.
  5. Плохо смотрятся композиции из маленьких картин в одинаковых рамках. Если нужно красиво представить маленькие картины, фотографии, разнообразить композицию можно размерами рамок – некоторые изображения группируют вместе в одну композицию, помещают в одну большую рамку.
  6. Если изображения, плакаты поддерживаются в одном диапазоне цветов, можно ввести дополнительный цвет в композицию, используя рамки в различных цветах или изготовленные из различных материалов.
  7. Если рядом размещаются картины, выполненные в разной технике, изображения, выполненные различными методами, например, картина маслом, фото, плакаты – нужно поместить их в одинаковые рамки.
  8. Если размещается небольшая фотография, и нужно разместить рядом крупное изображение, можно выбрать большее паспарту для маленького изображения, значительно увеличив размер.

Заключение

Зеркала, картины, декоративные панели, обои, большие надписи, дерево, камень, кармическая плитка, бетон, интересные цвета, текстуры – таковы лишь некоторые идеи, используемые для оформления, украшения стены, расположенной над диваном. Благодаря им, диван красиво экспонирован, гостиная приобретет уют, характер. Можно развить все пространство стены или ее часть, сосредоточившись на декоративных акцентах.

Групповое расположение

Этот способ поможет гармонично сгруппировать картины небольшого размера. В центре комбинации будет находиться более крупное произведение, а вокруг него – изображения поменьше. Произведения должны быть приближены по стилю, тематике и цвету. Этот вариант способен производить такой же эффект, как и модные сегодня модульные картины. Это могут быть городские или природные пейзажи, любимые фото, изображения цветов или другие сюжеты. Главное, чтобы они дарили приятные эмоции и заряжали позитивом.

Одним из современных способов декорирования пространства зала может стать использование картин. Разнообразие доступных решений открывает перед хозяевами громадный простор для проявления креатива. Но самое главное, чтобы картина, повешенная в зале над диваном (или комбинация полотен), нравилась хозяевам и гармонично дополняла выбранный стиль оформления, делала интерьер теплее и уютнее.

Некоторые советы для интерьера с картинами

   Хаотичное развешивание картин в интерьере гостиной, представляющей тот или иной стиль, способно испортить даже самый красивый дизайн. Декораторы рекомендуют прислушаться к следующим советам:

Визуально сделать комнату ярче и стены, на которые редко попадает солнечный свет, помогут несколько картин, которые наполнят своими красками темною и неосвещенную зону.

Картины помогают подержать пропорциональный баланс мебели и предметов интерьера. К примеру,  повешенные над большим по размеру диваном в интерьере гостиной картины будут зрительно его уменьшать.

Интерьерная картинная галерея может быть создана благодаря картинам, которые представляют единый стиль или схожи по тематике. В этом случае их стоит развесить в одном месте вблизи друг друга.

Фон, на котором должны висеть картины, должен быть неярким и однотонным, вне зависимости покрашенная это стена или обои

Разноцветная стена способна только испортить впечатление от картины, потому как будет рассеивать внимание между своим рисунком и изображением на картине.

Идеальный фон – светлая стена. К слову, на такой стене будет гармонично смотреться такого же  тона картина, но контрастируемая темной или яркой цветной рамой.

Единый интерьерный стиль создается гармоничностью и целостностью деталей

Так, к примеру, багет, в который оформлены картины, должен сочетаться по текстуре и цвету с основной мебелью, вблизи которой расположены картины.

Размер картины

   Для определенного по величине помещения должна выбираться картина по размеру

Такое правило весьма важно как для больших, так и для маленьких пространств. Весьма неуместно и негармонично будет смотреться довольно крупная картина, заключенная в нескольких квадратных метров, ей место – в просторной комнате, где пространство позволяет воспринимать ее большие размеры и насладиться живописью

Кроме того, большие картины требуют и высоких потолков, и расстояния от углов и окон до нее.

   Что касается геометрических пропорций, то вертикальные картины создают визуальный эффект высокого помещения, равно как и горизонтальные полотна расширяют и освобождают комнату. Чтобы не придерживаться той или иной пропорции, лучше выбрать нейтральный «квадрат».

   Картины в интерьере небольшой гостиной следует выбирать также некрупных размеров.  Идеальная величина – до 50 см по большей раме. Также гармонично будут смотреться несколько маленьких (20 см) картинок или изображений, причем их возможно разместить как по отдельности, так и в составе галереи – более трех штук.

   Если речь идет о картинах одного автора, то их с художественной точки зрения следует размещать рядом друг с другом. Такого же принципа близости нужно придерживаться с картинами, выполненными в едином стиле или технике, а также с одинаковым багетом.

Картины, постеры и фото

Правильно подобранные и размещенные изображения — классика оформления гостиных и спален. Чтобы они выглядели гармонично, нужно учитывать несколько моментов:

  • Соразмерность декора с обстановкой и площадью. В маленьких помещениях большие полотна будут смотреться громоздко. 
  • Цвета картины и дивана могут быть как родственными, так и контрастными, перекликаться с подушками, пледом. 
  • Абстрактные произведения хорошо смотрятся в современном, простом и функциональном интерьере.
  • Небольшое пространство украсят акварели. Особенно если оно светлое и оформлено в стиле шебби-шик, кантри, сканди или прованс. 
  • Масляная, масштабная живопись органично вписывается в зал с классическим оформлением.
  • Постеры оживляют хай-тек, лофт, скандинавские, минималистичные комнаты. 

На восприятие подобного декора в дизайне квартиры влияет также его расположение. 

Картины в гостиной

   Художественный стиль в интерьере квартиры – это то, чему уделяют внимание и дизайнеры, и декораторы, и простые обыватели, желающие преобразить квартиру и придать ей атмосферу элегантности, индивидуальности.    Основным методом придания художественности квартире будет присутствие картин в интерьере гостиной, тем самым функцию наполнения дома эстетическим началом берут на себя картины, а также фотографии, принты, авторские рисунки или графические изображения.

   Основным методом придания художественности квартире будет присутствие картин в интерьере гостиной, тем самым функцию наполнения дома эстетическим началом берут на себя картины, а также фотографии, принты, авторские рисунки или графические изображения.

Как правильно разместить картину

С помощью правильно расположенных изображений можно с легкостью изменить геометрию комнаты.

Низкий потолок будет смотреться визуально намного выше, если повесить изображения вертикально вряд.

Увеличить ширину помогут горизонтальные. Если комната имеет продольное расположение, то лучше повесить яркое большого размера изображение, тогда пропорции помещения немного сгладятся.

Картины в гостиную над диваном будут уместно смотреться, если стены окрашены в светлый оттенок и имеют средний размер.

Если Вы собираетесь сделать композицию из картин, то не забудьте выровнять их по нижнему краю.

Высота картин для лучшего восприятия должна быть 1, 5 метра от пола. Так обычно располагают картины на выставках.

В коттеджах идеальное место над камином, ведь оно будет приковывать взгляды и Ваша картина точно не останется незаметной.

Варианты стиля и картин в нем

   Английский классический стиль, изобилующий дорогим декором и аксессуарами, гармонично сочетается с картинами прераэфаэлитовской эпохи, которая ставила во главу своей идеи отрицание академических традиций и подражание классическому искусству. Во главе интерьера может быть расположена большая картина, желательно портрет, причем хозяйки или хозяина, написанный в стиле дворцовой эпохи, который и будет венчать всю композиционную наполненность дизайна.

   Стиль поп-арт, наполненный яркими цветами, отлично сочетается со столь же насыщенными постерами, плакатами и фотографиями. Причем такая графичность будет иметь неоспоримое преимущество – ценовую лояльность, потому как в отличие от картины постеры и фотобумага намного экономичней.

   Совершенно уникальный со всех позиций современный стиль примет в свои стены любую картину. Это может быть и актуальное искусство, и классика, и поп-арт, и винтаж.

   Стиль ар-деко может быть прекрасно дополнен экспрессионной живописью, которая весьма часто встречается в антикварных магазинах, а также изготавливается под заказ в багетных мастерских. Кроме того, всегда актуальное французское ар-деко своим бессменным спутником имеет дорогую атрибутику и разнообразие деталей.В рамках одного помещения, выполненного в таком стиле, можно разместить и картины маслом, и акварель, и постеры, и графику.

   Помимо стилевой принадлежности, стоит учитывать и критерии выбора картин по цвету и размеру.

Чем украсить стену в гостиной над диваном, если хочется сохранить минимализм

Если вам не нравятся предметы на стенах, но вы хотите выделить пространство — сделайте на нем акцент. Перечислим способы его создания. 

Обои

Декоративное покрытие контрастного цвета или с необычным принтом будет самодостаточным украшением. Использовать можно не только обычную продукцию, но и фотообои с 3D-эффектом. Некоторые из них создают эффект глубины и таким образом визуально увеличивают комнату. Помните, что теплые оттенки зрительно приближают стену, а холодные — наоборот, отдаляют. 

Покраска

Этот вариант считается более удобным в использовании. Окрашенные стены можно мыть или протирать влажной тряпкой, они меньше накапливают пыль. Лучше использовать латексные или силиконовые краски. Они устойчивы к появлению трещин и выгоранию на солнце. Минус — оформлять ими поверхность сложнее, нужна предварительная обработка. 

Панели

Это могут быть пластиковые, гипсокартонные, деревянные панели от пола до потолка или ширмы из любого материала, занимающие только часть поверхности. 

Плитка, искусственный камень, мозаика, мягкая обивка

Подходит для интерьеров в стиле лофт, минимализм, сканди, модерн, залов с восточным, средиземноморским оформлением.  

Фото: Instagram @creativille_eco.oboi

Фото: Instagram @myrespace

Фото: Instagram @moon_krsk

Фото: Instagram @creativille_eco.oboi

Фото: Instagram @remstud24

Фото: Instagram @wallpaper_kharkov

Фото: Instagram @somainterio

Фото: Instagram @maria_antik

Фото: Instagram @decoration_design_architecture

Фото: Instagram @spline_decor

Фото: Instagram @nata.print

Фото: Instagram @arthouse72

Фото: Instagram @ultrawood.ru

Фото: Instagram @creativille_eco. oboi

Как видите, декор стены над диваном может быть очень разным. Перечисленные дизайнерские приемы подойдут как для маленьких, так и для просторных помещений

Важно лишь правильно выбрать палитру и стиль вещей. Ниже еще одна фотоподборка интерьеров для вашего вдохновения!

Фото: Instagram @prosto_o_decore

Фото: Instagram @moxstudiokzn

Фото: Instagram @julia.bordeau

Фото: Instagram @somainterio

Фото: Instagram @brw_belarus_official

Фото: Instagram @neo.wallstreet

Фото: Instagram @vintagecarouselsa

Фото: Instagram @lepnina_yaroslavl

Фото: Instagram @exdeko

Фото: Instagram @prettygoodjoke

Фото: Instagram @somainterio

Фото: Instagram @trendwalls_fotooboi_freski

Книжные полки

Украшение книжными полками – идеальный способ преобразить комнату и придать ей уют и даже интеллектуальности. Любители книг будут в восторге от такой идеи. Ведь сейчас полочки выполняются из различных материалов, разнообразной формы, цвета.

Можно вешать несколько полок или всего лишь одну, но при этом интересно ее обыграть и украсить. Помимо книг выставить другие предметы (статуэтки, сувениры, декоративные элементы).

Комфортным и приятным дополнением к данной идее станет встроенная в полочки подсветка или установленные рядом с ней светильники. Они помогут смягчить интерьер и создать удобную для чтения книг атмосферу.

Географическая карта, тарелки

Такие варианты оформления стены больше подойдут путешественникам, любителям свободы, сувениров и других атрибутов путешественников. Карта может быть современной или наоборот старинной. Тарелки можно прикрепить к стене или выставить на полочки.

Элементы декора

К другим элементам украшения относятся:

  • кованые изделия;
  • часы;
  • разнообразные вариации светильников;
  • зеркала;
  • ниши;
  • тематический декор (гитары, штурвал, рога, шкуры, маски и другие предметы, относящиеся к определенной теме, хобби).

Основные правила размещения картин

Гостиная — это лицо дома, она многое может сказать о его хозяевах, поэтому оформление интерьера этой комнаты должно быть продумано до мелочей. И, конечно же, это касается размещения изображений на стенах. Они не могут быть развешены беспорядочно. Для их размещения есть определенные правила, которых надо придерживаться. Давайте рассмотрим основные из них.

Для картин одной тематики или серии фотографий лучше подбирать одинаковые рамки. В этом случае в гостиной они будут выглядеть как единая композиция. Если они не связаны между собой, то это не обязательно.

Картины в гостиной не должны выбиваться из основного стиля оформления интерьера. Кроме того, они должны сочетаться с ним по цвету. Например, в классическом интерьере спокойных тонов не стоит вешать картину, в которой присутствует обилие ярких цветов. Также и в современном ярком интерьере будет неуместно изображение пейзажа в пастельных тонах. 

Необычные идеи картин для интерьера

Потому что такой аксессуар, не побоюсь выразиться именно так, не воспринимается как нечто дорогостоящее и требующее долгих размышлений над его созданием и сюжетом.

Говоря откровенно, нюанс в оформлении интерьера с картинами только один – правильно выбранное полотно!

Смотрите видео: Картины в интерьере современных гостиных

https://youtube.com/watch?v=gxN6jTMlM9M

Актуальны сейчас в интерьере светлые стены, светлая мебель, светлые шторы — все это по-весеннему легкое и нежное, но нужно знать меру и чтобы Ваша гостиная не стала скучной — добавьте ярких аксессуаров- яркие подушки, вазы из цветного стекла или нарядные шторы контрастного цвета.
Яркие акценты — подчеркивают индивидуальность, как интерьера, так и Вашего вкуса! Создается атмосфера уюта, тепла и комфорта.

Где повесить картину

Закрепить картины своими руками не сложно. Если речь идет о модульных, то тем более, ведь для этого не потребуются даже гвозди, а весь процесс может занять около 15 минут. Однако может возникнуть трудность с тем, где повесить картину или композицию из нескольких картин? Повесить картины для интерьера своими силами можно:

  • над диваном;
  • на открытой стене;
  • над камином;
  • над столом;
  • над кроватью.

Самое простое место, где размещают модные картины для интерьера, это стена над диваном. Здесь хорошо смотрится и одно большое полотно, и триптих. В гостиной, совмещенной с кухней, в обеденной зоне на стене можно повесить стильные картины для интерьера с изображением чашки кофе, лайма, бокала вина, кофейных зерен или любой другой подходящей тематики.

Панорамные картины для интерьера лучше размещать на открытых стенах. С их помощью можно создать фальш-окна, что сделает комнату визуально просторнее. Традиционным местом расположения картины в гостиной в классическом оформлении является стена над камином. В давние времена над камином вешали портреты, сегодня это может быть любое изображение, которое вам по душе.

Располагать картины на стене можно по-разному. Если речь идет о нескольких холстах или одиночной картине специалисты используют следующие подходы.

  1. Современные картины для интерьера можно расположить симметрично. Например, если в вашем распоряжении имеются две небольшие картины одинакового размера и одна побольше, то самую большую следует располагать в центре, а те, что поменьше по краям.
  2. Картины для интерьера своими силами можно повесить по обыкновению «в линейку». Это самый простой вариант, однако он требует, чтобы полотна были одинакового размера и формы, поскольку даже небольшая разница в габаритах будет сильно заметна.
  3. Размещая картины для интерьера своими силами можно с помощью них уравновесить интерьерную композицию. Например, если в углу комнаты располагается огромная пальма, высотой почти до потолка, а место на стене рядом не занято. Ее можно уравновесить с остальными предметами интерьера создав дизайнерский переход. А именно, повесив рядом по вертикали две три небольшие картины с изображением цветов и растений.

Подводя итог, отметим панорамные картины для интерьера гостиной, как и изображения с другим содержанием, прекрасно подходят почти во всех случаях

Картина во все времена была очень выгодным акцентным элементом, который и особенности дизайнерской композиции подчеркивает, и внимание гостей привлекает. Главное картины правильно разместить, и тогда они точно раскроют весь свой интерьерный потенциал

Особенности и выбор модульной картины для дома

Достоинства модульных картин в гостиной

Следует прислушаться к рекомендации экспертов – большинство из специалистов по дизайну жилого интерьера предлагают выбрать именно стену гостиной, где располагается диван с креслами. Такой подход позволяет ненавязчиво продемонстрировать как можно большему количеству гостей свой хороший вкус, самостоятельный вклад в разработку декора стен и нестандартный подход к оформлению помещения. Если грамотно украсить гостиную картиной, состоящей из нескольких частей, то из стены, мебели и других прилегающих деталей создастся единый комфортный островок отдыха. Когда декоративное произведение искусства корректно подобрано и размещено на стене, то оно ни в коем случае не перегружает малогабаритное помещение, создает уют в просторном пространстве, изображение воспринимается зрителем максимально целостно и гармонично.

пейзаж саванны со слонами над диваном в гостиной

желто-оранжевая композиция с цветами в гостиной над диваном

стилизованные фигуры людей из трех элементов на диваном в гостиной

белые цветы в трех элементах в гостиной над диваном

Как выбрать лучшую модульную картину?

Чтобы были правильно подобраны и со своей декоративной задачей полноценно справились модульные картины в интерьере гостиной над диваном, фото-примеры из нашей статьи можно взять на вооружение и использовать их как источник вдохновения для свободного творчества. Мы советуем отдавать предпочтение таким композициям, которые органично впишутся в общую концепцию конкретного интерьера. Хотя бы один тон из гаммы, использованной на картине должен перекликаться с цветовым решением в помещении. Например, гармонирующим элементом могут быть диванные подушки, текстильные пледы и другие предметы. В продаже можно встретить немало картин, выполненных на стекле, от них невозможно оторвать взгляд, они хорошо подходят для современных интерьеров. Изображения, нанесенные на натуральный холст, идут как в современный, так и в классический стиль. Сложные модульные картины, представленные огромными панно с вышивками, нередко становятся неотъемлемой частью интерьера в стиле Прованс и Винтаж. В классический стиль отлично вписываются старинные и редкие автомобили, культурные памятники, крепости и древние замки. В стилях Фьюжн, Хайтек доминантой интерьера гостиной может стать модульная абстракция – именно она дополнит и оживит комнату.

городской пейзаж над мягкой мебелью в гостиной

большое дерево в фиолетовых тонах в трех частях над угловым диваном в гостиной

большое дерево в розовых тонах над диваном в гостиной

ветка с белыми цветами и бабочками над мягкой мебелью в гостиной

Как показывает практика, часто в гостиных используются модульные картины, показывающие цветы и другую растительность, живописные пейзажи, страны и города вместе с их достопримечательностями, сочные натюрморты, авто и мото технику, фотографии людей, абстрактные узоры.

Определяемся с размером

Определившись с жанром изображения и его цветовой гаммой, необходимо определиться с размерами картины, которые бы оптимально сочетались с размерами самой гостиной. Это довольно важный критерий при выборе полотна. Ведь все усилия по поиску нужной картины будут сведены на нет, если она окажется слишком большой или наоборот маленькой.

Итак, для гостиной с высокими потолками 3 и более метров подойдут вертикальные картины портретного формата. В обычных квартирах лучше всего будут смотреться картины средних размеров с горизонтальным рисунком. Рассчитать оптимальный размер, который должна иметь картина можно следующим образом.

Предположим, вы вешаете картину над диваном, тогда ширина полотна должна составлять половину ширины спинки дивана. Если картина будет ни одна, а две или даже три, например, модульный триптих, то занимаемая картинами площадь на стене должна составить 2/3. Остальная часть остается свободной. Такой четкий расчет важен по двум причинам:

  • во-первых, воспринимать картину нужно с определенного расстояния от нее. А значит, чем больше полотно, тем больше расстояние, которого в квартире может просто не оказаться;
  • во-вторых, если картины будут слишком большими, то гостиная будет казаться меньше. Или загруженной лишними деталями. То же касается и очень маленьких картин, которые на большой свободной стене могут просто потеряться.

Выбирая размер картины, не забывайте и о ее форме. Ведь если изображение будет иметь форму вытянутого прямоугольника, то и вся стена вместе со всем помещением может казаться вытянутой. А потолок при этом будет казаться ниже. Картина квадратной формы визуально не меняет формы комнаты. Исключения составляют случаи, когда картина слишком большая. При таком варианте гостиная не только будет казаться меньше, может возникнуть ощущение легкого дискомфорта. Что нежелательно в комнате для приема гостей.

Итог

Подводя итог, отметим, что картина может стать той самой «изюминкой» интерьера гостиной, которая не только украсит внутреннее убранство комнаты в целом, но и станет связующим звеном, делающим более органичным дизайнерскую композицию жилого помещения.

Сложность выбора картины заключается не только в том, что нужно учитывать дизайнерское соответствие изображения по цветовой гамме, размеру, сюжету, интерьеру помещения, но и определить художественное соответствие такой картины духу вашей комнаты для приема гостей. Чтобы произвести правильный выбор картины в комнату для гостей нужно либо довериться своему тонкому вкусу. Либо, если вы в нем не уверены, обратиться к профессиональному дизайнеру.

Правила размещения картин

Куда повесить картину, можно спланировать еще на этапе ремонта. Это не сложно, если полотно одно или два. Если изображений несколько, то стоит придерживаться следующих правил по их размещению:

  1. Если картины большие, то их следует располагать на достаточном расстоянии друг от друга.
  2. Ассиметричное расположение больших полотен придаст интерьеру динамичности.  Для оформления традиционного интерьера стоит использовать метод размещения одинаковых полотен на одной линии.
  3. С помощью картин можно структурировать пространство. Фотоизображения на пустой стене зрительно разделяют помещение. Полотна, размещенные в центре, создают симметричный дизайн.
  4. Для оживления пустой стены можно использовать большие панно, которые стоит разместить в ряд.

Варианты изображений

Сюжеты модульных панно могут быть самыми разными. К самым популярным вариантам относятся изображения цветов, а также картины с водопадами, морями, реками и озерами.

Не менее популярны панорамные виды парижских улочек, проспектов в Нью-Йорке, римских площадей и московских бульваров. Оригинальным решением считаются бразильские и индийские мотивы.

Классический интерьер украсят изображения крепостей, замков и пейзажей. Для комнат в стиле хай-тек или фюжн стоит подобрать полотна с абстракциями.

Размеры полотен

Картины для украшения гостиной могут быть оригинальными и яркими. При этом их высота не должна быть менее 60 см.

На свободной стене можно размещать крупные полотна. Они могут быть даже на всю стену. В интерьере с мягким уголком или большим диваном будут смотреться крупные изделия.

При наличии компактной мебели стоит использовать предметы декора средней величины.

Фотообои

Интересное решение – оформление фотообоями. Не стоит отказываться от данного оформления, думая, что фотообои ушли в далекое прошлое. Сегодня можно приобрести варианты с интересными эффектами, которые станут настоящим украшением гостиной. Например, изображения с эффектом глубины, как их называют, фотообои с проекцией позволяют выполнить не только оригинальную внутреннюю отделку, но и визуально увеличить маленькую комнату.

Фотообои с эффектом глубины на стене за диваном – фото

Среди фотообоев существуют другие интересные изображения, например, футуристичные, фантазийные – понравящиеся любителям фентези.

Интересная идея, как украсить стену – оформление фотообоями, имитирующими некоторые природные или отделочные материалы, например:

  • камень,
  • дерево,
  • кирпич.

Сегодня камень, дерево, бетонная стена стали настоящими хитами.

В маленькой квартире фотообои светлых тонов с хорошо продуманной подсветкой визуально увеличат интерьер, подчеркнут уютный характер.

Интересный эффект достигается, если фотообои с панорамой города расположить в рамке, имитирующей оконную раму. Встроенные светильники в верхней части на фото ниже подчеркивают, реалистично имитируют атмосферу ночного города за окном с огнями, бликами.

Секреты правильного расположения картины

Существует универсальный прием размещения картин на стене. Для правильного развешивания горизонтальных картин визуально проведите параллельную линию, проходящую на 2-3 см выше нижнего края картины (не рамы, а самого полотна!), и разместите картину таким образом на стене, чтобы эта линия была на уровне взгляда.

Этот же принцип действует в случае с вертикальными картинами при условии высоких потолков. Если потолки низкие, то параллель необходимо провести немного выше – 6-7 см от края вашего вертикального полотна.

  1. Как правило, большие и среднего формата картины в интерьере выигрышно смотрятся, если располагать их таким образом, чтобы центр холста приходился на уровне глаз стоящего человека. Оптимальной высотой будет 1,6 м от пола.
  1. Фотографии, офорты, гравюры, небольшие по размеру картины на стене рекомендуется располагать несколько ниже уровня глаз, примерно 1,5 м от пола. Старайтесь такие художественные произведения размещать так, чтобы было удобно
    рассмотреть их с близкого расстояния (не дальше 1 метра).
  1. Немаловажным аспектом при определении оптимального расстояния для просмотра картин является также техника их исполнения. К примеру, импрессионистская живопись (написанная крупными мазками) требует соблюдения некоторого правила: наибольшая сторона полотна, умноженная на 3, – таково должно быть минимальное расстояние от смотрящего до картины.
  1. Некоторые картины (как правило, это касается живописи, написанной в классической технике, обрамленной в массивную раму) требуют к себе особенного внимания. Чтобы повесить такую картину на стену, необходимо иметь достаточно большое пространство, поскольку ей, скорее всего, не пойдет на пользу соседство с предметами мебели или с другими художественными полотнами.
  1. В случае если выбранные вами картины для интерьера небольшого размера, а стена в помещении достаточно большая, то лучше всего расположить их правильно организованной группой вокруг наиболее понравившейся. Группу составляйте обязательно из «родственных» картин, то есть близких по теме, цветовой гамме или стилю написания. Так, это запросто может быть сочетание полотен, выполненных в акварельной технике и маслом, имеющих одну цветовую гамму или тематику.
  1. При размещении групп, состоящих из разно-габаритных картин, крайне нежелательно вешать большие полотна над полотнами меньшего формата. Иначе визуально верхние картины «подавят» своей массой картины, расположенные ниже.

Ни в коем случае не размещайте также картины на стене в порядке уменьшения или увеличения их размера, так сказать «по росту» – подобное считается признаком дурного вкуса.
Для картин одного размера довольно интересно, когда они на разных уровнях висят на стене. Но если вы сомневаетесь в своих дизайнерских способностях, то можете воспользоваться самым простым решением – развесьте картины в ряд, на одинаковом расстоянии друг от друга.

В группе из трех картин необходимо учитывать, что главной, притягивающей внимание, становится картина, расположенная посередине. Всем известен старый проверенный метод группировки – так называемая шпалерная развеска, когда вся стена сплошь увешена картинами

Такое расположение часто выбирается для фотографий.
Помните, какой бы способ группировки вы ни выбрали, начинайте составлять композицию на полу. Порадует «напольный» результат –  смело переносите свою картинную «галерею» на стены

Всем известен старый проверенный метод группировки – так называемая шпалерная развеска, когда вся стена сплошь увешена картинами. Такое расположение часто выбирается для фотографий.
Помните, какой бы способ группировки вы ни выбрали, начинайте составлять композицию на полу. Порадует «напольный» результат –  смело переносите свою картинную «галерею» на стены.

Картины и постеры в интерьере. Украшаем стены галереей картин

Придать интерьеру оригинальности, законченности и стиля помогут картины и постеры. Разместить одну или несколько произведений великих современных художников у себя в квартире может позволить себе не каждый. Что же делать тем, кто хочет разнообразить свой интерьер не одной картиной, а целой галереей? Где взять столько картин? Как их между собой сочетать и главное, как повесить? Об этом подробнее в нашей статье.

Галерея картин в интерьере дома или квартиры

Создать в интерьере собственного дома целую галерею картин — дело непростое. Нужно учесть множество моментов, чтобы картины смотрелись и украшали, а не портили интерьер. Зато, такая галерея станет прекрасным декором для любого помещения. Галерею с картинами можно разместить и в гостиной, и в спальне, что уж говорить про прихожую или коридор. Сегодня такие галереи модно размещать даже в туалете и ванной комнате.

Где взять картины и постеры для интерьера?

Если вы не художник, не имеете коллекцию картин и особых средств, то предлагаем Вам несколько бюджетных вариантов:

Постеры. Постеры можно напечатать в любой типографии или рекламном агентстве, занимающемся полиграфией. Сегодня такую услугу предлагают и багетные мастерские. Главное, все постеры должны быть хорошего качества и высокого разрешения. Где такие взять? К примеру, существует множество бесплатных сайтов, собирающих клипарты и картины в высокого качества.

Фотографии в интерьере. У каждого человека в доме найдется минимум десяток семейных фотографий с портретами. Это могут быть яркие цветные фото или старые черно-белые снимки советских времен. Обычно они хорошо смотрятся в овальных рамах и толстых винтажных багетах.  Вы можете разместить их вместе с зеркалами как на фото ниже. Главное правило: все фотографии должны быть в одном стиле и сделаны в одном десятилетии. Если же вы решили совместить фотографии бабушек в молодости и собственные фото, обратитесь к обработке фотографий, сделав свои фотографии в таком же винтажном стиле.

Также для интерьера подойдут фотографии профессиональных фотографов, арт-фотографии, фото сделанные под стиль интерьера.

Семейная фотосессия может стать будущим украшением стены в гостиной. Комбинируя фотографии с другими изображениями или открытками Вы получите собственную галерею, затратив минимум усилий на поиск работ.

Старинные плакаты. Старые винтажные плакаты и афиши могут стать великолепным украшением интерьера. Где их можно приобрести? Конечно, на барахолках и блошиных рынках! Это могут быть афиши концертов, цирковые афиши, рекламные плакаты с лозунгами.


Совсем не обязательно приобретать оригиналы. Сегодня можно найти дешевые копии таких афиш. Их можно приобрести и в интернете.

Картины художников в интерьере. Совершенно не обязательно покупать картины у знаменитых художников с именем. Эти произведения искусства стоят недешево. К примеру, сегодня есть много молодых и современных художников, которые могут создать работу во много раз лучше. Талантливых личностей можно найти в интернете или соцсетях. Можно купить у них готовые работы или заказать что-то конкретное.

Это могут быть и академические работы и современная живопись, абстракции или просто наброски на писчей или крафтовой бумаге (фото ниже). Пейзажи, портреты, ботанические таблицы или графические узоры — для современного интерьера подойдет любой мотив.

Если же Вы имеете достаточно средств и готовы вкладывать их в живопись великих мастеров, вы должны разбираться в искусстве или посоветоваться со знающими людьми.  Профессиональные работы художников можно приобрести в художественных салонах.

Картины для интерьера своими руками. Картины можно нарисовать самим. Нередко даже у знаменитостей можно увидеть картины, нарисованные их детьми или своими руками. Совершенно не обязательно уметь рисовать. Красивые цветовые пятна, собирающие все цвета интерьера на одном полотне — уже искусство.

Гербарий. Ещё один из видов украшения стен — гербарий (фото ниже). Картины из сухих цветов и листьев могут стать прекрасной заменой обычному постеру или изображению. Такие композиции можно поместить под стекло в обычные рамки и комбинировать с ботаническими картинами.

Цветочные мотивы — прекрасный вариант для интерьера кантри или шебби шик. Винтажные открытки с цветами украсят интерьер в стиле ретро.

Пейзажи. Умиротворяющие пейзажи — отличный вариант для спальни (фото ниже). Это могут быть изображения любимых мест и достопримечательностей. Всегда хорошо смотрятся легкие акварельные работы с изображением архитектуры в багетных рамах.

Портреты. Украсить стены можно портретами. Это могут быть классические портреты написанные маслом, графические работы или портреты под старину.

К примеру, поклонником классических и исторических интерьеров, придутся по душе портреты в стиле 17-18 веков. Можно заказать собственный портрет в старинном костюме или фраке (фото ниже).

Для этнического интерьера подойдут изображения людей в национальных костюмах. Такие картины можно привезти из путешествия. Портреты можно комбинировать с зеркалами.

Портрет может быть выполнен и в виде шаржа, и в виде иллюстрации. Портреты в стиле Curious Art (на фото ниже) станут отличным вариантом для любителей всего необычного.

Собственный портрет может стать украшением и гостиной, и спальни, и рабочего кабинета. Портрет может быть классическим или отражать вкусы человека. Например, можно заказать портрет отражающий род Ваших занятий, как это сделала Лин Албис. Девушка занимается изготовлением сладостей и для своей белоснежной спальни она заказала потрет с необычной шляпкой из леденцов.

Анималистика. Картины с изображением животных или птиц подойдут для интерьера в охотничьем стиле, стиле кантри или шале. Также они могут подойти для классического интерьера или винтажного стиля. Картины с изображением жуков впишутся в этнические интерьеры южных стран.

Популярны картины с изображением кошек, собак (фото выше), оленей или диких птиц. В последнее время в моду входит арт с изображением животных во фраках и исторических костюмах.

Ботанические таблицы и чертежи в интерьере. Украсить стены можно и с помощью ботанических таблиц или чертежей. Сегодня такие таблицы пользуются большой популярностью заграницей. Они придают интерьеру оригинальности и старины, создают необычную и порой даже таинственную атмосферу.

Сделать обычные чертежи старинными — поможет заварка черного чая. Белую бумагу легко можно состарить с помощью ватки, смоченной в крепкой заварке.

Картины в гостиную

Галерея картин прекрасно подходит для гостиной комнаты.  Обычно она располагается над диваном. Это классический вариант расположения галереи в гостиной комнате. Вы можете скомбинировать несколько картин и зеркал в разных рамах и паспарту. Паспарту и рамки можно приобрести в багетной мастерской. Даже самый простой набросок будет смотреться дорого, если грамотно подобрать для него раму. Поэтому, не стоит экономить на багете, лучше собирайте свою галерею постепенно.

Началом будущей галереи могут стать несколько больших картин или диптих.

Для дизайна интерьера темной гостиной комнаты подойдут картины с подсветкой (фото ниже).  Подсветка создаст дополнительное освещение  и романтическую обстановку в комнате. Подсветка для картин обычно делается в виде специальных ламп направленного света на изогнутой подставке и вешается над картиной.

Картины для интерьера спальни

Спальню лучше не нагромождать большим количеством картин в толстых и разных рамах. Для спальни выбирайте спокойные сюжеты: пейзажи, портреты, цветы или животных

Для спальни в морском стиле подойдут изображения медуз и морских звезд (фото выше). Схожие изображения можно располагать в одинаковых рамах на одинаковом расстоянии. Что касается изображений разного жанра, то лучше отдать предпочтение разным рамам и размерам.

Иногда для спальни достаточно одной большой и спокойной картины, расположенной в изголовье кровати (фото выше), иногда это могут быть две картины, расположенные друг под другом над тумбой или прикроватным столиком (фото ниже).

Картины в туалете

Сегодня дизайнеры относятся к интерьеру ванной комнаты и туалета более серьезно, чем ещё несколько лет назад. И здесь они проявляют оригинальность, размещая арт объекты и предметы искусства.

Для интерьера туалета подойдут абсолютно любые изображения, кроме портретов. Это могут быть пейзажи неизвестных улочек или изображения животных и птиц.

В интерьере этой ванной комнаты были использованы обои с тропическими растениями (фото ниже). Картина с жуком идеально вписалась в этот дизайн.

Размещая картины в туалете совмещенном с ванной помните, в помещении должна быть очень хорошая вытяжка. Влага быстро испортит любое изображение. Ещё один вариант — сделать картину герметичной, тщательно пройдясь прозрачным герметиком вдоль всех стыков рамы и стекла с внутренней и задней стороны.

И напоследок, помните, что все картины должны быть в едином стиле и объединятся общей цветовой гаммой. Они должны органично вписываться в стиль интерьера и придавать помещению изысканности.

Экспериментируйте, комбинируйте картины с постерами, фотографиями, открытками, панно и другими элементами декора и тогда Вы создадите собственную, уникальную галерею в своем интерьере.

Интересные статьи:

загрузка…

Похожие материалы:

12 советов по выбору, фото примеры

Большинство людей проводит на кухне значительную часть времени: готовка, завтраки и ужины, а иногда и посиделки с друзьями. Естественно, каждому хочется, чтобы помещение было максимально уютным и красивым.

Картины могут стать настоящим украшением вашей кухни.

Конечно, без хорошего ремонта добиться ощущения уюта не получится. Однако не стоит забывать, что интерьер кухни во многом делают мелочи: декор, посуда, часы и, конечно, картина.

Добавьте уюта в вашу кухню.

Последние считаются едва ли не самым популярным кухонным украшением. Давайте разберемся, как выбрать картину, подходящую под интерьер кухни и на что обратить внимания.

Достоинства картины на кухне

Важно понимать, что пейзажи и натюрморты выполняют не только важную эстетическую роль. Их функционал значительно шире, чем может показаться на первый взгляд.

Картины служат не только украшением.

Иногда картины могут:

  • Скрыть погрешности чистовой отделки. Иногда краска или штукатурка на стены ложится не слишком ровно, а такой декор поможет замаскировать дефект.
  • Добавить красок в моноцветный дизайн. Если вы решили выдержать однотонный интерьер, результат может получиться скучноватым. Яркий рисунок в таком случае сделает помещение интереснее.
  • Сместить акцент на определенную зону.
  • Сгладить диспропорцию, которая может возникнуть, если одна стена заставлена полностью, а вторая свободна.

Однако для того, чтобы достигнуть таких результатов, необходимо правильно выбрать картину. Уверены, с нашими советами проблем у вас не возникнет!

Правильно подобранная картина дополнит образ.

Совет 1. Не забывайте о соответствии стилю

В первую очередь вы должны придерживаться единой дизайнерской концепции оформления кухни. Если помещение оформлено в стиле , романтичный пейзаж будет не слишком в тему. И наоборот, вряд ли яркий импрессионизм найдет себе место на кухне в стиле

Убедитесь, что картина соответствует вашей стилистике.

Поэтому тщательно подбирайте картину так, чтобы она соответствовала общему интерьеру.

Кстати: Многие, сосредоточившись на сюжете полотна, забывают о его оформлении. Речь идет о рамке. Ее тоже рекомендуем подбирать индивидуально, так, чтобы она гармонировала с остальными элементами кухни.

В идеале выбранная картина должна дополнять кухню, органично вписываясь в интерьер. Поэтому хорошо обдумайте свой выбор.

Совет 2. Создавайте грамотные композиции

Конечно, одно большое полотно может быть настоящим украшением комнаты. Однако не стоит забывать, что подобное решение подходит не для всех типов интерьера и не для каждой конфигурации комнаты. Например, в маленькой кухне вряд массивная картина будет уместна.

Классические картины тут смотрелись бы странно. А вот постеры — самое оно!

А такие стили как кантри и шебби-шик приветствуют множество небольших украшений, выдержанных в едином духе. Однако просто повесить картины в хаотичном порядке нельзя — необходимо создать композицию.

Нюанс: Исключение допустимо, если вы выбрали много небольших фото или картинок в одинаковых рамках. В этом случае небольшой «беспорядок» даже приветствуется.

В целом же помните, что ваша галерея должна иметь объединяющий элемент — цвет, смысловую нагрузку, общий стиль рисунка. Кроме того, рамки должны быть похожи между собою.

Абстракция — беспроигрышный вариант.

Если вы не уверены в своем таланте искусствоведа, можете приобрести готовый набор или несколько триптихов одного автора.

Совет 3. Работайте с формой

В данном случае речь идет о форме рамки. Если вы предпочитаете классические или минималистические решения, попробуйте беспроигрышный ход: вешайте на стены картины, которые соответствуют их форме. То есть, прямоугольные и овальные для прямоугольной стены, квадратные и круглые для квадратной.

Рамка соответствующая формой стене — классический вариант.

Впрочем, если вы создаете композицию, можете поэкспериментировать с хаотичным подбором разных форм. Однако в этом случае необходимо особенно внимательно следить за смысловой общностью, чтобы не разрушить гармонию.

Поиграйте с формами и размером.

Продумывая композицию, не следует сразу же размещать картины на стене. Разложите их на полу, чтобы увидеть результат. Возможно, что-то потребуется изменить. Затем на липкую ленту прикрепите к стене листы бумаги, соответствующие размером и форме вашим картинам. Только после этого, если вас все устраивает, вы можете приступать непосредственно к размещению рамок.

Сложные вычисления может заменить одна картина неожиданной формы.

Совет 4. Соблюдайте пропорции

Рекомендация может показаться очевидной, однако многие забывают об этом при виде приглянувшегося предмета живописи. Массивные картины не подойдут для маленькой кухни — сюда лучше подбирать 2-3 небольших рисунка в аккуратных рамках.

Несколько небольших картин и кухня смотрится изумительно.

И наоборот. Если у вас просторное помещение, небольшая картина может просто потеряться в пространстве. Поэтому тщательно соотнесите размеры.

Исключение — если кухня перегружена другими деталями.

Как ни странно, этот же совет можно применить и к сюжету картин. Вы можете быть фанатом маринистики, но согласитесь, что реплика Девятого вала будет странно смотреться в рамке 9х12. Поэтому не забывайте о здравом смысле и найдите те картины, которые подойдут вашей кухне.

Пейзажи — нейтральный вариант «подо все».

Совет 5. Законы вертикали и горизонтали

Неправильное размещение картины может уничтожить баланс вашей комнаты и сделать ее диспропорциональной. Поэтому следует быть осторожным с размещением картин. Если она одна — все гораздо проще. Однако в случае, если вы хотите повесить композицию из нескольких элементов, придется действовать с учетом законов геометрии.

Не стоит забывать о геометрии помещения.

Визуально наметьте для себя центр картины, которая будет оставаться в центре сюжета и развесьте по вертикальной или горизонтальной оси от нее остальные рисунки. Это универсальная композиция, которая хорошо подойдет как для современного, так и для .

Хороший пример размещения.

При этом учтите, что правильный подход в этом вопросе поможет вам визуально улучшить восприятие комнаты.

Например, горизонтальное размещение хорошо подходит для небольшой кухни с высокими потолками. Таким образом вы сумеете сгладить диспропорцию в габаритах. И наоборот, вертикальное размещение поможет вам сделать помещение визуально выше.

Не знаете куда повесить картину и боитесь запутаться? Нанесите ее на холодильник!

Совет 6. Подумайте об освещении

Даже самая красивая картина потеряется, если повесить ее в темный угол. К тому же, линии рисунка могут исказиться из-за игры света и тени. Поэтому важно продумать, как вы будете освещать свои картины.

Правильное освещение — залог успеха.

Прежде всего подумайте, как будет падать свет от уже установленных осветительных приборов. Возможно, после этого вам придется придумывать новое место для картины.

Хороший ход — установка специальных тонких горизонтальных ламп, которые нередко можно увидеть в музеях. Конечно, мы не призываем вас покупать дорогостоящее оборудование. Однако его имитация сыграет хорошую службу: картина будет правильно подсвечена сверху, поэтому раскроется вся ее красота.

Такая подсветка раскрывает красоту картины.

Кстати: Не забывайте и о естественном освещении. Большинство красок, включая масляные и акварель, не переносят прямого солнечного света. Цвета тускнеют и по рисунку может пойти своеобразная патина, которая его не украсит. Поэтому никогда не вешайте картины напротив окна.

Кроме того, не следует вешать живопись маслом непосредственно рядом с греющимися лампами — даже если картина обработана с применением специальных технологий, постоянный нагрев плохо скажется на стойкости красок.

Вешайте картины в небольшом удалении от плиты, если они не жаропрочные.

От освещения зависит и тип картины. Например, если комната сама по себе темная, не слишком освещенная, лучше отказаться от миниатюр с большим количеством деталей — без подсветки их просто нельзя будет рассмотреть.

Совет 7. Определяемся с высотой

Так как основное значение картин на кухне эстетическое, чаще всего дизайнеры рекомендуют вешать их непосредственно на уровне глаз. Исключение — обеденный стол, где полотна можно разместить чуть ниже или чуть выше. Однако не забывайте, что в последнем случае важно убедится, что никто из встающих не будет цепляться за картину, особенно если на рамке есть выступающие элементы.

Правильная высота важна для картины.

Есть и другие нюансы, на которые мы рекомендуем обратить внимание:

  • Планируете размещать картины сразу на нескольких стенах? В этом случае очень важно, чтобы не создался эффект небрежности. Проследите, чтобы нижние края рамок находились на одном уровне. В противном случае кухня будет выглядеть слишком аляповато.
  • Если вы фанат небольших картинок, лучше вешайте их на уровне глаз или чуть ниже. Если же вы повесите их слишком высоко, то скорее всего не сможете рассмотреть, что на них изображено.
  • Предпочитаете большие изображения? Тут тоже есть свое правило. Нижний край картины должен находится непосредственно по уровню середины стены. Однако если у вас слишком высокие стены, можно чуть приподнять картину — так вы сумеете сгладить дисбаланс.
  • Картины над баром или обеденным столом можно вешать ниже уровня глаз, однако вплотную к столешнице размещать их не стоит. В противном случае вы рискуете измазать изображение. Из этих же соображений не стоит размещать рисунки над плитой и рабочей поверхностью.

В целом же мы советуем оценивать результат до того, как повесить картину — слишком большую роль играет дизайн вашей кухни, поэтому общие рекомендации могут немного корректироваться в зависимости от интерьера.

Выдерживайте горизонт.

Совет 8. Зеркальное размещение

Популярный дизайнерский прием — размещение картинной галереи напротив гарнитура, зеркально к фартуку. Тут тоже есть свои правила, которым придется следовать, если вы хотите, чтобы кухня выглядела красиво и гармонично.

Позаботьтесь о ровной линии.

В этом случае ряд должен получиться очень четкий, поэтому придется поработать строительным метром. При этом необязательно подбирать картины четко в размер фартука, чтобы обеспечить симметричность. Есть еще несколько способов обеспечить кухне красивый и стильный вид:

  • Верхний край картин вы можете выровнять по уровню верхнего края фартука. Такой прием хорошо подходит для небольших квадратных кухонь.
  • Нижний край рамок может располагаться на уровне столешницы гарнитура. Этим способом вы сделаете кухню визуально выше. Однако убедитесь, что никто не будет цеплять картины — этот способ подходит только если стена напротив фартука свободна от мебели.
  • Универсальный метод — по уровню оконного проема. Он подходит к любому типу помещений.

Совет 9. Продумайте, как вписать крупные картины

Иногда возникает желание повесить на кухне большое полотно или фреску. В этом случае очень важно, чтобы окружение картины было максимально простым — однотонная отделка стен, не слишком вычурная мебель.

Чем больше картина, тем требовательнее правила.

Если вы заказали принтованное полотно во всю стену, остальные поверхности должны иметь ровный, нейтральный цвет. В противном случае вы рискуете получить слишком вычурную аляповатую кухню.

Такая картина нуждается в тщательном планировании.

Кстати: Вовсе не обязательно в таком случае покупать дорогие обои. Вполне можно обойтись фотообоями, уход за которыми в разы проще, чем за картинами.

Совет 10. Не забывайте о технике безопасности

Ни в коем случае не вешайте картины непосредственно над газовой плитой — малейшей искры может быть достаточно, чтобы полотно загорелось. Исключение — застекленные картины в стеклянной же рамке. Однако убедитесь, что стекло огнеупорно.

Да и вообще, рамка на кухне — почти мастхев.

Даже застекленные картины в деревянных рамках не стоит вешать рядом с раковиной. Постепенно рамка разбухнет и деформируется от постоянного влияния влаги. А об обычных и речи не идет — не пройдет и месяца, как картина испортится.

Совет 11. Помните о здравом смысле

Разумеется, вы вольны обставлять свой дом так, как вам нравится. Однако изображения для кухни все же следует подбирать с опаской. Вряд ли вам добавят аппетита картины Босха (мы не принижаем их художественную ценность, но все же!) или иллюстрации к анатомическому атласу.

Картина на кухне должна вызывать аппетит, а не отпугивать его.

Классикой для кухни считаются пейзажи, натюрморты, абстракция. Поэтому выбирайте то, что придется вам по душе, но с небольшой оглядкой.

Нейтральное изображение лучше, чем сложная композиция.

Не забывайте о качестве картин — если оно не слишком высокое, вместо украшения вы рискуете полностью испортить интерьер своей кухни.

Совет 12. А может, лучше не вешать?

Если вы любите частые перемены, вполне вероятно, что скоро картины надоедят вам или захочется перевесить их куда-то в другое место.

Яркое решение, не требующее дрели.

В этом случае мы рекомендуем не вешать картины, чтобы не портить стены, а поставить их в специальных рамках на узкие полочки. При этом последние можно сделать прозрачными — так картины будут словно парить в воздухе.

[autor_bq]

фото, красивые на стену, в современном и классическом стиле, какие постеры повесить

Правильно подобранная картина в гостиной станет частью интерьера и отлично подчеркнет его стиль

Красивые картины практически в каждом интерьере смотрятся органично. И этого правила не меняет переменчивая мода, акценты новой стилистики и т.д. И на кухню, и в спальню, и в прихожую можно повесить картину, и в детские комнаты частенько выбирают красивые картины (не только же постеры там вешать), но в гостиной они смотрятся наиболее органично.

Какие картины в гостиную выбрать: особенности комнаты

Картина – вот главный акцент на стену, с тех пор, как в постсоветских традициях вешания ковра на стену, наступили глобальные перемены. Правда, далеко не сразу научились подбирать картину по всем правилам. Золоченые рамы, немного нелепые в своих претензиях на роскошество, мягко сказать, неуверенно смотрелись в условиях малогабаритных квартир.

Если не знаете, что выбрать, останавливайтесь на классическом варианте. Это неброская деревянная или белая рама, изображение в стиле реализма, пейзажи или натюрморты. Если пейзаж, то тематика его должна быть, в идеале, близка либо месту, где вы живете, либо стилю гостиной.

К примеру, пейзаж русской весны будет созвучен в классическом интерьере обычной гостиной. А вот африканские мотивы в такой же гостиной будут смотреться неуклюже. Другое дело, если сама гостиной связана с эстетикой Африки. От декоративных шкур до обоев из, к примеру, пробки. Туда же относятся декоративные статуэточки, украшения в африканском стиле. В дизайне комнаты созвучно должно быть все.

Картины для гостиной в современном стиле: как выбрать

Современный стиль обычно понимается как абстракция, интересные решения, новизна, игра света, цвета, форм. Это может быть, на первый взгляд, не самый яркий и объяснимый выбор – например, ветка дерева, как будто увеличенный фрагмент изображения дерева. Только фрагмент, но почему-то именно к нему приковано внимание. Часто выбираются картины в нескольких рамах, но изображение одно и то же. Как будто, одну картину разрезали на несколько частей.

Это могут быть и прямоугольные рамы, и квадратные, и ломаные, ассиметричные формы. Современная картина и вовсе может не иметь рам – и это больше чем стандартная картина маслом, не просто изображение, а даже претензия на инсталляцию.

Как выбрать картину для гостиной: выбор репродукций

Очень часто в последнее время выбор многих склоняется не к изображениям неизвестного происхождения, в том смысле, что автор неизвестен, а к репродукциям. Но если вы не так сведущи в искусстве, возможно, без подсказок не обойтись.

Какие репродукции вам могут понравиться, рассмотрим далее.

Шагал

Поток чистой лирики, поэма в красках. Для романтичных, любящих чистые символы и понятность картин, пусть даже коровы летают по небу и люди угловаты и просты. Репродукция картины «Над городом» украсит гостиную, где живут люди, склонные к изяществу простоты, мечтательству и жизнерадостности.

Ренуар

Это не просто мастер женского портрета, это человек, ценящий и видящий красоту. Он не выносил пошлость, не любил всего дешевого и учил видеть то, что заедает быт и повседневность, что есть под всем этим. Репродукции картин «Прогулка», «Лягушатник» и «Качели» станет отличным украшением светлой гостиной со склонностью к ноткам аристократизма.

Матисс

Он неоднократно менял стиль, манеру, технику, и неизвестно, какие его искания были лучше, кажется, он гениален во всех направлениях. Он чувствовал силу цвета, цвет на его картинах пульсирует. «Радость жизни», «Красная комната», «Танец» – это шедевры Матисса, репродукции которых займут свое место в ярких творческих интерьерах.

Любителям светлых, чистых, нежных и радостных интерьеров, стоит присмотреться к импрессионистам. Любителям русского искусства и таких же интерьеров с громоздкой деревянной мебелью, массивными столами, старинному декору, возможно, не стоит отказываться от репродукций Васнецова, Репина, ну а Врубель понравится тем, кто лирику и мистику не променяет на жизнерадостность и свет картин и декора.

Картины на холсте в печатной технике и фотокартины

Это не живопись, и не постеры – их нельзя отнести к данным видам. Обычно это плоские репродукции, которые не отличаются глубиной цвета и мазков, всему тому, что есть в масляных картинах. Картина, которая отпечатана на холсте, красиво смотрится только издали. Работы не несут художественной ценности, это все-таки довольно дешевый вариант декора.

И если вы отказываетесь от классической картины, то лучше обратиться в сторону фотографии. Все же в мире огромное число талантливых фотографов, работы которых, конечно, могут украсить и интерьер гостиной в том числе.

Где повесить картину

  • Над диваном – практически всегда красиво и всегда уместно;
  • Над комодом – декоративную группу могут составить картина, ваза с цветами, красивые фигурки и статуэтки;
  • Над камином – а это выглядит очень уютно и органично;
  • На пустой стене – а там можно устроить целую картинную галерею.

Да, несколько картин в одной комнате – это хороший вариант. Но не спешите сразу подобрать много качественных хороших работ. Сделать это можно только в случае подбора серии пастелей или акварелей, возможно, одного автора. Объединяет цветы обычно одна цветовая гамма.

Картины в интерьере гостиной (видео)

Это всегда беспроигрышный вариант – картина в гостиной. А может и не одна, не всегда большая, но всегда уместная конкретно в этом интерьере.

Удачного выбора!

Картины в гостиной (фото в интерьере)

Оцените статью: Поделитесь с друзьями!

Нарисуйте портрет как у старых мастеров

В этом уроке мы подробно рассмотрим преимущества копирования картины старых мастеров. Я решил скопировать часть картины «Жанна» Уильяма Адольфа Бугро.

Есть много художников, которыми я восхищаюсь, но я думаю, что Бугро занимает первое место в моем списке из-за его технического мастерства. Я проработал в индустрии видеоигр 13 лет в качестве художника-фрилансера и художника галереи, и, хотя мои темы и клиенты разнообразны, я всегда мог искать вдохновения в Бугро.

Создание мастер-копии преследует три цели. Первая цель — извлечь уроки из эстетических чувств художника, которого вы выбрали для копирования. Это ключ к развитию вкуса или ценителя.

Вторая цель — узнать, как художник подошел к цвету, значению, краям и дизайну или композиции. Я стараюсь обращать пристальное внимание на то, как обрабатываются края и где художник принимает стилистические решения, а не на то, что можно наблюдать. Например, Бугро значительно упростил волосы в своей работе Жанны, чтобы создать более крупные формы, и только в нескольких ключевых местах он визуализирует отдельные волоски.

Третья цель — быть точным. Это наименее важный, но все же очень ценный. Я говорю это потому, что могут быть части картины, которые практически невозможно скопировать с полной точностью и раскрасить так же, как это делал Старый Мастер. Если исходная картина была сделана большой кистью, которая кажется спонтанной и рыхлой, вам не нужно брать самую маленькую кисть и пытаться имитировать один мазок кистью сотней маленьких мазков, просто чтобы показать, насколько вы дотошны.

Я полагаю, что рисование с такой же энергией и манерой, как и у оригинального художника, будет гораздо более ценным для подражания, чем создание якобы идеальной копии, в которой отсутствует оригинальная техника.

Загрузите сопроводительные файлы для этого руководства.

01. Выберите свой Мастер

Во-первых, найдите подходящую картину для работы из

. Первое решение — это выбрать изображение для работы. В данном случае я решил нарисовать часть красивой Жанны Уильяма Адольфа Бугро, потому что хочу изучить, как Бугро обращается с кожей и ценностями.Я также очень хочу попробовать красить волосы так же, как это делал Бугро.

02. Подготовьте поверхность.

Используйте гипс на акриловой или масляной основе для подготовки поверхности.

Гессо для вашей доски используйте гипс на акриловой или масляной основе. Мне нравится левкас Liquitex Professional, потому что в него добавлен карбонат кальция, который придает ему впитывающую способность и зуб. Если вы используете грунтовку на масляной основе, вам нужно будет изменить размер холста и дать ему несколько недель для высыхания.

03. Сетка вверх

Сетка в один дюйм поможет вам скопировать исходную картину.

При подготовке к копированию чертежа на доску поместите сетку 1×1 дюйм поверх исходного изображения, затем слегка нарисуйте такую ​​же сетку соотношения сторон на ваш холст.Не делайте это слишком темным, иначе это будет видно. Здесь я работаю с таким же размером — это сетка 1: 1.

04. Создание точного рисунка

Ограничьте рисунок основными характеристиками рисунка

При рисовании рисунка необязательно отображать все значения. Постарайтесь ограничить свой рисунок только ориентирами, которые помогут вам в рисовании. Ищите большие формы и четко очерченные тени. Единственная цель этого этапа — помочь вам закончить рисование, а не закончить полностью визуализированным рисунком.

Когда рисунок будет готов, либо сотрите линии сетки и затем опрыскайте его работоспособным фиксатором, либо нанесите на линии стойкие чернила на пигментной основе. Не используйте чернила на основе красителей, такие как Sharpie или шариковая ручка, потому что они могут растекаться через краску. Хорошо работают индийские туши и ручки Micron Pigma. Бугро рисовал свои рисунки кистью.

05. Нанесите имприматуру

Используйте тон, предпочитаемый вашим художником для имприматуры

Теперь вам нужно тонировать свой холст.Я выбрал теплый розовый тон, потому что из исследований знаю, что Бугро часто использует розовый или теплый серый оттенок. Изучите своего художника и посмотрите, что он предпочитает. Это называется имприматурой. Сделайте это достаточно прозрачным, чтобы вы все еще могли легко видеть линии.

06. Определите свои телесные тона

Смешайте свои телесные цвета с белым, красным, желтым и черным

Мои телесные цвета смешаны из белого, красного, желтого и черного. Я смешиваю несколько оттенков серого, а не добавляю чистый черный к телесным цветам.Это позволяет мне легче регулировать насыщенность. Смешайте много краски, чтобы вам не приходилось смешивать ее часто. Вам не нужно смешивать все цвета, которые вы видите — всего несколько значений в каждой цветовой семье

07. Установите значения

Убедитесь, что вы установили свои отношения ценностей на ранней стадии

Это ключ к установлению ваших отношений ценностей на раннем этапе. Я стараюсь сделать хотя бы одну часть картины такой же темной, какой она будет в финале, чтобы помочь измерить отношения ценностей.В этом случае фон и глаза содержат самые темные значения. Сохраните самые яркие значения для последнего прохода.

08. Краска в волосах

Постарайтесь сделать прическу за один проход

Я обрабатываю волосы иначе, чем остальную часть рисунка. Я постараюсь приблизиться к изображению за один проход, чтобы рисунок выглядел более спонтанным. Позже я добавлю несколько бликов и укажу несколько тонких волосков на следующем этапе, но вы можете получить довольно близко за один проход.

09.Нарисуйте ébauche

Используйте средние цвета и значения для вашего этапа ébauche

Значения и цвета на этапе ébauche — мой подмалевок для художественной работы — не будут точно такими, как они будут выглядеть в финале. Я ищу средний цвет и значение для области, которую рисую. Это позволит мне рисовать более непрозрачно на последнем проходе, но с небольшими просвечивающими участками, добавляющими глубины.

10. Завершение ébauche

Дайте ébauche время, чтобы хорошо высохнуть

Дайте ébauche высохнуть перед тем, как приступить к следующему этапу.Это позволит вам работать более агрессивно и растирать краску, не удаляя ébauche. Если вы добавили в краску осушающий агент, такой как Liquin или Galkyd Gel, он должен высохнуть в течение ночи. Пигменты на основе свинца, такие как хлопья, кремниц или фламандский белый, также ускоряют время высыхания.

11. Начало последнего прохода

Последний слой — это то место, где вам нужно быть как можно более точным.

Теперь мы начинаем визуализировать последний слой, и наша цель — добиться максимальной точности в цветах и ​​значениях. .Некоторые части картины могут выглядеть тусклыми и матовыми, поэтому нанесите очень тонкий слой льняного масла или олеогеля, чтобы восстановить цвет и блеск. Это значительно упростит рисование в этих областях.

12. Сосредоточьтесь на глазах

Воспользуйтесь Photoshop, чтобы получить точные значения цвета

Белки глаз на самом деле являются лишь серой версией телесных тонов. Если вы возьмете картину Бугро и перенесете ее в Photoshop, вы сможете проанализировать цвета и посмотреть, какие основные оттенки используются.Эта картина преимущественно красно-оранжевая в телесных тонах с низкой насыщенностью.

13. Используйте контролируемый подход

Устойчивый и методичный — это способ двигаться

Работайте от одной области к другой и старайтесь не слишком много прыгать на картине. Это поможет вам определить соотношение ценностей и цветов. Смешайте много краски и, если она начнет сохнуть, перемешайте новые кучи краски. Если краска под кистью начинает комковаться, вам понадобится свежая краска.

14. Обработка и лак

Перед лакировкой выделите тени и светлые участки.

На этом заключительном этапе ищите самые темные акценты и самые яркие блики. Это сделает вашу картину популярной. Когда картина высохнет, можно наносить финальный лак. Для Damar нужно подождать шесть месяцев, но с новыми лаками, такими как Gamblin Gamvar, вы можете покрывать лаком, как только краска станет твердой.

Эта статья впервые появилась в ImagineFX , выпуск 144; купите здесь !

Статьи по теме:

7 основных стилей живописи, от реализма до абстрактного

ThoughtCo / Хилари Эллисон

Частью радости живописи в 21 веке является широкий диапазон доступных форм выражения.В конце 19 и 20 веков художники совершили огромный скачок в стилях живописи. На многие из этих инноваций повлияли технологические достижения, такие как изобретение металлической трубки для краски и эволюция фотографии, а также изменения в социальных условностях, политике и философии, а также мировые события.

В этом списке перечислены семь основных стилей искусства (иногда называемых «школами» или «движениями»), некоторые из которых намного более реалистичны, чем другие. Хотя вы не будете частью первоначального движения — группы художников, которые обычно разделяли один и тот же стиль рисования и идеи в течение определенного исторического периода — вы все равно можете рисовать в стилях, которые они использовали.Узнав об этих стилях и увидев, что создали художники, работающие в них, а затем самостоятельно экспериментируя с различными подходами, вы можете начать развивать и развивать свой собственный стиль.

Реализм

Туристы фотографируют Мона Лизу, Лувр, Париж, Франция. Питер Адамс / Getty Images

Реализм, в котором предмет картины больше похож на реальную вещь, а не стилизован или абстрагирован, — это стиль, который многие люди называют «настоящим искусством». Только при близком рассмотрении объекты, кажущиеся сплошными цветами, проявляются в виде серии мазков разных цветов и значений.

Реализм был доминирующим стилем живописи с эпохи Возрождения. Художник использует перспективу, чтобы создать иллюзию пространства и глубины, настраивая композицию и освещение так, чтобы объект выглядел реальным. «Мона Лиза» Леонардо да Винчи — классический образец стиля.

Живопись

Анри Матисс — Блюда и фрукты [1901].

Галерея Гэндальфа / Flickr

Живописный стиль появился, когда промышленная революция охватила Европу в первой половине XIX века.Освободившись от изобретения металлического тюбика для краски, который позволил художникам выходить за пределы студии, художники сосредоточились на самой живописи. Сюжеты были переданы реалистично, однако художники не скрывали своей технической работы.

Как следует из названия, акцент делается на самом акте рисования: на характере мазков и самих пигментов. Художники, работающие в этом стиле, не пытаются скрыть то, что было использовано для создания картины, сглаживая текстуру или следы, оставленные на краске кистью или другим инструментом, например мастихином.Картины Анри Матисса — прекрасные образцы этого стиля.

Чикагский художественный институт. Скотт Олсон / Getty Images

Импрессионизм зародился в 1880-х годах в Европе, где такие художники, как Клод Моне, стремились запечатлеть свет не через детали реализма, а с помощью жестов и иллюзий. Вам не нужно подходить слишком близко к кувшинкам Моне или подсолнухам Винсента Ван Гога, чтобы увидеть смелые цветные штрихи, однако нет никаких сомнений в том, на что вы смотрите.

Объекты сохраняют свой реалистичный вид, но при этом обладают яркостью, уникальной для этого стиля.Трудно поверить, что, когда импрессионисты впервые показывали свои работы, большинство критиков ненавидели и высмеивали их. То, что тогда считалось незавершенным и грубым стилем живописи, теперь любят и почитают.

Экспрессионизм и фовизм

Крик Эдварда Мунка, MoMA NY.

Спенсер Платт / Getty Images

Экспрессионизм и фовизм — похожие стили, которые начали появляться в студиях и галереях на рубеже 20-го века. Оба характеризуются использованием смелых, нереалистичных цветов, выбранных не для изображения жизни такой, какая она есть, а, скорее, такой, какой она ощущается или кажется художнику.

Эти два стиля в чем-то различаются. Экспрессионисты, в том числе Эдвард Мунк, стремились передать гротеск и ужас повседневной жизни, часто используя гипер-стилизованные мазки и ужасающие образы, которые он использовал для большого эффекта в своей картине «Крик».

Фовисты, несмотря на свое новаторское использование цвета, стремились создавать композиции, изображающие жизнь в идеализированной или экзотической природе. Подумайте о резвых танцорах Анри Матисса или пасторальных сценах Жоржа Брака.

Абстракция

Работа Джорджии О’Киф, самая большая картина в Институте искусств Чикаго.Чарльз Кук / Getty Images

По мере того, как первые десятилетия 20-го века разворачивались в Европе и Америке, живопись становилась менее реалистичной. Абстракция — это прорисовка сути предмета в интерпретации художника, а не видимых деталей. Художник может уменьшить предмет до его доминирующих цветов, форм или узоров, как это сделал Пабло Пикассо со своей знаменитой фреской с изображением трех музыкантов. Артисты, все четкие линии и углы, совсем не выглядят реальными, но нет никаких сомнений в том, кто они.

Или художник может удалить предмет из контекста или увеличить его масштаб, как это сделала Джорджия О’Киф в своей работе. Ее цветы и ракушки, лишенные мелких деталей и парящие на абстрактном фоне, могут напоминать сказочные пейзажи.

Продажа современного искусства Sothebys. Кейт Гиллон / Getty Images

Чисто абстрактная работа, как и большая часть движения абстрактного экспрессионизма 1950-х годов, активно избегает реализма, упиваясь объятиями субъективного. Предмет или точка картины — это используемые цвета, текстуры в произведении искусства и материалы, использованные для его создания.

Картины Джексона Поллока могут показаться кому-то гигантским беспорядком, но нельзя отрицать, что такие фрески, как «Номер 1 (Лавандовый туман)», обладают динамичным, кинетическим качеством, которое вызывает ваш интерес. Другие художники-абстракционисты, такие как Марк Ротко, сами упростили свой предмет до цвета. Работы с цветовым полем, такие как его шедевр 1961 года «Оранжевый, красный и желтый», — это всего лишь три пигментных блока, в которых вы можете потеряться.

Фотореализм

Музей американского искусства Уитни.Спенсер Платт / Getty Images

Фотореализм развился в конце 1960-х и 1970-х годах как реакция на абстрактный экспрессионизм, который доминировал в искусстве с 1940-х годов. Этот стиль часто кажется более реальным, чем реальность, где не упускается ни одна деталь и нет незначительных недостатков.

Некоторые художники копируют фотографии, проецируя их на холст, чтобы точно запечатлеть детали. Другие делают это от руки или используют сетку для увеличения отпечатка или фотографии. Один из самых известных фотореалистов — Чак Клоуз, чьи фотографии коллег-художников и знаменитостей размером с фреску основаны на снимках.

Что такое искусство экспрессионизма? [+ Художники-экспрессионисты]

Статьи и статьи

Василий Кандинский, Der Blaue Reiter, 1910

Шира Вулф

В начале двадцатого века по Европе прокатилась художественная тенденция, подстегиваемая сопротивлением буржуазной культуре и страстью. поиск обновленных творческих способностей. Это стало известно как экспрессионизм. Слова, которые характеризуют художников-экспрессионистов и экспрессионистское искусство, — это «я», психика, тело, сексуальность, природа и дух.Во Франции голландский художник Ван Гог копал глубоко и раскрыл свою необычную, беспокойную и яркую психику; в Германии русский Василий Кандинский исследовал духовность в искусстве как противоядие от отчуждения в современном мире; в Австрии Эгон Шиле и Оскар Кокошка боролись с моральным лицемерием общества, затрагивая такие темы, как сексуальность, смерть и насилие; наконец, Эдвард Мунк произвел фурор в Норвегии и по всей Европе своим диким, интенсивным выражением окружающей среды, своего «я» и психики.Вместе эти художники затронули очень сырые, истинные и вечные вопросы, темы и проблемы, которые волновались под поверхностью и которые остаются знакомыми нам даже сегодня. Возможно, именно поэтому экспрессионизм в искусстве продолжался во многих разных направлениях даже после этих художников и в этот конкретный период времени, и почему вы можете утверждать, что экспрессионизм все еще жив.

Что такое экспрессионизм?

Экспрессионизм считается скорее международной тенденцией, чем последовательным художественным движением, которое было особенно влиятельным в начале двадцатого века.Он охватил различные области: искусство, литературу, музыку, театр и архитектуру. Художники-экспрессионисты стремились выразить эмоциональный опыт, а не физическую реальность. Известными картинами экспрессионистов являются картина Эдварда Мунка «Крик », Василия Кандинского « Der Blaue Reiter » и «Сидящая женщина с поднятыми ногами » Эгона Шиле .

Экспрессионизм — сложный и обширный термин, который в разное время означал разные вещи. Однако, когда мы говорим об экспрессионистском искусстве, мы склонны думать либо о художественной тенденции, которая возникла как реакция на импрессионизм во Франции, либо о движении, которое возникло в Германии и Австрии в начале двадцатого века.Этот термин настолько эластичен, что подходит для художников от Винсента Ван Гога до Эгона Шиле и Василия Кандинского.

Ключевые даты: 1905-1920
Ключевые регионы: Германия, Австрия, Франция
Ключевые слова:
я, психика, тело, сексуальность, природа, дух, эмоции, мистицизм, искажение реальности, преувеличение, усиление использование цвета
Ключевые художники:
Винсент Ван Гог, Анри Матисс, Эдвард Мунк, Эгон Шиле, Оскар Кокошка, Василий Кандинский, Франц Марк, Эрнст Людвиг Кирхнер

Французский экспрессионизм

Во Франции часто ассоциируются художники с экспрессионизмом были Винсент Ван Гог, Поль Гоген и Анри Матисс.Хотя Ван Гог и Гоген были активны в годы, несколько предшествовавшие тому, что считается основным периодом экспрессионизма (1905-1920), их, без сомнения, можно рассматривать как художников-экспрессионистов, которые рисовали мир вокруг них не так, как он выглядел. им, но из глубоко субъективного человеческого опыта. Матисс, Ван Гог и Гоген использовали выразительные цвета и стили мазков, чтобы изобразить эмоции и переживания, отойдя от реалистичного изображения своих предметов к тому, как они их чувствовали и воспринимали.

Эдвард Мунк, Крик. Картина воспроизведена в «Экспрессионизме» Эшли Басси, Эрнст Людвиг Кирхнер, Марселла. Картина воспроизведена в «Экспрессионизме» Эшли Басси Эгон Шиле, Сидящая женщина с согнутыми коленями. В «Экспрессионизме» Эшли Басси

Немецкий экспрессионизм

В Германии экспрессионизм особенно ассоциируется с группами Brücke и Der Blaue Reiter . Искусство немецкого экспрессионизма черпало вдохновение из мистицизма, средневековья, первобытных времен и философии Фридриха Ницше, идеи которого в то время пользовались огромной популярностью и влиянием.

Brücke был основан в Дрездене в 1905 году как богемный коллектив художников-экспрессионистов, выступающих против буржуазного общественного строя Германии. Четырьмя членами-учредителями были Эрнст Людвиг Кирхнер, Фриц Блейл, Эрих Хекель и Карл Шмидт-Ротлуф, ни один из которых не получил формального художественного образования. Они выбрали свое имя, Брюке, чтобы описать свое желание соединить прошлое и настоящее. Название было навеяно отрывком из книги Фридриха Ницше Так говорил Заратустра .Художники пытались вырваться за рамки современной жизни среднего класса, исследуя усиленное использование цвета, прямой, упрощенный подход к форме и свободную сексуальность в своих работах.

Der Blaue Reiter была основана в 1911 году Василием Кандинским и Францем Марком. Перед лицом растущего отчуждения, которое они пережили из-за модернизирующегося мира, они стремились превзойти обыденное, преследуя духовную ценность искусства. Более того, они стремились разрушить границы между, в их глазах, тесно связанными явлениями, такими как «искусство», детское искусство, народное искусство и этнография.Имя Der Blaue Reiter связано с повторяющейся темой всадника на лошади из мюнхенского периода Кандинского, а также с любовью Кандинского и Марка к синему цвету, который для них обладал духовными качествами. Основными художниками, связанными с Der Blaue Reiter, являются Кандинский, Марк, Клее, Мюнтер, Явленский, Веревкин и Макке.

Василий Кандинский, Импровизация VII. Картина, воспроизведенная в «Экспрессионизме» Эшли Басси

Австрийский экспрессионизм

Эгон Шиле и Оскар Кокошка — две главные фигуры австрийского экспрессионизма.На них особенно повлиял их предшественник Густав Климт, который также приложил руку к началу своей карьеры благодаря созданным им выставкам, демонстрирующим лучшее из современного австрийского искусства. Оба художника-экспрессиониста жили в противоречивой Вене конца 19, -го, , начала 20-го, -го, века, где моральное подавление и сексуальное лицемерие сыграли свою роль в развитии искусства экспрессионизма. Шиле и Кокошка избегали этого морального лицемерия и изображали такие темы, как смерть, насилие, тоска и секс.Кокошка прославился своими портретами и способностью раскрыть внутреннюю природу своих натурщиков, а Шиле — своими грубыми, почти жестокими изображениями отчужденной, но отчаянной сексуальности.

Эгон Шиле, Две девушки (влюбленные). Картина, воспроизведенная в «Экспрессионизме» Эшли Басси

Норвежский экспрессионизм

Еще одним важным художником того времени, оказавшим большое влияние на сцены немецкого и австрийского экспрессионизма, был норвежец Эдвард Мунк, который был хорошо известен в Вене по выставкам Сецессиона и 1909 Kunstschau .Мунк наиболее известен благодаря «Крику», его картине, изображающей фигуру на мосту с закатом позади него, испуская вздымающиеся волосы и отчаянный крик.

Эдвард Мунк, Поцелуй. Картина, воспроизведенная в «Экспрессионизме» Эшли Басси.

Культовые произведения экспрессионистов и художники
«Крик» Эдварда Мунка (1893)

Эта картина была вдохновлена ​​единственным мгновенным опытом, который Мунк испытал во Франции: «Я гулял по дороге с двумя друзьями.Солнце начало садиться. Я почувствовал легкую меланхолию. Внезапно небо стало кроваво-красным. Я остановился, прислонился к перилам, смертельно усталый, и посмотрел на пылающие облака, которые, словно кровь и меч, нависали над сине-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше. Я стоял там, дрожа от страха. И я почувствовал громкий, нескончаемый крик, пронизывающий природу ». («Экспрессионизм», Эшли Басси, стр.69) Крик ощущается фигурой, он полностью поглощает его и пронизывает как среду , так и его психику.

Василий Кандинский « Der Blaue Reiter (1903)»

Der Blaue Reiter — одно из первых произведений экспрессионистов Кандинского. На нем изображен всадник в синем цвете, скачущий по полям. Der Blaue Reiter (Синий всадник) также использовалось как название группы художников-экспрессионистов, основанной в 1911 году Василием Кандинским и Францем Марком.

Эгон Шиле « Сидящая женщина с поднятыми ногами» (1917)

Эгон Шиле нарисовал свою жену Эдит Хармс в 1917 году, изобразив ее сидящей на полу, положив щекой на левое колено.Ее огненно-рыжие волосы разительно контрастируют с зеленым цветом ее рубашки. Портрет смелый и многообещающий, с явным эротическим подтекстом. Эротизм — одна из главных тем в творчестве Шиле.

Franz Marc’s Blue Horses (1911)

Франц Марк был одним из основателей Der Blaue Reiter . Он придавал эмоциональное и психологическое значение цветам, которые использовал в своих работах, а синий использовался для изображения мужественности и духовности.Марк был очарован животными и их богатым внутренним миром, и он очень эмоционально изображал своих животных.

Franz Marc, Blue Horses, 1911

Конец экспрессионизма и его продолжение

Несколько художников-экспрессионистов погибли во время Первой мировой войны или в результате войны из-за травм и болезней. Франц Марк пал в 1916 году; Эгон Шиле умер во время эпидемии гриппа 1918 года, и многие другие покончили жизнь самоубийством после травм, нанесенных войной.Наконец, эра немецкого экспрессионизма была угашена нацистской диктатурой в 1933 году. Бесчисленное количество художников того времени, среди которых были Пабло Пикассо, Пауль Клее, Франц Марк, Эрнст Людвиг Кирхнер, Эдвард Мунк, Анри Матисс, Винсент Ван Гог и Поль Гоген. , были названы нацистами «дегенеративными художниками», а их работы в стиле экспрессионизма были изъяты из музеев и конфискованы.

Тем не менее, экспрессионизм продолжал вдохновлять и жить в более поздних художниках и художественных направлениях. Например, абстрактный экспрессионизм развился как важное авангардное движение в послевоенных Соединенных Штатах в 1940-х и 1950-х годах.Абстрактные экспрессионисты отказались от фигурации и вместо этого исследовали в своем искусстве цветовые поля, жесты и спонтанность. Позже, в конце 1970-х — начале 1980-х, неоэкспрессионизм начал развиваться как реакция на концептуальное искусство и минималистское искусство того времени. Художники-неоэкспрессионисты были очень вдохновлены немецкими экспрессионистами, которые были до них, часто изображая своих предметов в сырой манере с выразительными мазками и яркими цветами. Среди известных художников-неоэкспрессионистов — Жан-Мишель Баския, Ансельм Кифер, Джулиан Шнабель, Эрик Фишль и Дэвид Салле.

Ансельм Кифер, «Ордена ночи». Фото любезно предоставлено Художественным музеем Сиэтла

Часто задаваемые вопросы по экспрессионизму

Что такое экспрессионизм?

Экспрессионизм был художественным направлением и международной тенденцией в начале 20 века, охватившей изобразительное искусство, литературу, музыку, театр и архитектуру. Целью художников-экспрессионистов было выразить эмоциональный опыт, а не физическую реальность.


Какие художники связаны с экспрессионизмом?

Эдвард Мунк, Эгон Шиле, Оскар Кокошка, Василий Кандинский, Франц Марк, Эрнст Людвиг Кирхнер, Винсент Ван Гог и Анри Матисс.


Когда зародился экспрессионизм?

Экспрессионизм зародился в 1905 году и просуществовал примерно до 1920 года.

Хотите узнать о других направлениях в искусстве?

Соответствующие источники, чтобы узнать больше

Узнайте больше об экспрессионизме на: Tate

Подробнее

Что такое концептуальное искусство? (Развитие и эволюция)

Истоки и художники концептуального искусства
Писсуар Дюшана

Истоки концептуального искусства, можно сказать, восходят к 1917 году и к Марселю Дюшану.Художник купил писсуар в магазине сантехника и представил его как скульптуру на открытой выставке скульптур в Нью-Йорке, которую он входил в отборочную комиссию. Жюри отклонило работу, посчитав ее аморальной и отказавшись принять ее как искусство. Вопрос Дюшана о границах искусства и его критика художественного истеблишмента проложили путь концептуальному искусству.

Fluxus

В начале 1960-х термин «концепт-арт» уже использовался членами движения Fluxus, такими как Генри Флинт.Fluxus — это группа, в которую входили художники из Азии, Европы и США. Движение было направлено на создание открытого отношения к искусству, далекого от исключительности модернизма. Художники Fluxus были заинтересованы в расширении диапазона референций эстетики ко всему, от объекта до звука или действия. Среди известных художников Fluxus — Йоко Оно, которая принимала активное участие в различных мероприятиях Fluxus как в Нью-Йорке, так и в ее родной Японии, и Джозеф Бойс в Германии. Хотя не всегда точно считается частью движения концептуального искусства, Fluxus, без сомнения, является одним из его влияний.Это была важная тенденция на той же волне, что и концептуализм, и его художники часто считаются концептуалистами.

«Черные картины» Фрэнка Стеллы

В конце 1950-х — начале 1960-х годов Фрэнк Стелла создал серию «Черных картин», которая обозначила решающий момент разрыва между модернизмом и контрмодернистскими практиками. Эта серия работ приведет к появлению минимализма и концептуального искусства. Суть этих работ заключалась в том, чтобы буквально подчеркнуть и повторить форму холста, перенеся работу со стены в трехмерное пространство.Это была атака на модернизм, породившая нечто совершенно антиформное. Произведение искусства превратилось в действия и идеи, и с этого момента казалось, что шлюзы открылись, и художники переместились на совершенно новую территорию. Модернизму действительно пришел конец.

«Параграфы концептуального искусства» Сола Левитта

Статья Сола Левитта «Параграфы концептуального искусства» 1967 года в журнале Artforum была одной из самых важных работ по концептуализму.В статье концептуальное искусство представлено как новое авангардное движение. Фактически, термин «концептуальное искусство» появился в этой статье впервые. Начало статьи Левитта стало общим заявлением о концептуальном подходе: «В концептуальном искусстве идея или концепция являются наиболее важным аспектом работы. Когда художник использует концептуальную форму в искусстве, это означает, что все планирование и решения принимаются заранее, а исполнение — дело формальное. Идея становится машиной, создающей искусство.’


Получайте эксклюзивную коллекцию подобных статей каждую неделю.


Пик концептуального искусства
Джозеф Кошут

Концептуальное искусство как четкое движение возникло в конце 1960-х годов. В 1967 году Джозеф Кошут организовал в Нью-Йорке выставки Nonanthropomorphic Art и Normal Art , на которых были представлены работы самого Кошута и Кристины Козлов. В своих записях, сопровождающих выставку, Кошут писал: «Настоящие произведения искусства — это идеи.В том же году он выставил свою серию под названием (Искусство как идея как идея). Эта серия работ состояла не из визуальных образов, а из слов, которые были в центре дискуссии о статусе современного искусства — «значение», «объект», «представление» и «теория» и другие.

Art & Language Group

Тем временем в Англии Art & Language Group изучала последствия предложения все более и более сложных объектов в качестве произведений искусства (примеры включают столб воздуха, Оксфордшир и французскую армию).Первое поколение Art & Language Group было сформировано Терри Аткинсоном, Майклом Болдуином, Дэвидом Бейнбриджем и Гарольдом Харреллом в 1966-67 годах. Позже группа также расширилась до США. В 1972 году они выпустили Art & Language Index 01 для Documenta V. Это была инсталляция, состоящая из группы из восьми картотек, содержащих 87 текстов из журнала Art-Language .

Шесть лет Люси Липпард

Книга Люси Липпард Шесть лет , охватывающая первые годы движения концептуального искусства (1966-1972), вышла в 1973 году.Учитывая запутанный и сложный характер концептуального искусства, американский художник Мел Бохнер осудил ее рассказ как запутанный и произвольный. Спустя годы Липпард будет утверждать, что большинство описаний концептуализма ошибочны и что нельзя доверять воспоминаниям о реальных событиях, связанных с развитием концептуального искусства, — даже самим художникам.

Глобальное концептуальное искусство
Европа

Как указывалось ранее, концептуализм был важен не только в США и Англии, но также широко исследовался и развивался в других частях мира, где работа часто была далеко более политизированный.Во Франции примерно во время студенческих восстаний 1968 года Даниэль Бюрен создавал искусство, которое должно было бросить вызов и критиковать институт. Его целью было не привлечь внимание к самим картинам, а к ожиданиям, создаваемым художественным контекстом, в котором они были помещены. В Италии Arte Povera возникло в 1967 году, сосредоточившись на создании искусства без ограничений традиционных практик и материалов.

Латинская Америка

В Латинской Америке художники предпочитали в своей работе более прямой политический отклик, чем художники-концептуалисты в Северной Америке и Западной Европе.Бразильский художник Сильдо Мейрелеш повторно представил реди-мейд с его серией Insertions into Ideological Circuits (1969). Он вмешивался в объекты из систем обращения, такие как банкноты и бутылки из-под кока-колы, наклеивая на них политические сообщения и возвращая их в систему таким образом.

Советский Союз

В Советском Союзе искусствовед Борис Гройс назвал группу российских художников, работавших в 1970-е годы, «московскими концептуалистами».Они смешали советский социалистический реализм с американской поп-музыкой и западным концептуализмом.

Синди Шерман, Без названия № 359, 2000. Фото любезно предоставлено MoMA

Contemporary Conceptual Art

Концептуализм в современной практике часто называют современным концептуализмом. Современные концептуальные произведения часто используют междисциплинарные подходы и участие аудитории, а также критикуют институты, политические системы и структуры, а также иерархии. Художники, которые явно используют различные техники и стратегии, связанные с концептуальным искусством, включают Дженни Хольцер и ее использование языка, Шерри Левин и ее фотографическую критику оригинальности, Синди Шерман и ее игру с идентичностью, а также использование текста и фотографии Барбары Крюгер.

Когда мы исследовали сложную и обширную историю и настоящее концептуального искусства, на ум приходят несколько вещей. Одна из его самых сильных сторон заключалась в том, чтобы взять на себя ответственность по-настоящему исследовать природу искусства и институтов. Иногда это было искусство сопротивления господствующему порядку. В других случаях это было циничное зеркало мира искусства или глубоко философское начинание. Многие художники презирали, когда их помещают в коробку с концептуальным искусством, как и в любую коробку.Тем не менее, мы попытались провести определенные границы между различными художниками, событиями и системами мышления, которые некоторое время вращались по одной и той же орбите и которые можно лучше понять под эгидой концептуализма.


Концептуальное искусство FAQ


Что означает концептуальное в искусстве?

Когда художник использует концептуальную форму искусства, это означает, что все планирование и аранжировки делаются заранее, а исполнение — более поверхностный процесс.В концептуальном искусстве процесс, стоящий за работой, более важен, чем готовое произведение искусства.


Каковы характеристики концептуального искусства?

Концептуальное искусство в основном сосредоточено на «идеях и целях», а не на «произведениях искусства» (картины, скульптуры и другие ценные предметы). Он характеризуется использованием различных носителей и опор, а также разнообразных временных повседневных материалов и «готовых предметов».


Кто отец концептуального искусства?

Марсель Дюшан часто известен как родоначальник концептуального искусства.Он наиболее известен своими готовыми работами, такими как Fountain , знаменитый писсуар, который он назвал искусством в 1917 году и который считается первым концептуальным произведением искусства в истории искусства.


Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?


Соответствующие источника, чтобы узнать больше

Узнайте больше о концептуализме до, во время и после Концептуальное искусство Терри Смит
Узнайте больше о термине «искусство» на: Tate Publishing

Что такое дадаизм, дада-искусство или дадаизм ?

Статьи и особенности

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917 г.

Направление искусства: дадаизм

Во время Первой мировой войны бесчисленное количество художников, писателей и интеллектуалов, выступавших против войны, искали убежища в Швейцарии. Цюрих, в частности, был центром для людей в изгнании, и именно здесь Хьюго Болл и Эмми Хеммингс открыли 5 февраля 1916 года Кабаре Вольтер. Кабаре было местом встречи для более радикальных художников-авангардистов. Это нечто среднее между ночным клубом и центром искусств, художники могли выставлять здесь свои работы среди ультрасовременной поэзии, музыки и танцев.Ханс (Жан) Арп, Тристан Цара, Марсель Янко и Ричард Хюльзенбек были среди первых авторов Кабаре Вольтер. По мере того как бушевала война, их искусство и выступления становились все более экспериментальными, диссидентскими и анархичными. Вместе они протестовали против бессмысленности и ужасов войны под боевым кличем DADA.


Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?


Что такое дадаизм, дадаизм или дадаизм?

Как словом, это нонсенс.Однако как движение искусство дада оказалось одним из революционных движений начала двадцатого века. Первоначально задуманный группой авангардных модернистов в прелюдии к Первой мировой войне, но более полно принятый после нее, дадаизм воспевал удачу вместо логики и иррациональности вместо расчетливого намерения.

Ключевые даты: 1916-1924
Ключевые регионы: Швейцария, Париж, Нью-Йорк
Ключевые слова: Случайность, удача, ерунда, анти-искусство, readymade
Ключевые художники: Хьюго Болл, Марсель Дюшан, Ханс (Жан) Арп, Ханна Хёх, Ман Рэй, Франсуа Пикабиа
Ключевые характеристики: Юмористический, склонный к абсурду, сатирический подход к власти

Происхождение дадаизма

Центральная предпосылка движения искусства Дада (Дада — это разговорный французский термин для лошади-любителя) был ответом на современную эпоху.Реагируя на рост капиталистической культуры, войну и сопутствующую деградацию искусства, художники в начале 1910-х годов начали исследовать новое искусство или «антиискусство», как описал Марсель Дюшан. Они хотели обдумать определение искусства, и для этого они экспериментировали с законами случая и с найденным объектом. Это была форма искусства, основанная на юморе и умных поворотах, но в самом ее основании дадаисты задавали очень серьезный вопрос о роли искусства в современную эпоху.Этот вопрос стал еще более актуальным по мере распространения искусства дада — к 1915 году его идеалы были приняты художниками в Нью-Йорке, Париже и за его пределами — и когда мир погрузился в зверства Первой мировой войны

Жан Арп, Созвездие с пятью белыми формами и двумя черными, вариация III, 1932 год, любезно предоставлено Гуггенхаймом

Пришествие готовых форм

Одной из самых знаковых форм, появившихся среди этого расцвета дадаистского самовыражения, была готовая скульптурная форма, усовершенствованная Марселем. Дюшан.Это были работы, в которых Дюшан перепрофилировал найденные или фабричные объекты в инсталляции. В «Advance a Broken Arm» (1964), например, описывалось подвешивание лопаты для снега к опоре на галерее; Fountain (1917), возможно, самый узнаваемый из готовых изделий Дюшана, включал в себя серийный керамический писсуар. Вынимая эти объекты из предназначенного для них функционального пространства и возводя их на уровень «искусства», Дюшан подшучивал над художественным истеблишментом, а также просил зрителя серьезно задуматься о том, как мы ценим искусство.

Различные способы дадаизма

Как показывают реди-мейды Дюшана, дадаисты и движение дадаистов не уклонялись от экспериментов с новыми медиа. Жан Арп, например, исследовал искусство коллажа и потенциал случайности при его создании. Ман Рэй также играл с искусством фотографии и аэрографии как с практиками, которые отделяли руки художника и, таким образом, предполагали сотрудничество с шансом. Помимо этих художественных средств массовой информации, дадаисты также исследовали литературное и исполнительское искусство.Например, Хьюго Болл, автор объединяющего манифеста Дадаизма 1916 г., исследовал освобождение письменного слова. Освобождая текст от обычных ограничений публикуемой страницы, Болл играл с силой бессмысленных слогов, представленных как новая форма поэзии. Эти дадаистские стихи часто превращались в перформансы, что позволяло этой сети художников легко перемещаться между медиа.

Hugo Ball, Cabaret Voltaire, 1916

Примеры

знаменитых произведений дадаизма

Это движение принесло много известных произведений искусства.Вот несколько избранных примеров произведений дадаизма:

  1. Фонтан Марселя Дюшана (1917)
  2. Велосипедное колесо Марселя Дюшана (1913)
  3. Скрипка Энгра Ман Рэя (1924)
  4. Звуковая поэма Хьюго Болла Караване (1916)
  5. Механическая голова Хаусмана (Дух нашего времени) (1920)

1. Фонтан Марселя Дюшана (1917)

В 1917 году Марсель Дюшан представил писсуар в Общество независимых художников.Общество отказалось от Fountain , потому что считало, что это не может считаться произведением искусства. Фонтан Дюшана поднял бесчисленное количество важных вопросов о том, что делает искусство искусством и считается главной достопримечательностью искусства XX века.

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917 г.

2. Велосипедное колесо Марселя Дюшана (1913)

«В 1913 году у меня возникла счастливая идея прикрепить велосипедное колесо к кухонному табурету и посмотреть, как оно вращается», — сказал Марсель Дюшан о своей знаменитой работе Велосипедное колесо . Велосипедное колесо — первый из готовых объектов Дюшана. Readymades были отдельными объектами, которые Дюшан перепозиционировал или подписывал и называл искусством. Он назвал Bicycle Wheel «ассистируемым редимейдом», созданным путем объединения более чем одного утилитарного предмета в произведение искусства.

Марсель Дюшан, Велосипедное колесо, 1913

3. Скрипка Энгра Мана Рэя (1924)

Рисуя f -отверстия струнного инструмента на фотопринте его обнаженной модели Кики де Монпарнас и фотографируя его Ман Рэй изменил то, что изначально было классическим обнаженным телом.Женское тело теперь превратилось в музыкальный инструмент. Он также добавил название Le Violon d’Ingres , французское идиома, означающая «хобби».

Ман Рэй, Скрипка Энгра, 1924

4. Звуковая поэма Хьюго Болла Караван (1916)

Основатель кабаре Вольтер и автор первого дадаистского манифеста в 1916 году, большая часть работ Болла была в жанре звука поэзия. В 1916 году, в том же году, когда был опубликован первый дадаистский манифест, Болл исполнил звуковое стихотворение Karawane .Начальные строки были:

«jolifanto bambla o falli bambla
großiga m’pfa habla horem»

Остальная часть стихотворения во многом повторяет те же строки. Хотя стихотворение можно было спутать со случайным, безумным бредом, саунд-поэзия действительно была глубоко изученным методом в экспериментальной литературе. Идея заключалась в том, чтобы вывести на передний план звуки человеческой вокализации, убрав все остальное.

Хьюго Болл, Караване, 1916

5. Механическая голова Рауля Хаусмана (Дух нашего времени) (1920)

Рауль Хаусманн был поэтом, коллажистом и художником-перформансом, наиболее известным своей скульптурой под названием Механическая голова (Дух нашего времени) .Голова манекена, сделанная из цельного деревянного бруска, является противоположностью утверждения Гегеля о том, что «все есть разум». Для Хаусманна человек пустоголовый, «у него не больше возможностей, чем те, которые случайность приклеила к внешней стороне его черепа». Поднимая эти темы, Хаусманн хотел создать образ, который разрушит господствующие западные представления о голове как о вместилище разума.

Рауль Хаусманн, «Механическая голова» (Дух нашего времени), 1920

Принятие, падение и распространение дадаистских идеалов

Смелые новые подходы дадаистов вызвали споры в современной культуре.Их быстрый разрыв с традициями, их страстное стремление к новому способу самовыражения и их готовность вернуть почитаемый мир «изобразительного искусства» на более высокий уровень и равноправное игровое поле с помощью юмора и пытливого исследования позволили художникам Дада привлечь и фанаты и враги их творчества. Некоторые видели в дадаистском самовыражении следующий шаг вперед в авангардном марше; другие упускали из виду значение и вместо этого видели в произведениях, таких как реди-мейды Дюшана, не искусство, а просто составляющие их объекты (что привело к тому, что некоторые оригиналы были отправлены на свалку).

Дадаизм охватил публику в 1920-е годы, но движение в целом было обречено на распад. Некоторые, как Ман Рэй, обнаружили, что их склонности переходят в подсознательную сферу сюрреализма; другие сочли давление на современного европейского художника слишком тяжелым, чтобы его выдержать. Приход к власти Адольфа Гитлера в 1930-х годах нанес мощный удар по миру современного искусства, поскольку маниакальный деспот стремился искоренить корни современного искусства, область, которую он считал «дегенеративной». В результате художники Дада стали свидетелями того, как их работы высмеивали или уничтожали, и поэтому предпочли сбежать из душного воздуха Европы в более свободный художественный климат Соединенных Штатов и за их пределами.

Хотя многие из этих первоначальных членов разошлись, идеалы дадаизма остались живы и процветают среди современных художников. Во многих отношениях можно увидеть возрождение нити дадаизма, например, в эпоху поп-арта, когда перепрофилированные мотивы и культурные комментарии, появляющиеся из студий таких художников, как Энди Уорхол, перекликались с намеком на дадаистские интриги. Именно во второй половине двадцатого века момент дадаизма был полностью осознан. В дополнение к двум крупным международным ретроспективам, анализирующим творчество дадаистов (одна в 1967 году в Париже, а другая в 2006 году на различных международных площадках), было уделено больше внимания пониманию и сохранению их наследия.

Hannah Höch, Da-Dandy, 1919

Коллекционирование произведений дадаизма

Работы дадаистов, хотя и имеют универсальную привлекательность, могут оказаться сложной задачей для коллекционирования. Помимо вопросов аутентичности, трудно составить график или спрогнозировать цены, которых могут достичь такие работы, — проблема связана с огромным разнообразием средств массовой информации. При этом можно отметить постоянство, с которым работы дадаистов на аукционах превзошли ожидания. Знаменитая распродажа Nu sur nu Марселя Дюшана (1910-1911) более чем за 1 доллар.4 миллиона долларов в июне 2016 года увеличили предполагаемую цену продажи в два раза с 555 000 до 775 000 долларов. Модель Ventilateur (1928) Франсуа Пикабиа была продана на Sotheby’s в феврале 2016 года за более чем 3,1 миллиона долларов, что соответствует верхней границе прогнозируемого диапазона продаж. Эта тенденция, по-видимому, предполагает, что интерес к художественному выражению Дада и движению Дада все еще жив и здоров, и коллекционеры осведомлены о выгодных сделках, которые могут появиться на аукционах.

FAQ
Что такое дадаизм?

Дадаизм — это художественное направление начала 20 века, предшествовавшее сюрреализму и уходящее корнями в ряд крупных европейских столиц искусства.Возникшее в ответ на ужасы Первой мировой войны, движение дадаистов отвергало разум, рациональность и порядок зарождающегося капиталистического общества, вместо этого отдавая предпочтение хаосу, бессмыслице и антибуржуазным настроениям.


Кто основные художники-дадаисты?

Самыми известными художниками Дада являются Марсель Дюшан, Фрэнсис Пикабиа и Ман Рэй в Париже, Джордж Гросс, Отто Дикс, Джон Хартфилд, Ханна Хёх, Макс Эрнст и Курт Швиттерс в Германии, а также Тристан Цара, Ричард Хюльзенбек, Марсель Янко. и Жан Арп в Цюрихе.


Где зародился дадаизм?

Есть некоторые разногласия относительно того, где был основан Дадаизм. Многие считают, что это движение впервые появилось в Cabaret Voltaire, авангардном ночном клубе в Цюрихе, другие утверждают, что оно имеет румынское происхождение. Ясно то, что во время Первой мировой войны, особенно в 1916 году, возникла общеевропейская чувствительность, и что явных приверженцев основных тем можно выделить в Цюрихе, Берлине, Париже, Ганновере, Кельне, Нидерландах и даже в Нью-Йорке. .


Каковы основные характеристики дадаизма?

Дадаизм часто характеризуется юмором и прихотью, склонной к абсурду. Такое доброе отношение использовалось в качестве сатирической критики преобладающих социальных и политических систем, которым в значительной степени приписывали натиск Первой мировой войны.


Что означает дадаизм?

Название «Дада» произошло от вздора и иррациональности. На некоторых языках это означало «да, да» как пародия на бессмысленное подчинение населения властям, тогда как на других оно имело совершенно другие значения и коннотации.Название приписывают Ричарду Хуэльзенбеку и Хьюго Боллу, хотя Тристан Цара также заявлял о своем авторстве — идея заключалась в том, что оно могло иметь несколько бессмысленных значений.


Как дадаизм — реакция на Первую мировую?

Дадаизм был движением с явно политическим подтекстом — реакцией на бессмысленную резню в окопах Первой мировой войны. По сути, он объявил войну войне, противопоставив абсурдности погружения истеблишмента в хаос своей собственной чепухой.

Заинтересованы в других направлениях и стилях искусства, кроме дадаизма? Прочтите нашу статью о 25 лучших художественных движениях и стилях.


Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?


Подробнее

Почему классические и современные картины выглядят так по-разному

Фотографии предоставлены Художественной библиотекой Бриджмена

В ноябре Джон Э. Бьюкенен-младший, исполнительный директор Художественного музея Портленда (Орегон), пригласил Роберта Гэмблин прочтет публичную лекцию о том, ПОЧЕМУ классические картины отличаются от картин импрессионистов.Это текст его лекции и иллюстрации, которые подчеркивают замечательную группу картин французского барокко, представленных на выставке «Триумф французской живописи» в Портлендском художественном музее осенью 2003 года.

Почему классическая и современная живопись выглядят по-разному ?

Чтобы ответить на этот вопрос, я хотел бы обсудить с вами

  • разницу между непрямыми и прямыми методами рисования
  • эволюция цветов художников
  • роль художника как создателя нашей культурная память

Клод Лоррен и Клод Моне предлагают хорошие примеры двух основных стилей живописи: непрямого и прямого рисования.

Структура картины: прямая и непрямая

Классический подход к рисованию называется косвенным, потому что то, что вы видите, представляет собой сочетание трех или более слоев картины. Зритель видит все три слоя одновременно в разных частях картины. Художник тщательно планирует наслоение для создания определенных визуальных эффектов.

Посмотрите на диаграмму, которую я нарисовал, чтобы понять ее смысл. Здесь мы смотрим на картину сбоку.

  • Холст внизу
  • Белая земля наверху холста
  • Фактические слои краски на земле.

Первый слой, называемый имприматурой, накладывается на изображение, нанесенное на землю.

Тонкая «растирка» масляного цвета устанавливает средний тон картины. Часто художники используют темный прозрачный цвет, например жженую сиену, наносимую на белую землю, чтобы поверхность картины казалась мягко блестящей.

Если бы художник применил темный непрозрачный слой вместо прозрачного, темный цвет поглотил бы весь свет, поэтому картина будет выглядеть очень плоской.Вы можете видеть, что мой луч света проходит через этот слой до земли.

Следующий слой, который применяет художник, — непрозрачный. На этом слое он / она рисует большинство человеческих форм и другие элементы, чтобы создать историю и придать картине ее повествовательный характер. Некоторые художники, особенно Рембрандт, рисовали этот слой как слой импасто — слой, созданный толстым слоем масляной краски.

Третий слой может быть одним или несколькими слоями прозрачных глазурей. Слои глазури используются для

  • унификации цвета света
  • управления интенсивностью света
  • толкающих форм и элементов для создания ощущения трехмерного пространства.

Глазури добавляют объем благодаря своей прозрачности. Во времена Клода Лоррена художники создавали прозрачность, добавляя к своим краскам среды для рисования, чтобы раздвигать частицы пигментов. Сегодня художники могут использовать прозрачные пигменты для создания того же эффекта.

На схеме глазури красные.

Вы можете видеть, что световые лучи отражаются сразу от непрозрачного слоя, но проходят сквозь слой прозрачной глазури. Свет интересным образом взаимодействует с глазурью.ОНО СВЕТИТ ИХ СЗАДИ.

Свет распространяется внутри поверхности картины. Затем свет окрашивается глазурью, возвращаясь в глаз. Применение большого количества глазури делает картины темнее, потому что очень много света задерживается внутри красочной пленки. Вы можете видеть, что на этой диаграмме есть четыре световых луча, которые показывают четыре способа взаимодействия света с поверхностью. Рембрандт — мастер непрямого наслоения цвета.

Вы можете видеть

  • имприматура на заднем плане
  • непрозрачная окраска форм
  • остекление более или менее по всем формам, придавая формам объем.

Многослойная глазурь может усилить ощущение драматизма, как на этой картине Мастера свечей «Св. Себастьян, о котором заботится Ирэн »- драматизм повествования усиливается этой затемненной сценой, поэтому напряжение усиливается в темноте. Художник достигает этого эффекта, используя прозрачность, позволяющую свету проникать глубоко внутрь картины. Эффект свечения картины достигается за счет мягкого выхода света.
Сотни лет, вплоть до импрессионистов, художники создавали свои картины именно таким образом, используя примерно одну и ту же палитру цветов, рассказывая одни и те же истории.Их гений определялся уникальными способами преобразования художественных материалов в рассказы, рассказывающие нам наши истории.

Прямая живопись

Импрессионисты первыми применили прямую живопись.

Большинство цветов старых мастеров были прозрачными, большинство цветов импрессионистов были непрозрачными. Смотрите схему, прозрачных слоев нет.

Вот деталь непрозрачной поверхности с сильно нанесенными слоями краски Impasto.Все лучи света отражаются от поверхности. Ни один свет не проникает в слои. Свет, который вы видите, цвет, который вы видите, исходит прямо от поверхности. Художник может нанести еще несколько слоев, но все предыдущие работы скрыты. Возможно, на поверхности видна только текстура нижних слоев.

Вот несколько примеров прямой живописи:

Это картина Моне на пляже. Если бы вы могли видеть это повнимательнее, на поверхности прилипло много песка.

Сравните это произведение Моне с произведением Шале «Богородица с младенцем в тюрьме». Я думаю, разница в том, как свет взаимодействует с поверхностью, очевидна. Его принимают и возвращают только часть. Другой отражает свет со всей поверхности.

Импрессионисты перенесли в пейзаж свои яркие непрозрачные краски. Эта структура прямого рисования — единственная, которая хорошо подходит для создания наружного света, потому что мир природы характеризуется светом, заливающим пейзаж.Чтобы создать картину, создающую это ощущение заливающего света, художник должен убедиться, что много света отражается прямо на зрителя.

Они делают это, используя непрозрачные цвета с яркостью, которые отражают свет сразу от поверхности, не позволяя свету проникать в структуру и поглощаться пленкой краски. Таким образом достигается ощущение яркости от фактической яркости.

Моя личная работа направлена ​​на достижение тех же целей. Вот несколько примеров. Большинство из них было написано здесь, в долине Уилламетт.

Доступная палитра цветов

Теперь давайте посмотрим на цвета, которые сформировали их палитры. Художник-классик использовал совсем другую цветовую гамму, чем импрессионисты.

Художники создают картины не менее 30 000 лет. По сути, в истории пигментации всего три периода.

Первый период начинается 30 000 лет назад и достигает 1700 г. в начале промышленной революции. Этот период истории искусства характеризуется использованием пигментов, которые в основном были найдены в земле: пигменты из земли, такие как сиена, умбра, красное железо, или цвета камней: ляпис, малахит, азурит или натуральные органические вещества, такие как ягоды, соки, сок насекомых, сок растений.

Большинство использованных цветов были земными. Но такой преуспевающий художник, как Ван Эйк, который жил в торговом центре, таком как Брюгге, имел доступ к более ярким материалам.

Затем промышленная революция с 1700 по 1900 год дала полную палитру цветов, которые были получены путем сплавления металлов вместе при высокой температуре для создания смешанных оксидов металлов из кобальта, марганца, железа, кадмия, свинца и других.

Все картины на выставке «Триумф французской живописи» написаны красками первого периода; импрессионисты использовали краски второго периода.

Для тех из вас, кому интересно, третьим периодом был 20-й век, который дал нам полную палитру современных органических цветов: например, хинакридон, фтало, нафтол. Слева представлена ​​цветовая диаграмма всех доступных сегодня цветов.

Здесь цвета земли первого периода, цвета промышленной революции. Здесь присутствуют современные органические цвета 20 века.

А вот и картины моего учителя Вольфа Кана, который пишет пейзаж, но использует много красок 20 века.

Это был краткий обзор истории пигментов, теперь давайте остановимся на этом подробнее.

Ниже приведены две картины, на которых изображены палитры художников. Интересно, что они имеют практически одинаковые цвета на палитре.

Белый, несколько землистых цветов и красный. Ни синего, ни зеленого, ни фиолетового, ни синего, ни зеленого, ни фиолетового на картинах.

Итак, вот группа цветов, распространенных с классического периода: охра, умбра, сиена, терре верте, черная слоновая кость, свинцово-белый, смальта, вердигр, киноварь, розовая марена.Сравните их с цветами на палитре этой картины, и вы увидите большинство тех же цветов. Но я хочу, чтобы вы заметили, что здесь много приглушенных цветов и мало ярких цветов.

Вот еще одно из представлений, чтобы еще раз проиллюстрировать их использование цвета: повествование представлено в значении с использованием приглушенных цветов; яркие цвета, используемые для драматического эффекта.

Импрессионистам повезло, что цвета, необходимые для создания света естественного мира, и их желание сделать это возникли одновременно.До середины 19 века пигменты были недоступны для импрессионистов. У них было бы свое художественное видение, но не было бы инструментов для воплощения своих идей в жизнь. К 1860–1875 годам для промышленности был разработан полный спектр непрозрачных, светостойких цветов, которые начали использовать художники. Это интересный переход. На первом этапе истории пигмента художники или их ученики изготавливали большую часть материалов в студии. Пигменты покупались в аптеке, а краску превращали в мастерскую.К середине 19 века промышленность создала новые пигменты в больших количествах, которые впервые были использованы для промышленного использования. И эти пигменты также делались небольшими производителями в художественные краски. Это исток нашего вида бизнеса.

Обратите внимание на набор образцов базовой палитры импрессионистов. Имеется достаточно чистых цветов, поэтому я могу теперь сделать цветовое колесо из цветов с регулярными шагами вокруг этого цветового круга. Все цвета насыщенные, за исключением желтой охры.Импрессионисты отказались от всех землистых цветов, кроме желтой охры. Его оставили, потому что он был слишком ценным. Это был цвет дороги, пляжа или деревенских стен.

Ценность этой палитры — наличие чистых цветов на регулярных шагах по цветовому кругу, чтобы художники могли получить доступ к большому количеству цветового пространства. И это то, что требуется для рисования всех возможных ситуаций освещения. Дополнительным преимуществом этих ярких минеральных красок является то, что они теряют интенсивность своего цвета при смешивании с другими цветами.Минеральные цвета легко переходят в цвета естественного мира. Свет мира имеет как приглушенный, так и насыщенный цвет.

Как показано на этой картине Моне, поле маков, интенсивные маки, приглушенные травы, прекрасное воссоздание света позднего лета.

Использование цвета, драма против науки, против физиологии

Следующее различие, которое следует учитывать, — КАК художники использовали свои цвета.

Повествование в классической живописи изображается прежде всего в ценностях.Эффект обычно достигается при помощи приглушенных цветов. Посмотрите на этого Леонардо слева. Нет цветов, только приглушенные цвета. Тело святого Иоанна выкрашено в белый цвет, а все остальное — в земляные цвета. И это тело было залито прозрачными земными красками.

Земляные цвета были основной палитрой для большинства художников, которые затем прибегали к более ярким цветам, если они у них были, чтобы нести драматический эффект. Экстравагантное использование Ван Эйком очень дорогого киноваря демонстрирует статус и богатство этого предмета.Они думают, что это может быть автопортрет, который он написал для продвижения своего бизнеса портретной живописи.

«Поклонение волхвов» выглядит как сцена прямо из драматического спектакля. Персонажи в ярких одеждах несут в себе драматический элемент. Представьте, что все они раскрашены землистыми красками, драматичность сильно уменьшится. Светящийся красный цвет на спящей Венере усиливает зрение, я уверен, что художники того времени интуитивно знали то, что доказали современные ученые: взгляд на красный заставляет сердце биться немного быстрее.

Художник создал полупрозрачное свечение в определенных частях тел. Его получают путем тщательного смешивания и нанесения как прозрачных, так и непрозрачных цветов, чтобы свет немного проникал на поверхность, а затем возвращался обратно. Сочетание этой интенсивности с тенью усиливает эффект.

Еще одно использование цвета в классические времена было чисто хвастовством.

В «Святой Анне, ведущей деву в храм» (которая также присутствует в шоу), использование Ультрамаринового синего, кажется, является причиной написания картины.Ультрамарин синий из ляписа — самый дорогой пигмент из когда-либо созданных. Когда заказчик просил использовать синий ультрамарин в картине, в контракте указывалось, где он будет использоваться и сколько денег будет выделено для покупки пигмента. Мне эта работа кажется символом статуса.

Цвет также использовался символически. Пуссен одел Деву Марию в синее. Я не знаю, почему Джозеф в желтом цвете, за исключением, возможно, визуального эффекта, чтобы отвлечь ваш взгляд от лодки на фигуры в облаках.

С другой стороны, как я упомянул минуту назад, живопись импрессионистов использовала цвет для изображения всего спектра световых эффектов природного мира.

Я все время возвращаюсь к Моне, потому что его достижение поразительно. Когда мне было 20 и я был слишком крут, как может быть двадцатилетним, я любил импрессионизм, но мало думал о Моне. Поскольку массам больше всего нравился Моне, я подумал, что они, должно быть, ошибались. Но теперь, когда я стал намного менее крутым, чем был в 25, я трепещу перед его достижениями.

Интересным дополнением к истории его серии о тополях является то, что он начал их рисовать, а затем узнал, что деревья должны быть проданы с аукциона для вырубки. Моне пошел в одну из лесозаготовительных компаний, торгующих деревьями. Он спросил владельца, сколько он готов заплатить за деревья, а затем гарантировал, что заплатит ему столько, сколько ему придется заплатить сверх той суммы, которая была необходима для победы в торгах. Мужчина выиграл тендер, Моне заплатил дополнительную сумму, и он смог завершить свою серию до того, как они были сокращены.Но опять же, они иллюстрируют интерес импрессионистов к использованию цвета для исследования света мира во всех его вариациях.

Вот еще один эффект естественного света, Ренуар слева, Моне справа, оба рисуют летний свет пятнистым оттенком

Здесь снова Моне, рисующий бурный день на пляже и из его чудесного Лондона серия, рисующая Темзу, мосты, здания парламента и невероятный лондонский туман начала 1900-х

Намерение художников, роль искусства в жизни

Последняя тема, которую я хочу обсудить, это разница в намерение между художниками, работавшими в классической традиции, и современными художниками.Роль живописи в обществе кардинально изменилась с 17 века! Поэтому, чтобы оценить их работу, я думаю, мы должны понимать намерения художников и то, как они отвечали культурным требованиям своего времени. Большая часть классической живописи была заказана религиозными лидерами, чтобы рассказывать и пересказывать истории верующих. Или политика — живопись, посвященная историческим моментам, или придворная жизнь — как в этих двух работах из шоу.

Их покровителям нравились эти грандиозные жесты, отмечавшие их достижения и оставившие след в истории.Истории, рассказанные масляными картинами, выполненными с использованием установленных технологий и качественных материалов художников, могут жить сотни лет.

В то время живопись была высшей формой визуальной записи человеческого опыта. Единственная причина, по которой мы имеем представление о том, как выглядела жизнь, — это живопись. Но великий стиль — повествование было высшей формой визуального повествования.

Изображения греческих мифов о Меркурии и Герсе слева или религиозные истории, такие как история Юдифи из Библии, нет, это голова не ее мужа, а голова вражеского генерала.

Но я надеюсь, что вы видите, что многие классические картины объединяет то, что все они выглядят как кадры из драматической пьесы. Живопись была единственной визуальной средой, содержащей драму.

Прошло много времени с тех пор, как мы обратились к живописи как к нашему первоисточнику визуальной драмы или даже визуального повествования; мы идем на ТВ и в кино.

За последние 100 лет живопись была освобождена от обязанности создавать драматические произведения или записывать значимые события. Фотография освободила живопись от главной обязанности рассказывать нам, как выглядят вещи.Живопись могла бы умереть, если бы эти две важные части рынка были удалены, но как свидетельство первозданной силы живописи она эволюционировала, чтобы удовлетворить другие культурные потребности.

Импрессионисты создали эту новую роль для живописи.

Их работа была результатом удивительного слияния идей и материалов. Этот раздел разговора посвящен намерениям. Они намеревались привнести в искусство научный образ мышления. Вместо того, чтобы рисовать свет в студии, эти современные художники занялись изучением научных взглядов на мир.Они изобразили свет мира. Рассказывание историй и драма не были важными намерениями. Вот две картины Моне, изображающие Руанский собор, так как во многих сериях Моне он создал множество картин на каждый предмет, чтобы изучить влияние света в разное время дня и при разных погодных условиях.

Наряду с этим новым взглядом на мир импрессионисты дали нам новый элемент человечности как фокус для живописи. И это чистое ощущение, производимое цветом и светом, без повествования, которое направляет опыт.

Еще два Моне, демонстрирующие использование цвета для вызова эмоциональной реакции.

В качестве фона для заключительных замечаний я возвращаюсь к Клоду и Клоду.

Сейчас мы живем в мире искусства «постмодерна». В этом постмодернизме все стили или художественные средства, когда-либо изобретенные, можно увидеть на стенах сегодняшних художественных галерей. Но все же во всей живописи используется только одна из двух рассмотренных нами структур. Картины либо привлекают свет на поверхность, иногда больше, иногда меньше, либо заставляют его отражаться прямо от поверхности.Тем не менее, художники правят и, трансформируя художественные материалы, они оставляют нам визуальные записи нашей культуры, наших идей и наших эмоций. И лично я считаю, что мы богаче всем этим разнообразием.

Если у вас возникнут дополнительные вопросы о том, почему классические и современные картины выглядят так по-разному, свяжитесь с нами.

Роберт Гэмблин


Кредит: Здание парламента, 1903 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Бруклинский художественный музей, Нью-Йорк, США / Библиотека искусств Бриджмена

Кредит: Мужчина в тюрбане, 1433 г. (масло на дубе) — Эйк, Ян ван (ок.1390-1441)
© Национальная галерея, Лондон, Великобритания / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Еврейская невеста, около 1666 г. (холст, масло) Рембрандта Харменса. ван Рейн (1606-69)
© Рейксмузеум, Амстердам, Голландия / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Мост Ватерлоо, 1902 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Hamburger Kunsthalle, Гамбург, Германия / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Юдифь (холст, масло) Валентина де Булонь, (1594-1632)
© Musee des Augustins, Тулуза, Франция / Жиро / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Женщина с зонтиком повернулась к Слева, 1886 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Musee d’Orsay, Paris, France / Giraudon / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Gare St.Лазар, 1877 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Musee d’Orsay, Париж, Франция / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Фасад Руанского собора и Tour d’Albane (Утренний эффект) 1894 г. ( холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Музей изящных искусств, Бостон, Массачусетс, США / Коллекция Томпкинса / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Grainstack (Sunset) 1891 (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Музей изящных искусств, Бостон, Массачусетс, США / Коллекция Джулианы Чейни Эдвардс / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: St.Иоанн Креститель, 1513-16 (холст, масло), Винчи, Леонардо да (1452-1519)
© Лувр, Париж, Франция / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Бурное море в Этрета, 1883 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Musee des Beaux-Arts, Lyon, France / Giraudon / The Bridgeman Art Library

Кредит: Ecce Homo (холст, масло) Миньяра, Пьера (1612-95)
© Musee des Изящное искусство, Руан, Франция / Лорос / Жиро / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Св. Анна ведет Богородицу в храм, ок.1635-45 (холст, масло) Стелла, Жак (1596-1657)
© Musee des Beaux-Arts, Руан, Франция / Lauros / Giraudon / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Руанский собор в солнечном свете: гармония в синем и золото, 1894 г. Автор: Моне, Клод (1840-1926)
© Musee d’Orsay, Paris, France / Lauros / Giraudon / The Bridgeman Art Library

Предоставлено: Impression: Sunrise, Le Havre, 1872 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Musee Marmottan, Paris, France / Giraudon / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Парижское суждение, ок.1632-35 (масло на панели) Рубенс, Питер Поль (1577-1640)
© Национальная галерея, Лондон, Великобритания / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Пляж в Трувиле, 1870 (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Национальная галерея, Лондон, Великобритания / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Сюзанна и старейшины, Бланшар, Жак (1600-38)
© Agnew & Sons, Лондон, Великобритания / © Agnew’s, Лондон, Великобритания / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Шествие Людовика XIV (1638-1715) через Пон-Нёф (холст, масло) Мейлен, Адам Франс ван дер (1632-90)
© Musee de Grenoble, France / Peter Вилли / Художественная библиотека Бриджмена

Известные стили живописи мира

Способ, которым художники изображают сцены в искусстве, со временем изменился.За прошедшие годы на первый план вышли два доминирующих стиля — западный и восточный стиль искусства. Более глубокое понимание различных стилей живописи — это действительно увлекательное занятие, которое даст нам представление о бесчисленных проявлениях искусства во всем мире.

Начнем с западного стиля искусства.

Западный стиль живописи стал заметен в наши дни. Абстрактная живопись, модернизм, импрессионизм и некоторые менее известные формы искусства, такие как сюрреализм и фотореализм, составляют часть обширной западной формы искусства.

1. Модернизм:

Модернизм в искусстве считается искусством, созданным в период между 1860 и 1970 годами. Это радикальный образ мышления художников современности, без ограничений, установленных традиционным методом, сдерживающим их творческое выражение.

https://bit.ly/2IIWsx1

2. Импрессионизм:

Этот вид искусства зародился в Париже в конце 19 века. К особенностям импрессионизма можно отнести использование обычных и обычных предметов, тонких мазков кисти, необычных углов.

https://bit.ly/2IIWsx1

3. Абстрактное искусство:

Любое художественное выражение реальности, которое иллюстрировано, но не в ее истинной форме, может рассматриваться как абстрактная форма искусства. Это настоящий продукт радикальной мысли.

https://bit.ly/2IIWsx1

4. Экспрессионизм:

Абстрактный стиль искусства принимает множество форм, и «экспрессионизм» — одна из них. Перелив человеческих эмоций изображен с точки зрения художника.

https://bit.ly/2IIWsx1

5.Кубизм:

Поль Сезанн, известный художник однажды сказал: «Все в природе принимает форму цилиндра, конуса или сферы». Интересно, что позже это стало основой «кубизма». Это еще одно выражение абстрактного искусства, и геометрические формы составляют очень важную часть этого стиля.

https://bit.ly/2IIWsx1

6. Сюрреализм:

Сюрреализм — это движение, которое возникло в 20 веке во Франции. Этот вид искусства стремился высвободить творческий потенциал ума путем иррационального сопоставления образов.Культурное движение сюрреализма включает изобразительное искусство и письмо!

https://bit.ly/2IIWsx1

Далее идет восточный стиль формы искусства. На восточный стиль искусства повлияли многие культуры по всему миру, некоторые из которых значительно выросли. Давайте исследуем формы искусства, которые возникли из культур и традиций мира.

1. Китайский стиль:

Китайский стиль искусства считается одной из древнейших форм художественных традиций, которые также использовали каллиграфию как часть своей техники.Китайские художники использовали цветные чернила для рисования на бумаге и шелке. Они никогда не использовали масло для живописи.

https://bit.ly/2IIWsx1

2. Японский стиль живописи:

Японский стиль рисования только черными чернилами потрясающий! Японский стиль живописи черпает вдохновение в китайском, западном и восточном искусстве.

https://bit.ly/2IIWsx1

3. Индийский стиль:

Будучи страной с разнообразной культурой, здесь производятся разнообразные виды искусства, от миниатюрных картин эпохи Великих Моголов до классических картин Танджора.

Миниатюрные картины Моголов

Картины в миниатюре Великих Моголов обычно изображают образ жизни королей и принцев.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.