Современная обработка старых хитов: Идет проверка…

Современники перепели песни 80-х и 90-х, хуже можно, но некуда | Мы из 90-х

Коллаж автора

Коллаж автора

В последнее время все чаще по радио слышу перепетые песни 80-х и 90-х на новый лад. Не хочется быть как мои родители в детстве, которые регулярно осуждали современную музыку и вспоминали свое время, но, я считаю, все перепетые варианты – полный отстой.

От перепетого «Зеленоглазое такси» прям передергивает. Вот, уж IOWA и RSAC постарались, так постарались.

У Боярского глаз, наверное, дергается, когда он это слышит. Мне нравится песни Кати IOWA, но «Зеленоглазое» из ее уст не могу слышать.

Коллаж автора

Коллаж автора

Кстати, в свое время эту песню хотела петь Алла Пугачева и какое-то время даже обижалась на Боярского. А еще музыкальная редколлегия ЦТ отказала Боярскому спеть песню на фестивале «Песня-88», обозвав песню унылой и невыразительной, это они еще тогда песню в исполнении IOWA не слышали, вот где уныние.

В свое время эту композицию исполняли многие, и отечественные исполнители, и зарубежные. Есть англоязычный вариант, который принадлежит Ф.Р. Дэвиду. В его переработке композиция даже попадала в британские хит-парады.

Также песня звучала на немецком — «Du Taxi mit den Augen grün» в исполнении Александра Пушнова. И есть в мире ремикс австрийского электронного проекта «Global Deejays». Но для меня самая лучшая в исполнении Боярского.

Коллаж автора

Коллаж автора

В 90-х я никогда не была поклонницей «Отпетых мошенников», но некоторые их песни слушала и слушаю до сих пор. А в 2017 я услышала до боли знакомую песню в женском исполнении и даже не сразу поняла, что это «Люби меня, люби».

Видимо, в моде нудятина, потому что когда слушаешь Гречку (в миру Анастасия Иванова), хочется повеситься. А ведь в 1999 году это был хит, который звучал на всех дискотеках и занимал верхние строчки российских хит парадов.

Коллаж автора

Коллаж автора

Все помните хит Натальи Ветлицкой «‎Только не говори мне»? Обожала эту песню тогда. А недавно услышала современную версию в исполнении MASHA — Марии Качановой. Здесь, как говорится, на вкус и цвет. Мне понравилась новая аранжировка, наверно еще, потому что голоса певиц похожи.

Я могу послушать песню и в том, и в другом исполнении. Кстати, Качанова в начале своей карьеры перепела и «Сектор газа», здесь мне сложно судить, потому что группу не слушала и не слушаю, но в ее исполнении песня «Лирика» мне понравилась.

Легендарное «КИНО» и Виктор Цой исполнили свой хит «Кукушка» в 1990 году, после она войдет в его «Черный альбом». Я не поклонница Цоя, но некоторые его песни люблю.

Коллаж автора

Коллаж автора

«Кукушку» после него перепели Земфира и Полина Гагарина, считаю Цоя не перепеть, потому что это особый музыкальный дух. И здесь даже сравнивать нечего, потому что певицы из «Кукушки» сделали совсем другие песни. Кстати, в исполнении Гагариной больше всего НЕ нравится.

Также на святое творчество Цоя замахнулся и российский Курт Кобейн — рэпер Джизус. Он адаптировал под себя хит «КИНО» — «Группа крови». Джизус написал свои куплеты, а припев позаимствовал у Цоя, свою версию он исполнил еще в 2018 году.

«Группа крови» была написана Цоем в 1987 году. В итоге новую версию уже все позабыли. А Цой? А его творчество живо и сейчас. Делаем выводы, думаю, глупо перепевать легендарные хиты. По крайнее мере, точно, не тогда, когда живы те, кто еще помнит оригинал.

Коллаж автора

Коллаж автора

В 1999 году на эстраде появилась новая группа «t.A.T.u», с песней «Я сошла с ума», это, кстати, единственная песня которая мне нравится у группы.

А шокирующий клип с целующимися школьницами сразу же оказался на вершинах российских хит-парадов. Кстати, музыкальные критики нашли схожесть с песней «E.T.» Кэти Перри.

Продюсер девочек даже судился с Кэти Перри. А осенью 2020 Клава Кока из лейбла Black Star перепела девочек из «Тату» и сняла клип на песню.

Ее припев мелодичен и чем-то похож на оригинал, но куплееееты… Мне не понравился ремейк. Зато современная молодежь оценила песенку, и она, даже какое-то время пробыла на верхних строчках хит-парадов.

Коллаж автора

Коллаж автора

Еще один хит 1999 года от группы «Динамит» — «Я не забуду». Это не самая их кассовая песня, но на нее снят клип и любима она многими до сих пор.

А в конце 2020 года дуэт Мари Краймбрери и Max Box перепел эту песню. На мой взгляд получилось совсем тоскливо. Голоса ребят из «Динамита» звучат куда душевней и приятней для меня.

В целом, мне не нравятся перепетые версии современников, наверно это старость. А как Вам новое исполнение старых хитов?

Спасибо за Ваше внимание и комментарии. Подписывайтесь на канал — это поможет его развитию.

Обработки и транскрипции: как возрождается забытая музыка

Обработки и транскрипции: как возрождается забытая музыка

Транскрипция, обработка, ремикс и, наконец, кавер – что их отличает? Когда появились? И можно ли проследить глубокие традиции у этого теневого явления высокой музыки?

Для того, чтобы понять с чем мы имеем дело, нужно обратиться к простейшим формам бытования музыки – фольклору.

Можно подумать, что в прежние времена «каждый второй» был композитором. Отчасти, это действительно так, но сочинительство народного толка вряд ли можно назвать композиционной деятельностью в современном понимании. Это, скорее, комбинирование элементов, распространённых в определённой локации.

Иногда удачно скомбинированная песня вкупе с ярким текстом начинает переходить из уст в уста и входит в народный репертуар, однако неотъемлемая вариативность фольклора множит сущности оригинала так, что порой узнать его становится невозможно. В бывших империях ситуация усугубляется смешанностью многонационального населения, из-за чего даже народную принадлежность установить оказывается непросто.

Кто написал Полонез Огинского?

Можно предположить, что речь идёт о дремучих временах, когда музыкальной науки ещё не существовало, но нет: подобные путаницы происходили вплоть до XX века.

Например, когда мы говорим о песне «Валенки», каждый понимает о чём речь. И тут кроется сразу несколько сюрпризов.

Во-первых, настоящее название песни –  «Ах ты Коля, Николай». Во-вторых – это старинная таборная песня цыган, которую впервые исполнила русско-цыганская певица Нина Дулькевич в 1911 году, а затем, в 1913 году, цыганская певица Настя Полякова. Исполнение Поляковой насыщено характерной цыганской мелизматикой а текст – типичными признаками диалекта русских цыган.

«Ах ты Коля, Николай» в первом исполнении Нины Дулькевич:

«Ах ты Коля Николай» в исполнении Насти Поляковой:

Каноническое в нашем понимании исполнение «Валенок», принадлежит Людмиле Руслановой. Урождённая Прасковья Лейкина, по материнской линии – эрзянка. В годы Великой Отечественной войны она становится национальным символом, именно её версии песен приобрели статус «русских народных».

Можно заметить, что от цыганского оригинала в песней Руслановой остаётся немного: и текст, и мелодия сильно переработаны. Почему же мы называем цыганскую песню, перепетую эрзянкой – русской народной? Потому что её слава пришлась на военное время и была частью необходимой в такие периоды программы подъёма национального духа.

Нередко за фразой «так исторически сложилось» стоят конкретные события, а политика играет в жизни искусства гораздо большую роль, чем принято признавать.

«Валенки» в исполнении Людмилы Руслановой:

Если для народной музыки ситуация перепевок – естественна, то как обстоят дела с музыкой профессиональной? Примерно так же.

Пожалуй, самым крупным деятелем обработки мелодий можно считать Иоганна Себастьяна Баха. Он создал величайший корпус шедевров, в основе которых зачастую присутствуют мелодии протестантских хоралов.

Многие из этих хоралов принадлежат Мартину Лютеру, хотя были написаны им при помощи других композиторов.

Как известно, человек, фонтанирующий идеями, не всегда может самостоятельно осуществить задуманное. Помощником в деле создания корпуса протестантских хоралов явился кантор Иоганн Вальтер, вклад которого до последнего времени был сильно недооценён. В одной из последних монографий о Лютере автор воздаёт Вальтеру должное, называя его основоположником реформаторской музыки.

Самым популярным хоралом под условным авторством Лютера стал «Ein feste Burg ist unser Gott». Ставший «Боевым гимном реформации», он живёт долгой жизнью в произведениях Баха, Телемана, Мендельсона и многих других.

«Ein feste Burg», Мартин Лютер:

Бах использовал этот хорал в финале «Реформационной» кантаты (BWV 80) и в чуть менее популярной хоральной прелюдии (BWV 720).

Прелюдия выполнена в лучших традициях виртуозного стиля Букстехуде, мелодию в ней уловить непросто – композитор всё время перемещает её из одного голоса в другой.

Альберт Швейцер (знаменитый биограф Баха) предполагает, что композитор сочинил её специально для презентации-освящения отреставрированного органа в Мюльхаузене в 1709 году.

Хоральная прелюдия «Ein feste Burg» в исполнении Уолтера Крафта:

Одноимённая кантата появляется в 1715 году и, после множества переработок, исполняется в 1724 году на праздновании дня реформации.

«Реформационная» кантата (BWV 80) под управлением Майкла В. Мура:

Георг Филипп Телеман тоже не упустил возможность использовать легендарную мелодию и к юбилею реформации в 1830 году сочиняет торжественный мотет »Ein feste burg».

Георг Филипп Телеман, «Ein Feste Burg» в исполнении Rastatt vocal ensemble:

Неудивительно, что следующим композитором, обратившимся к этой мелодии, стал Мендельсон, впервые открывший Баха широкой общественности. Идя по стопам своего кумира, Мендельсон сочиняет «Реформационную симфонию» к 300-летнему юбилею реформации, однако, не привыкшие к полифонии музыканты, приняли её холодно, и запланированное исполнение сорвалось.

В 1832 году симфонию всё же удаётся исполнить, но теперь уже сам композитор считает её неудачной и не соглашается на издание произведения в нотах. Только после смерти композитора симфония была опубликована под номером пять.

Финал «Реформационной симфонии» Мендельсона под управлением Герберта фон Караяна:

Внушительную романтическую трактовку этого хорала предложил Макс Регер в своей органной фантазии (сочинение №27). Звучит это так же впечатляюще, как и выглядит – виртуозное произведение начинается на педальной клавиатуре.

Фантазия на тему хорала «Ein feste Burg» в исполнении Эрнста-Эриха Стендера:

За всё время существования хорала к нему обращались более двадцати композиторов, начиная с Агриколы и Преториуса и заканчивая нашими современниками, например, таким, как венгро-немецкий композитор Шольт Гардони.

В октябре прошлого года он представил миру свою рефлексию на многовековую историю хорала в произведении, скромно обозначенном как Токката «Ein feste Burg». Различить в этой трёхминутной композиции черты оригинала уже не так-то просто.

Токката «Ein feste Burg» Шольта Гардони в исполнении Уолтера Гатти:

Хотя использование мелодии и ставит композитора в определённый контекст, оно не задаёт ему слишком строгих композиционных рамок, в отличие от ситуации с полноценным академическим произведением, обработка или транскрипция которого – отдельное искусство. Такие транскрипции создавал Бах, и нередко они оказывались искуснее, чем оригинал.

Например, концерт для четырёх клавесинов с оркестром является переложением концерта Вивальди для четырёх скрипок:

Бах/Вивальди, концерт для четырёх клавесинов с оркестром (BWV 1065) в исполнении Марни Гисбрехт, Вэнди Маркоски, Йоахима Сеггера и Джереми Спёрджена, фестиваль Early music Alberta:

Вивальди, концерт для четырёх скрипок и оркестра (RV580) под управлением Николаса Краузе:

Кроме Вивальди такой чести удостоились Марчелло, Торелли, Телеман и Эрнст. Всего у Баха насчитывается не менее пятнадцати переложений концертов для клавира.

Хотя Бах был силён в транскрипциях, настоящим гигантом этого дела считается Ференц Лист – именно он доказал первенство рояля среди инструментов, когда умудрился поместить в его рамки целый оркестр.

В эпоху романтизма стало модно исполнять парафразы на темы популярных опер. Для домашнего музицирования издавались сборники с переложениями для фортепиано, писали их тоже в основном композиторы.

Этим ремеслом, в частности, зарабатывал молодой Берлиоз. Судьба отблагодарила композитора за многолетние труды на нелюбимом поприще, и в 1833 году его друг Ференц Лист пишет транскрипцию Фантастической симфонии, с которой начинается его пропагандистская деятельность по продвижению музыки своего друга и не только его.

Транскрипции и обработки – значительная часть творчества Листа. Он нередко использовал в своих произведениях народные мелодии, и не только своей родины – Венгрии, но и многих других стран; перекладывал произведения старинных мастеров и своих недооценённых современников.

Значительная часть его творчества была посвящена пропаганде высокого искусства, которую он реализовал благодаря своему особому дару перекладывать оркестровые произведения.

Первый успех на своей родине Лист заслужил переложением знаменитого революционного венгерского ракоци-марша, который позднее включит в 15-ю венгерскую рапсодию. Но и это ещё не конец: в XX веке рапсодии Листа, уже содержащие внутри себя обработки народных песен, подвергаются второй, не менее гениальной обработке русско-американским пианистом Владимиром Горовицем.

Лист/Горовиц, Венгерская рапсодия №15 «Ракоци-марш»:

Переложение оркестровых произведений для фортепиано стало распространённой практикой именно в эпоху романтизма, обратные ситуации случались значительно реже.

Таким выдающимся примером может служить оркестровая транскрипция «Картинок с выставки» Мусоргского, которую Морис Равель создал спустя почти пятьдесят лет, после выхода в свет самих «Картинок…».

Своим жестом Равель подтвердил значение творчества Мусоргского для музыки XX века.

Равель/Мусоргский, «Картинки с выставки» под управлением Дэвида Робертсона:

Другой же знаменитый французский композитор – Камиль Сен-Санс – использовал обработку как пародийный инструмент, включив мелодию канкана Оффенбаха в свою сюиту «Карнавал животных».

Пьеса «Черепаха», основанная на мелодии канкана, написана совершенно в противоположном ему темпераменте. Помимо прочего, в ней встречаются неожиданные расщеплённые терции, которые иллюстрируют черепашью неповоротливость.

«Черепаха» из сюиты «Карнавал животных» в исполнении ансамбля Московской консерватории:

XIX век дал высокий старт профессиональным транскрипциям и обработкам, а в XX веке взаимодополняющее творчество стало краеугольным камнем многих музыкальных направлений.

Так, вышедший из фольклорной среды джаз, в основе своей имеет фиксированный репертуар из «джазовых стандартов» – гармонизированных мелодий, исполняющихся чаще всего. Этот золотой фонд стандартов всё время пополняется теми мелодиями, которые заслуживают у музыкантов большего внимания.

Несмотря на то, что в последние десятилетия авторская музыка в джазовой среде стала более популярной, основой репертуара до сих пор являются джазовые стандарты. Одним из старейших стандартов является «St. Louis Blues», написанный Уильямом Кристофером Хэнди в 1914 году.

St. Louis Blues в исполнении Луи Армстронга и Эллы Фитцжеральд:

St Louis Blues в исполнении Натали Коул:

St Louis Blues из фильма «Подпольная империя»:

St Louis Blues: авторская аранжировка для скрипичного дуэта в исполнении Марка и Мэгги О’Коннор:

St Louis Blues в исполнении актрисы Анны Кендрик:

В популярной музыке правила немного другие, но и здесь можно заметить избранных долгожителей. Удивительная история связана с композицией «мрачное воскресенье», которую сочинил венгерский композитор Режё Шереш в 1933 году.

В тексте песни повествуется о несчастном влюблённом, который собирается покончить с собой чтобы воссоединиться с погибшей возлюбленной. Спустя некоторое время в Польше происходит волна самоубийств, и многие погибшие оказываются связаны с этой песней: кто-то держал в руках ноты, кто-то упоминал её в предсмертной записке, некоторые просили включить её на своих похоронах…

Правительство решило запретить исполнение «мрачного воскресенья» на территории Польши, но на этом её история только начинается.

Пикантная слава уносит её за океан и под кодовым названием «Венгерская песня самоубийц» она набирает новую популярность в США и других странах. В 1999 году на основе этой истории был снят фильм, а саму песню до сих пор нередко исполняют на телевизионных конкурсах талантов.

Оригинальная венгерская версия «gloomy sunday» из фильма «Мрачное воскресенье»:

«Gloomy sunday» в исполнении Билли Холидэй:

«Gloomy sunday» в исполнении Шинейд О’Коннор:

«Gloomy sunday» в исполнении Бьорк:

«Gloomy sunday» трип-хоп ремикс группы Portishead:

«Gloomy sunday» в исполнении семилетней Анжелины Джордан на конкурсе талантов:

Джазисты не так уж часто выходили за пределы своего стиля, однако в 1960-х началось движение в сторону симфо-джазовых транскрипций академической музыки.

Пианист Билл Эванс посвятил таким транскрипциям двойной альбом 1965 года, где исполнил джазовые аранжировки Баха, Скрябина, Форе, Гранадоса и Шопена.

Габриель Форе, «Павана» под управлением Пааво Ярви:

Клаус Огерман, аранжировка «Паваны» Габриеля Форе в исполнении трио Билла Эванса и симфонического оркестра:

Энрике Гранадос, «Маха и соловей» из оперы «Гойески», сопрано – София Михайлиду:

Клаус Огерман, аранжировка произведения «Маха и соловей» Энрике Гранадоса, исполняет трио Билла Эванса:

В следующие десятилетия многие пробуют делать авторские аранжировки академических произведений, но не всем это удаётся в равной степени хорошо. Во всяком случае, такие аранжировки никогда не превосходят оригинал, в отличие от обработок популярной музыки, что тоже иногда случалось в джазовой среде.

Пианист Брэд Мэлдау однажды создал своё видение песни «Paranoid android», которая изначально принадлежала группе Radiohead. Хотя Мэлдау в первую очередь популярен благодаря своим авторским композициям и киномузыке, «Paranoid android» так же считается его визитной карточкой.

Radiohead, «Paranoid android»:

Трио Брэда Мэлдоу, джазовая кавер-версия «Paranoid android»:

Однако превращение песни из популярной в джазовую и наоборот – не самое интересное, чему может быть подвержен музыкальный текст. Вслед за современными академическими композиторами, которые на протяжении XX века занимаются деконструкцией разных музыкальных элементов, популярные исполнители начинают деконструировать свои и чужие песни, часто получая на выходе более интересный продукт, чем первоначальный.

В философии деконструкция как новый вид понимания артикулируется постструктуралистами, такими, в частности, как Жак Деррида. Идеи постструктуралистов широко распространились в искусстве и были подхвачены передовыми исполнителями современной музыки.

Легендарный фри-джазовый саксофонист Джон Зорн строит на этом принципе значительную часть своего творчества и вдохновляет новое поколение музыкантов, таких как “Ансамбль средиземноморской деконструкции» на работу в этом же модусе.

Песня «Контакт» Сержа Гинсбура в исполнении Бриджит Бардо и в деконструктивистском исполнении Джона Зорна:

«Ayuha as-Saqi» в исполнении Фаиды Аль Хаи:

«Ayuha as-Saqi» в исполнении ансамбля средиземноморской деконструкции:

Гитарист Арто Линдсей в 2014 году записывает двойной альбом «Encyclopedia Of Arto», первая часть которого состоит из хитов Линдсея за прошлые года, а вторая – из неузнаваемых атональных деконструкций этих же песен.

«Encyclopedia Of Arte», Arto Lindsay:

Наверное самым богатым пластом современной музыки является электроника: в нём существует масса направлений от перенасыщеной танцевальной музыки до минимал-техно.

Наиболее интересны случаи, когда творчество известного и ангажированного персонажа подвергается деконструкции со стороны молодых и авангардных, как в случае с Ben Aqua и House Of Kenzo.

Ben Aqua, Reset yourself:

House Of Kenzo «Bonfires Of Urbanity» (Deconstructed by Ben Aqua):

Современные композиторы тоже нередко занимаются деконструкциями и редукциями чужого музыкального текста. Так, например, Кирилл Широков создал несколько редукций Гимнопедии Эрика Сати – от деконструкции их отличает отсутствие вектора на разрушение произведения и его контекста. Редукция в этом случае – только технический приём.

Эрик Сати, Гимнопедия №3, оркестровая версия, труба – Элисон Бэлсом:

Эрик Сати, Гимнопедия №3, фортепианная версия в исполнении Ронана О’Хора:

Кирилл Широков, Nothing is what it wants to be (after é. satie’s ‘trois gymnopédies’) в исполнении Лео Свирски:

На этом фоне так часто возникающие в медиа скандалы о плагиатах выглядят неуместно и старомодно. Можно предположить, что их основная функция на сегодняшний день – создавать инфоповод и привлекать внимание к исполнителям, рейтинги которых стремительно падают.

Так, например, скандал между группой Radiohead и Ланой Дэль Рэй связан с песней, гармоническая основа которой составляет одна последовательность из четырёх аккордов.

Слушатели находили похожими на хит Radiohead и другие песни, например «Midnight Train» Сэма Смита, «Любочку» группы «Маша и Медведи», а также изданной на 30 лет раньше «The Air That I Breathe» группы The Hollies. Впрочем, во всех этих песнях структура более сложная, чем в песне «Creep».

Radiohead, Creep:

Lana Del Rey, Get free:

Аранжировки, транскрипции, деконструкции и ремиксы – признак того, что произведение остаётся актуальным.  Музыкальный язык, так же как и тот, на котором мы говорим – гибкая структура. Но темы, на которые мы рассуждаем – вечны. Гениально запечатлённая мысль не нуждается в музеефикации, она обретает разные интерпретации в веках и становится по праву своего бытия вечным искусством.

Виктория Мирошниченко

музыкальные ремейки на песни 90-х

Каверы против оригиналов

Еще немного и в 2019 году тема 90-х будет чуть ли не моднее, чем в самих 90-х. Возвращение спортивных костюмов, высоких носков, жвачек Love is и, конечно же, заводных песен тех лет. Современные исполнители все чаще перепевают популярные песни 20-летней давности, ну а мы вспоминаем самые удачные и яркие каверы.

Гречка

В 1999 году «‎Отпетые мошенники» рвали танцполы и девичьи сердца хитом «‎Люби меня, люби». А в 2017 году молодая певица Гречка (в миру Анастасия Иванова) перепела их композицию, изменив куплеты на более актуальные — трек вошел в ее дебютный альбом «‎Звезды только ночью». 

Именно после этого альбома на Гречку обратили внимание не только посетители одного из питерских клубов, где она частенько выступала, но и солидные издания, а также крупные паблики в социальных сетях. Сейчас Анастасия популярная 19-летняя певица. Кстати, в 18 она отчислилась из колледжа, чтобы полностью посвятить себя музыке.

«‎Пошлая Молли»

В 2017 году новые кумиры современных подростков во главе с Кириллом Бледным выпустили свой дебютный альбом «‎8 способов бросить.

.», который тут же стал гиперпопулярным в соцсетях. Но, к удивлению самих музыкантов, больше всего поклонникам понравился кавер на песню группы Reflex «‎Нон-стоп», с полностью измененной аранжировкой и куплетами, переставленными местами.

Кстати, музыканты из «‎Пошлой Молли» стали популярны еще в 2016 году после первого же трека, с говорящим названием «Любимая песня твоей сестры». Сейчас у группы уже три альбома, ребята успешно гастролируют по всему постсоветскому пространству. И еще, в 2018 году у них на разогреве выступала та самая Гречка.

MASHA

В 2016 году Мария Качанова, более известная как певица MASHA, буквально взорвала российские хит-парады новой версией песни «‎Лирика», которую в далеком 1993 году исполняла группа «‎Сектор Газа». 

На этом Мария не закончила свою кавер-карьеру и вскоре перепела композицию Натальи Ветлицкой «‎Только не говори мне», обожаемую поклонниками в 1994 году. Оба хита MASHA смогла исполнить по-новому, добавив драйва и изюминки, благодаря своему необычному тембру голоса.  

Полина Гагарина

В 2015 году Гагарина решилась перепеть песню российской рок-легенды, Виктора Цоя, и.. не прогадала. Композиция «‎Кукушка» впервые была исполнена в 1990 году, но Полина смогла дать ей новое звучание, мгновенно заняв верхушки всех российских музыкальных чартов.

Кстати, в 2000 году «‎Кукушку» пробовала перепеть и Земфира, но ее версия не прижилась среди поклонников. Что до Полины Гагариной, то во многом благодаря этому каверу она стала суперпопулярной певицей, а ее карьера резко пошла в гору.

Современная британская музыка играет с прошлым

С 2000 по 2009 год в британской популярной музыкальной культуре не возникло ни одного нового жанра, музыка полностью замкнулась на себе, утверждает музыкальный критик Саймон Рейнольдс. О музыкальной «ретромании» в рамках проекта «Университет, открытый городу: Лекции молодых ученых Вышки в Культурном центре ЗИЛ» рассказала преподаватель гуманитарного факультатива ИГИТИ НИУ ВШЭ «Let’s Rock: проблемы исследования британской популярной музыки» Александра Колесник.

Кто изучает популярную музыку?

В настоящее время можно выделить три основных направления в изучении популярной музыки. Первое — социология музыки. Это направление берет свое начало в 40 – 50-х годах XX века и базируется, главным образом, на работах немецкого философа, социолога, композитора и теоретика музыки Теодора Адорно. Социологи изучают коммуникативную, социальную природу музыки, иными словами, то, каким образом популярная музыка воспринимается различными социальными группами и как она «встроена» в разные социальные процессы (идентификации, различения, т.д.).

Второе направление — новое музыковедение, оно сложилось к концу 80-х – началу 90-х годов XX века после продолжительных дискуссий о том, можно ли вообще изучать популярную музыку и насколько это академично. Долгое время среди социологов, историков и музыковедов бытовало мнение, что популярная музыка — часть «низкой» культуры, которая не достойна внимания исследователей. Новые музыковеды выступили с призывом обратиться к изучению популярной музыки и постарались адаптировать критический язык академического музыковедения к анализу популярной музыки.

Они сосредоточили свое внимание на изучении непосредственно музыкальной формы популярной музыки: — ритма, полифонии, аранжировок, тембра голоса вокалистов, звучания музыкальных инструментов и так далее, то есть того, как музыка непосредственно воспроизводится. Однако сам музыкальный материал рассматривается исследователями в тех культурных, социальных и политических контекстах, в которых он появился. Новые музыковеды начали организовывать конференции, на которых часами могли обсуждать, как, например, в разные годы менялись техники звукоизвлечения гитариста «The Beatles» Джорджа Харрисона, какие гитары он использовал, какие струны и так далее. Новые музыковеды транскрибируют популярные песни, что очень важно, так как сами музыканты зачастую не работают с партитурой и транскрипциями.

Ливерпульский университет мог открыть только один новый институт, и шли дискуссии о том, каким он должен быть: об исследовании футбола или популярной музыки 

И, наконец, третье направление — изучение популярной музыки в рамках культурных исследований (popular music studies).

Это направление сложилось к началу 90-х годов. Приверженцы этого направления рассматривают популярную музыку как некое сложно устроенное культурное явление, понять которое можно, изучив не только непосредственно воспроизводство (форму) популярной музыки, но и способы потребления ее обществом. Исследователи изучают и техники звукозаписи, и каналы дистрибуции, и непосредственно аудиторию той или иной группы. Формирование этого направления тесно связано с институциализацией популярной музыки. Первая Международная Ассоциация по изучению популярной музыки появилась в Великобритании в 1981 году. В том же году Ассоциацией был издан журнал «POPULAR MUSIC», который в настоящее время является одним из основных источников информации для всех, кто интересуется вопросами исследования популярной музыки. Следующий шаг — открытие в 1988 году на базе Ливерпульского университета Института популярной музыки. Само открытие института стало счастливой случайностью. На тот момент Ливерпульский университет мог открыть только один новый институт, и шли дискуссии о том, каким он должен быть: об исследовании футбола или популярной музыки. Однако ректор Ливерпульского университета был страстным поклонником группы «The Beatles», в результате выбор был сделан в пользу популярной музыки. Сегодня Институт является основным центром изучения популярной музыки в мире. Позднее подобные Институты были открыты в США, а недавно также в Австралии.

«Ретромания» в британской популярной музыке

В 2011 году в свет вышла книга британского музыкального критика Саймона Рейнольдса «Ретромания», в которой автор рассмотрел отношение музыкальной культуры к собственному прошлому. По мнению Рейнольдса, в период с 2000 по 2009 год в британской популярной музыкальной культуре не возникло ни одного нового жанра. Музыка 2000-х стала полностью ретроспективной и замкнулась сама на себе. Она не создает, а лишь воспроизводит различные музыкальные образцы прошлых лет: блюз 50-х, рок 60-х («британское вторжение), панк 70-х, new wave или heavy metal 80-х, брит-поп (британская популярная музыка) 90-х годов. В рамках такого явления, как ретромания музыкальные декады прошлого, пишет Рейнольдс, часто воспроизводятся хаотично.

Причину этого явления Саймон Рейнольдс видит, главным образом, в появлении новых медиа и цифровых технологий, которые существенно трансформировали человеческое восприятие культурного материала в целом и популярной музыки в частности. Как считает Рейнольдс, такой популярный ресурс, как УouTube сегодня выступает неким архивом музыкальных артефактов прошлого, доступ к которым может получить любой желающий. И если раньше музыканты, практикуясь, записывали кавер-версии, самостоятельно пытаясь воспроизвести и развить музыкальную идею материала, то сейчас эта практика полностью девальвируется, потому что музыкантам достаточно открыть УouTube, посмотреть как их любимые группы играли, к примеру, в 70-е, и скопировать. В этом отношении YouTube не оставляет места для творчества.

Для ретромании характерна игра с прошлым, когда это прошлое не идеализируется, а с юмором обыгрывается в настоящем

По словам Александры Колесник, ретромания — удачный термин, характеризующий современное состояние британской популярной музыки. Ну а для того, чтобы рассмотреть это явление более детально, лектор предложила слушателям разобрать несколько кейсов.

1 кейс. Группа «The Libertines»

Эта группа была сформирована в Лондоне в конце 90-х годов двумя друзьями Карлом Баратом и Питером Доэрти. Играть ребята начинали как любители, но очень быстро набрали популярность. Примечательно, что их продюсером стал гитарист популярной в 70-е годы панк-рок группы «The Clash» Мик Джонс. Группа выпустила два альбома — «Up the Bracket» (2002) и «The Libertines» (2004).

Изначально образ и имидж группы продумывался в русле retro rock revival movement. Запись альбомов проходила на RAK Studios, на которой в свое время писался Пол Маккартни и другие именитые музыканты прошлого. На своем первом альбоме музыканты полностью использовали аналоговую запись, отказавшись от цифровой обработки своих произведений. Таким образом, они добились камерного звучания, максимально приблизившись к звучанию британских рок-групп 60-х годов. Для полного сходства звучания Пит Доэрти играл (и продолжает играть) на гитарах, которые были изготовлены в 60-е годы. В своей музыке ребята стараются сделать как можно больше отсылок к прошлому, играя с разными музыкальными жанрами. В одном альбоме можно услышать и обращение к року 60-х, и к панк-року 70-х годов, и new wave 80-х. Тексты их песен также изобилуют отсылками к различным историческим сюжетам, литературным персонажам и традициям прошлого. Характерным для их творчества является и обращение к британской литературной традиции и поэтическим образам, например, «Аркадия» и «Альбион». Со своим внешним видом музыканта так же любили экспериментировать, наряжаясь то в костюмы викторианской Англии, то в стиле группы «The Beatles». Очень часто творчество группы сравнивают с ранними работами «The Beatles» и «The Clash», но в таком очень поэтичном, литературном образе. Фанатам группы нравится, что она звучит очень камерно и «сыро», что для 2000-х годов совсем не привычно.

Кейс 2.

Группа «The Strypes»

Эта молодая ирландская группа (возраст участников от 17 до 20 лет) сегодня одна из самых популярных в Великобритании. Перед тем, как создать свою группу, ребята не вылезали из YouTube, изучив все лучшие музыкальные образцы прошлого. Свой первый сингл, состоявших из четырех кавер-версий классических блюзовых хитов (включая кавер на знаменитую песню Bo Diddley «You Can’t Judge a Book by the Cover»), музыканты залили на ITunes. Через четыре дня сингл занял первую строчку в Itunes Singles. Позже кавер-версия на песню Бо Диддли заняла первое место на ирландском радио, после чего ребят заметили, а их музыкальным продюсером стал сам Элтон Джон. В 2013 году ребята выпустили первый альбом «Snapshot», занявший пятую строчку в британском музыкальном чарте. Сами музыканты объясняют причину своего обращения к ретро тем, что для них музыка прошлого — новая музыка, прошлое выглядит лучше, чем то настоящее, в котором они живут сейчас. Суть их первого альбома, как и второго — детальная стилизация, копирование блюза, рока 60-х годов, музыки, которая была популярна в прошлом, но в современном исполнении она получает свежее звучание.

По словам Александры Колесник, ориентация на музыкальное прошлое, безусловно, являлась и является основой формирования любой популярной группы, однако только с 2000-х годов стилистическая эклектика и заимствования становятся ядром формирования музыкального контента современных групп. В случае с «The Libertines»можно говорить о ретро как модели обращения с музыкальным прошлым, что явственно прослеживается в музыкальной составляющей группы: музыкальная основа полностью построена на стилистической эклектике и жанровой комбинации разных периодов истории популярной музыки. В этом отношении «The Libertines»оказались одними из флагманов явления ретромании. Это также стало, с одной стороны, способом реактуализации истории и прошлого и, безусловно, оказалось коммерчески очень успешным. С другой стороны, обращение с культурной традицией не носит характер стилизации и подражания и в определенной степени является скорее поиском альтернативных решений, что не позволяет говорить о «The Libertines» однозначно. В случае группы «The Strypes» мы видим уже тотальную ориентацию на музыку прошлого, когда в рамках одной песни или альбома происходит доскональное копирование и подражание предыдущим музыкальными эпохам. В целом же прошлое используется как архив материалов, которые затем подвергаются переработке и рекомбинации.

«Для ретромании, — отмечает Александра Колесник, — характерна игра с прошлым, когда это прошлое не идеализируется, а с юмором обыгрывается в настоящем. И групп, которые в своем творчестве обращаются к различным стилям и образам прошлого, сегодня масса в популярной британской музыке. Это тренд».

Каким ты был, таким ты и остался: почему «Старые песни о главном» не стареют

Когда в середине 2000-х на одном из федеральных каналов показали «Неголубой огонек», разницу с первоисточником заметили далеко не все: праздничный концерт мало чем отличался от традиционного новогоднего телешоу с артистами в искрящейся студии. Любимые песни, веселье, шампанское, гирлянда. Подлинный переворот, не оставивший от глянцевых «огоньков» камня на камне, случился на десять лет раньше — и тогда его заметили даже те, кто не имел телевизора. Премьера проекта «Старые песни о главном» оказалась куда громче, чем можно было ожидать, и стала для многих точкой отсчета: совсем скоро символы советской эпохи вернулись в страну, где еще вчера все прощались с Союзом.

«Песня не прощается с тобой»

Годы спустя беспрецедентный успех «Старых песен о главном» кажется закономерным и легко объяснимым. Еще проще найти мюзиклу двойника из прошлого, будто заново обжитого проектом специально для съемок. В 1970-х отдавать старинные номера молодым артистам пробовали в «Бенефисе» Евгения Гинзбурга, в 1980-х с программой послевоенных шлягеров по телевидению успешно выступала Людмила Гурченко. Сначала это были фронтовые песни, затем золотой фонд из кинофильмов и спектаклей.

Более того, скучать по уходящему советскому прошлому в его деревенских очертаниях накануне индустриализации авторы развлекательных программ стали задолго до распада самой большой сверхдержавы. И если во времена застоя эти номера напоминали случайную встречу со старым знакомым в духе «Эх, Андрюша« из «Веселых ребят», то в последние годы СССР — скорее проводы эпохи, как в кавер-версии советского гимна в «Оба-на!». Легко, без кома в горле и излишней патетики со слезами на глазах. 

Пройдет всего несколько лет, и предложенную Станиславом Говорухиным формулу «так жить нельзя» сменит вывод Эдуарда Лимонова «у нас была великая эпоха». Даром что и фильм, и повесть будут закончены примерно в одно время, когда до «крупнейшей геополитической катастрофы века» оставался год-другой.

«Колхозный праздник»

Идея «Старых песен» принадлежала телеведущим Леониду Парфенову и Константину Эрнсту. В 1993 году они готовили спецвыпуск программы «Портрет на фоне», посвященный Алле Пугачевой, и заметили, что публика на концертах неожиданно тепло принимает несвойственный певице репертуар — старые застольные песни и шлягеры из кино. Особенно их поразил успех «На тот большак, на перекресток« Клавдии Шульженко. Так авторы фильма пришли к идее специального шоу для Примадонны с полузабытыми песнями разных лет, а затем — к музыкальному фильму, в котором за советские типажи возьмутся современные популярные артисты.

На эту тему

«Мой теоретический вклад был такой, — вспоминал Парфенов. — Я приносил репродукцию картины Сергея Герасимова «Колхозный праздник», где были все нужные нам герои. Осталось подобрать каждому выходную арию. Скажем, «я в масштабах ваших недостаточно красив» — это пусть будет Олег Газманов. Вот две девки-сплетницы из сельпо — это «хорошие девчата, заветные подруги» Лариса Долина и Ирина Отиева. Солдат вернулся из армии, а девушка не дождалась — это будет Пресняков, и так далее». 

Задуманная лента обыгрывала музыкальную комедию «Кубанские казаки» и показывала будни и нравы послевоенной советской деревни. Роль председателя колхоза и «женщины трудной судьбы» отводилась самой Пугачевой. Однако невероятным творческим планам помешала банальная нехватка денег. «Пока Костя не стал начальником (Эрнст был назначен генеральным продюсером ОРТ в 1995 году — прим. автора), никаких шансов на осуществление проекта не было», — продолжал Парфенов.

Название «Старые песни о главном» отсылало к перестроечному хиту «Верю я» группы «Браво». «Он пропоет мне новую песню о главном», — пела Жанна Агузарова. По иронии судьбы в первой части проекта не оказалось ни песни «На тот большак», ни Аллы Пугачевой, ни «Браво», ни колхозного праздника. Впрочем, и того, что было, хватило, чтобы покорить аудиторию раз и навсегда.

Примиряющий голос

Новаторы Парфенов и Эрнст — сознательно или нет, не так важно — подобрали своей музыкальной ретроспективе наиболее удачную интонацию. После нескольких лет непрестанных разоблачений, осуждений и проклятий в адрес Советского Союза на фоне падающего уровня жизни примиряющий голос «Старых песен» оказывал терапевтический эффект или, во всяком случае, не усиливал чувство вины. В них не было ни нафталина, ни имперского пафоса, ни сведения счетов с родиной отцов, как не было, впрочем, и трезвого взгляда на устройство ушедшей в прошлое страны.

Новые аранжировки старых песен оставляли в выигрыше всех участников авантюры: молодые певцы подавали себя с выгодных сторон (кто мог подумать, что у них профессиональные поставленные голоса?), а с мэтров и мастодонтов слетала бронза. Экранное коллективное счастье пробуждало затаенную надежду на общество всеобщего благоденствия.     

На эту тему

Другой компромисс касался выбора песен. В картину не попали кондовые патриотические песни, лагерный блатняк или духоподъемная макулатура — зато вдруг прозвучали «На поле танки грохотали», «Я милого узнаю по походке» и «Одинокая гармонь». Оказалось, что заслуженные артисты «Песни года», самые востребованные лица новой эстрады и музыкальные реликты времен Утесова и Руслановой, вполне уживаются друг с другом, если подменить строгую иерархию вольницей вымышленного мира. И действительно, что могут не поделить «пасечник на пенсии» Андрей Макаревич, «пастух» Александр Малинин и «шабашник с юга» Филипп Киркоров? В то время как представить их втроем на одном альбоме до сих пор довольно трудно. 

Кроме того, экстремальных несовпадений типажей и характеров проект не предлагал, оставив за скобками ультрамодных на тот момент Влада Сташевского и Андрея Губина, с одной стороны, или авторитетных Михаила Круга и Михаила Шуфутинского — с другой.  

Ирония или осечка?

Небольшие отступления во вселенной проекта были заметны еще в первой части (персонажи сталинских пятилеток наряду с народными песнями могли затянуть шлягеры брежневской поры), но во второй и тем более третьей на противоречия и нестыковки, вероятно, махнули рукой. Понятно, что никто не ждет от новогодней музыкальной сказки многоходовок и системы Станиславского, они им буквально противопоказаны. А вот цельность и внутренняя логика точно не помешали бы. 

В продолжении «Старых песен» действие переносится из деревни в город, причем сразу в столицу, а оттуда — в еще более условный и искусственный мир — в павильоны «Останкино» и «Мосфильма». Это невероятно расширило возможности сценаристов — теперь с героями в прямом смысле происходило все что угодно. Сергей Мазаев и Татьяна Буланова летали над облаками, Николай Фоменко ходил в костюме-тройке у незнакомого поселка на безымянной высоте, кабаре-дуэт «Академия» пел Ивану Грозному диско Moskau. Однако взяв напрокат узнаваемые сцены из классики советского кино, авторы упустили важную деталь: все они работали только в пространстве самого фильма.  

На эту тему

Из-за смешения контекстов времени, декораций фильмов и имиджей артистов внимательный зритель с замашками телекритика и дипломом искусствоведа мог заметить, что Николай Расторгуев исполняет песню «Есть только миг» из фильма «Земля Санникова» в декорациях «Белого солнца пустыни». Лариса Долина поет песню «Ищу тебя» из фильма «31 июня», играя роль Анны Австрийской из «Д’Артаньяна и трех мушкетеров». А Валерий Меладзе, цитируя знаменитый телефонный звонок Мимино из одноименного фильма, вдруг переключается на песню «Звездочка моя ясная» ВИА «Цветы» без малейшего повода. 

Лирические герои песен могли быть противоположны героям фильма. Так бойз-бенд косарей с вилами «На-На» уверяет, что «первым делом самолеты», профессиональный долг, но понятно, что это и близко не так. Сельский ловелас Агутин поет о верности, якобы одинокая героиня Ирины Аллегровой обещает «на тебе сошелся клином белый свет» и поочередно принимает в гости трех мужчин. Почему? Потому что типаж и слава «шальной императрицы» сильнее и понятнее зрителю.  

Владимир Пресняков поет «Течет река Волга» в кожаных обтягивающих штанах и нарочито высоким голосом — на очевидном контрасте с привычной всем версией Людмилы Зыкиной — и ставит себя и зрителей в неловкое положение. Это ирония или осечка? Постмодернизм или дилетантство? Кажется, именно эта неосторожность авторов и их готовность использовать все краски сразу привела к тому, что запасники советской эпохи были опустошены всего за несколько серий. Понятных архетипов и любимых нарицательных имен больше не осталось.

Ностальгия по «Старым песням»

Путаница в хронологии и наложение контекстов сыграло злую шутку не только с авторами проекта, но и с массовым зрителем. Принято считать, что «Старые песни о главном» пробудили всенародную ностальгию по советскому прошлому и погрузили страну в теплые воспоминания о прошедшей эпохе. 

Однако стоит внимательно присмотреться к эволюции телепроекта, как станет ясно, что уже на третьем выпуске (и особенно на последнем, «Постскриптум») отношение к советской культуре меняется от уважительного к саркастическому. От умиления и ламповой ностальгии не осталось и следа. Место тоски по былому прекрасному веку заняли ирония и холодное препарирование. В этой связи сложно всерьез говорить о реконструкции — скорее, речь идет о деконструкции, если не демонтаже. То, что начиналось как паноптикум милых сердцу и наивных простаков вроде родственников из провинции, перестало нести утешение в прошлом.

Как ни странно, регулярные повторы первых трех частей «Старых песен» лишь подтверждают этот неутешительный вывод: если бы заветный ретромеханизм работал, то самый успешный телемюзикл страны продолжал выпускать все новые и новые серии, однако этого не происходит. Нужен именно повтор, а не имитация повтора. Так что если «Старые песни о главном» и запустили ностальгию, то спустя четверть века это может быть только ностальгия по самому проекту. Точнее, по временам, когда он выглядел невероятно свежо и смело. В них и правда хотелось бы вернуться, «на тот большак, на перекресток».

Нам песня русский учить помогает — Новости

Песня на уроке – это передышка и развлечение? Не только! О том, как можно эффективно использовать песни в преподавании русского языка как иностранного, расскажет наш эксперт.

Некоторые педагоги часто говорят о том, что используют песни для того, чтобы студенты немного передохнули, чтобы они не теряли мотивацию и концентрацию на уроках, особенно когда речь идёт о длинных занятиях и грамматическом материале. Тем не менее, данная функция — лишь одна из многих функций песен в преподавании РКИ и иностранных языков. Итак, в чём же, с нашей точки зрения, заключается ценность песенного материала для уроков? Давайте рассмотрим основные аспекты и характеристики песен как учебных материалов, которые могут нам пригодиться.

• Фонетический аспект. Как мы знаем, в песнях все звуки поются, слышно звучание всех гласных и согласных, если подобран подходящий материал. Песни на практику фонетического аспекта можно использовать в том числе и в начале обучения, а именно во время вводно-фонетического курса, если таковой имеется. В этом случае подойдут медленные, “протяжные” песни, например, “Ой, мороз, мороз” или “Степь да степь кругом”, а также русские романсы.
• Аудирование. С помощью песен преподаватель может создать прекрасные упражнения на практику аудирования для студентов разных уровней. Несмотря на то, что поём мы реже, чем говорим, т.е. упражнения на аудирование в виде песен нельзя заменить на упражнения в виде живой звучащей речи, но задания на практику слушания на основе песен представляют собой “затруднённое” аудирование, т.к. слова, словосочетания и предложения не звучат в их естественном виде. Это тренирует слух студентов и позволяет им затем без труда выполнять обыкновенные, более простые упражнения на аудирование.
• Лексико-грамматический аспект. Важнейшую роль играют тексты песен, которые преподаватель обязательно должен тщательно отбирать, чтобы они соответствовали основной лексико-грамматической теме урока и помогали студентам осваивать данную тему.
• Лингвострановедческий аспект. Песни — прекрасный лингвострановедческий материал. Сами мелодии песен уже содержат в себе важнейший страноведческий элемент, поэтому песни можно использовать уже на первых уроках, чтобы студенты услышали некоторые традиционные русские мелодии. В текстах песен содержатся разного рода культурные элементы (как более глубинные, так и лежащие на поверхностности), например, названия улиц, городов, рек; в текстах песен сообщается о чувствах героев, есть и традиционные, общие для разных народов сюжеты песен. Также по песням можно проследить и эпоху: песни сталинской эпохи кардинальным образом отличаются от песен «оттепели» и т.д. Важен и набор песен: есть песни, которые известны почти всем жителям России, например, “Песня крокодила Гены” или “Тёмная ночь”. Об этом и наши студенты, безусловно, также должны узнать. В песнях есть определённый набор цитат, которые используются в разговорном русском языке (возьмём, к примеру, такие песни, как “Ромашки спрятались, поникли лютики”, “Травы, травы” и пр.). Присутствуют также устойчивые ассоциации “песня-фильм”, как в случае с узнаваемыми текстами “Если у вас нету тёти” или “Песня мушкетёров”. Не стоит забывать и об исполнителях песен, это тоже большой и важный культурный пласт. Именно поэтому, перед тем как начинать слушать песню, стоит кратко рассказать студентам о её исполнителе.
• Видеоряд. Сейчас у преподавателей появилась возможность показывать студентам музыкальные видеоклипы. Они важны по нескольким причинам: студент может видеть исполнителя и то, как он поёт; в клипах также есть большое количество страноведческих элементов; сам факт просмотра клипа мотивирует студента; визуальный аспект позволяет лучше запомнить исполнителя и композицию.
• Тексты песен. Представляют собой литературную ценность, если речь идёт о “стоящих” текстах, например, текстах бардов. В этом случае студенты уже смогут анализировать текст и обсуждать его. В текстах песен, как и в текстах стихов, есть ритм и рифма, немаловажные с фонетической точки зрения, а также ориентированные на запоминание студентами определённых частей текста, что может пригодиться им в дальнейшей работе.
• Мотивация студентов. Песня в качестве упражнения обычно в корне отличается от “обычных” лексико-грамматических упражнений. Благодаря песням студенты смогут взглянуть на лексику и грамматику русского языка под другим углом.

К подбору песен для уроков преподавателю нужно подходить не только с умом, но и с педагогическим чутьём. Тексты песен должны усложняться с повышением уровня студентов. Например, для студентов продвинутого уровня нужно отбирать тексты с устойчивыми сочетаниями и фразеологическими оборотами, а также тексты, которые могут склонить студентов к дискуссии (например, “Разговор в поезде” группы “Машина времени”). Особое внимание нужно обращать не только на соответствие текста песни уровню студента, но и вписанность определённой песни в план и тему урока. Например, если мы проходим глаголы движения, то можно использовать песню “Весеннее танго” Никитиных. Песню можно включить в начало определённой темы, предваряя её, а можно, наоборот, завершить, закрепить тему песней. Можно и не привязывать песню к теме урока, а использовать её в качестве передышки, но при этом студенты всё равно должны узнавать что-то новое для себя. 

Важна и повторяемость элементов в тексте песни, и их вариативность.  Например, если вы проходите возвратные глаголы, то вам, возможно, подойдёт песня “Голубой вагон”. Тем не менее, вариативность форм возвратности в ней представлена не очень удачно.
Необходимо иметь в виду и некоторые технические характеристики: качество аудио и видео, чёткость произношения, темп. Естественно, с повышением уровня студентов, темп исполнения может нарастать. 

Текст песни должен быть логичным, понятным, должен вызывать у студента определённые эмоции. В этом отношении лучше использовать старые песни или их современные версии. Я стараюсь использовать современные обработки старых песен, например, два альбома Максима Леонидова “Папины песни” и “Давай закурим”, некоторые песни Валерия Сюткина, песни группы “Кватро”, хора Турецкого, ВИА “Пролетарское танго”, а также телевизионных программ “Две звезды” и “Достояние республики”, в которых всегда присутствуют субтитры к песням на русском языке. Дополнительно ещё можно упомянуть шоу “Голос” в качестве смешанного упражнения на аудирование: песня + речь, обсуждение песни. Безусловно, вы должны будете подобрать подходящие отрывки песен именно на русском языке. Студенты также смогут обсудить исполнение, организовать дискуссию.

Бывает и так, что некоторые студенты негативно относятся к песням в качестве упражнений, другим не нравятся детские песни. Возможно, таким студентам нужно пойти навстречу, особенно если речь идёт о частных уроках. Безусловно, если у вас есть только один час в неделю со студентом, то вы не будете постоянно использовать песни.

 Задача преподавателя — собрать коллекцию песен для своих уроков. Целесообразно создать таблицу, в которой указывается название песни и имя исполнителя, уровень, на котором эту песню можно слушать со студентами, а также ценность песни по некоторым параметрам, например: «Грамматика», «Лексика», «Коммуникация и организация дискуссии», «Лингвострановедение». По лексическим темам песни подобрать не так просто, т.к. количество тем, о которых поётся в песнях, ограничено, зато есть большое количество песен по темам, связанным с временами года, характером человека, чувствами, животными и пр.

Преподавателю обязательно нужно контролировать количество незнакомых слов в текстах песен. Если их не очень много, то они могут даваться преподавателем рядом с текстом или перед ним с переводом на язык-посредник или с толкованием на русском языке.

Приведём некоторые примеры конкретных упражнений, связанных с работой с песнями и текстами песен на уроках:

• Студентам предлагается текст с пропущенными словами, которые нужно вписать в текст. Пропусков не должно быть слишком много, они не должны идти друг за другом. Пропущенные слова должны быть связаны с темой урока.
• Преподаватель также предлагает пропуски, но предлагает студентам выбрать правильное слово из нескольких схожих вариантов.
• После прослушивания песни преподаватель предлагает придумать ей название, а настоящее название даёт студентам только потом. Или наоборот — дать название песни, а студенты могут сделать предположения о её содержании до прослушивания самой песни (для студентов среднего и продвинутого уровней).
• Строфы или строки в тексте перепутаны. Нужно их правильно “сложить” в текст.
• Дать студентам текст песни с ошибками, во время прослушивания студенты должны исправить эти ошибки. Студенты могут сначала подчёркивать “неправильные” слова.
• Перевод песни на родной язык. Конкурс переводов. Можно дать в качестве домашнего задания.
• Дописать ещё одно четверостишие с рифмой и спеть его, записать видео. Творческий конкурс.
• Организация “дня караоке”. Для работы в группе.
• Поиск информации об исполнителе. Доклады.
• Прослушивание песни, вопросы по тексту. Организация дискуссии.
• Студентам можно дать текст песни до её прослушивания и попросить угадать некоторые слова, особенно те, которые связаны с рифмой. Они также могут выбрать эти слова из нескольких вариантов.
• Дать студентам текст песни с лишними словами. Они должны их вычёркивать при прослушивании.
• При прослушивании песни студенты рисуют картину по песне, а затем объясняют в группах, что они нарисовали.

Существует немало уже готовых ресурсов, посвящённых песням, к которым вы можете обратиться, готовясь к уроку, или если вам будет необходим план работы с песнями для занятий:

1. Книги с упражнениями на основе песен — “Русский рок и русская грамматика”, “Споёмте, друзья”, “Русские песни на уроке”, “Не фонетика — песня”.
2. Проект Воронежского университета “Русский язык в песнях”.
3. Проект “Rocking Russian”.
4. Сборник русских песен с упражнениями.

Итак, песенный материал с разных точек зрения может быть так же полезен для уроков, как и традиционные упражнения из учебников. Тем не менее, для того чтобы он работал, преподавателю нужно отнестись к нему ответственно и соблюсти ряд методических рекомендаций, о которых шла речь в статье, а именно — иметь в виду уровень и интересы студентов, лексико-грамматическую и коммуникативную тему урока, учитывать некоторые технические характеристики, качество и понятность самого текста песни и пр. Мы все знаем, как важно, чтобы студенты хорошо усвоили материал, чтобы они были мотивированы. Хороший педагог вместе с песней, безусловно, справятся с этой задачей!

Автор: Амлинская Юлия, руководитель международной онлайн-школы РКИ «Russificate» и международной онлайн-школы для детей-билингвов «Russificate Kids», преподаватель русского языка как иностранного, администратор крупнейшего в Facebook сообщества «Преподаватели РКИ».

Другие статьи автора здесь.

 

Читайте также об использовании песен на уроках РКИ статью Учись и пой!

 

Остров Барбадос – путеводитель по стране

Расположение

Барбадос расположен на востоке Карибского моря и входит в группу малых Антильских островов. Барбадос можно объехать за один день: остров 34 км в длину и 23 км в ширину. Здесь царит тропический морской климат и почти круглый год идеальная погода без ураганов и дождей. С востока Барбадос омывают воды Атлантического океана, откуда дуют пассаты. За этот постоянный ветер Барбадос полюбили серфингисты.

Магазины

Брод-Стрит – главная улица Бриджтауна, столицы Барбадос. Здесь находится больше половины магазинов всего острова, где можно купить всё: от булавки до бриллиантового колье. Брендовые бутики стоят вперемешку с лавками, переполненными местными товарами, но торговля заканчивается довольно рано – в 6 часов вечера. В сувенирных магазинах расплачиваются кредитными картами, местной валютой и американскими долларами. Практически везде работает система tax-free, нужно только предъявить паспорт или водительское удостоверение и обратный билет. Цены на товары указаны в двух валютах: барбадосских и американских долларах. Часто продавцы пишут и третью цифру – за вычетом налогов. Это для тех, кто решит обратиться за возмещением НДС в аэропорту.

Автобусы

По Барбадосу курсирует 2 вида автобусов. Синие автобусы принадлежат государству, следуют чётко по расписанию и останавливаются исключительно в специально отведённых местах. Оранжевыми и белыми автобусами владеют частники, у них более свободный график и гибкий маршрут, а водители еще работают и «зазывалами» — сами предлагают пассажирам свои услуги.

Экскурсии

Каждый день от главной пристани Бриджтауна отходят лодки и яхты, которые везут гостей острова к местам обитания морских черепах, до которых примерно час пути. За день туристы успевают позагорать, увидеть черепах и поплавать вдоволь. Передвигаться по палубе можно только босиком. Перед тем как заходить в воду, обязательно проводится инструктаж по технике безопасности. На каждого надевают специальный жилет и маску. На Барбадосе черепахи охраняются законом, поэтому люди относятся к ним очень бережно. Черепахи здесь почти что ручные и подплывают очень близко к человеку. Главное, не делать резких движений. Черепах регулярно подкармливают местные жители, и животные, зная расписание местных круизов, как по команде поднимаются с морских глубин. Это, несомненно, поражает всех туристов.

На всех морских круизах Барбадоса действует система «всё включено»: оплатив экскурсию в отеле или туристическом центре, не обязательно брать с собой на борт наличные. Обед и напитки, которые можно заказывать в неограниченном количестве, входят в стоимость тура. Особенно любознательным туристам разрешают подняться на второй этаж к капитану корабля и немного порулить судном. Путь обратно на Барбадос кажется короче: капитан спешить достигнуть берега, пока не село солнце, чтобы гости острова могли еще раз искупаться.

Еще один круиз, которым славится Барбадос — к затонувшим кораблям. На дне Карибского моря вблизи острова Барбадос находятся сотни затонувших кораблей. Многие из них лежат на небольшой глубине. Чтобы их увидеть, достаточно воспользоваться простой маской и ластами. Быть дайвером совсем необязательно. В этом основное преимущество этой морской прогулки. Те, кто никогда не погружался на большие глубины, смогут увидеть город «мёртвых кораблей», спустившись всего на пару метров.

Ночная жизнь

Рыбацкая деревушка Ойстингс, которая находится в получасе езды от Бриджтауна, известна своими вечеринками. Самые шумные проходят по пятницам. В этот день городок превращается в один большой ночной клуб. Местные рыбаки знают, что через пару часов их прилавки опустеют, ведь основное блюдо вечера – рыба. Вечеринки по пятницам всегда проходят в стиле калипсо. Этот музыкальный стиль возник в 19 веке. Работникам сахарных плантаций запрещали разговаривать, единственным средством общения были песни. Поэтому калипсо стало источником новостей. Современная обработка старых песен в исполнении профессиональных ди-джеев дало калипсо новую жизнь, полную зажигательных ритмов.

Удачных путешествий!

Комментарии

Пару слов об авторе

Михаил Морозов

Менеджер по туризму. По совместительству — автор и редактор этого блога о путешествиях. Люблю путешествовать и организовывать отдых своим клиентам.

Создание музыки: 6 этапов музыкального производства

Впервые в мире музыкального производства? Эта статья объяснит различные этапы создания музыки и поможет вам организовать этот процесс в своей голове.

Йони Левиатан, Waves Audio

В сегодняшнем мире создания музыки единственное правило — никаких правил. Запишите все, что хотите, и используйте это как образец. Автоматизируйте эффекты способами, о которых раньше даже не догадывались. Смешивайте ритмы и жанры, чтобы создавать ритмы и мелодии, которые идут дальше и создают новые категории музыки.

Однако то, что вы можете делать что угодно в музыке, не означает, что вы должны это делать.

Независимо от того, какую музыку вы пишете, вы хотите, чтобы это была хорошая музыка. Вы хотите, чтобы другие люди получали удовольствие от прослушивания ваших треков, четко слышали сообщение и не отвлекались на плохую запись или слабую игру. Как шеф-повар с кухней, полной ингредиентов, существует множество способов собрать свой шедевр, и очень легко его испортить.

Цель этой колонки — помочь вам понять процесс создания музыки от начала до конца, чтобы вы могли создавать треки, соответствующие стандарту качества, который мы называем «хорошей музыкой», независимо от стиля. В каждой статье я буду пытаться давать вам новые способы осмысления вашего подхода к созданию музыки, которые вы можете применять, как хотите. Что важно, так это то, что вы понимаете процесс и инструменты, имеющиеся в вашем распоряжении, чтобы было легче создать качественный трек, который доставляет ваше сообщение так, как задумано.

Давайте начнем с определения процесса создания музыки, разделив его на шесть основных этапов:

1. Написание песен
2. Аранжировка
3. Отслеживание
4. Редактирование
5. Сведение
6. Мастеринг

Они ни в коем случае не высечены в камне , и полностью основаны на том, как мне лично нравится думать об этом процессе.Разбивка предназначена для использования в качестве общего ориентира, помогающего организовать процесс в нашем сознании. Часто мы делаем несколько из них одновременно (например, написание песен и аранжировка, отслеживание, редактирование и микширование и т. Д.). Но в среднем это общие шаги, предпринимаемые для создания трека — сознательно или нет — и полезно понимать, что входит в каждый этап, чтобы мы могли выполнить его должным образом и получить наилучшие результаты.

НАПИСАНИЕ ПЕСНИ

Что значит написать песню, когда большая часть сегодняшней музыки бессловесна? Это отличный вопрос для другой статьи.Но для наших целей предположим, что написание песен — это процесс объединения музыкальных идей, чтобы сформировать более крупную структуру связной мелодии, гармонии и ритма. Это процесс мозгового штурма, который приводит к началу, середине и концу.

Что делает хорошую песню? Это тоже весьма спорный вопрос, но я охотнее отвечу на этот вопрос. Хорошая песня с точки зрения содержания будет зависеть от слушателя и от того, что его привлекает. Это абсолютно субъективно. Тем не менее, хорошую песню с точки зрения ремесла можно определить более объективно, и, как правило, в ней есть все элементы, перечисленные выше (т.е. мелодия, гармония, ритм, начало, середина и конец) и будут собраны вместе таким образом, чтобы они были приятно узнаваемы, но при этом оставались творческими и верными музыкальному посланию. Когда дело доходит до текстов, мне нравится думать о просодии — о том, как текст и музыка работают вместе, чтобы поддерживать друг друга. Недостаточно иметь хорошие тексты с литературной точки зрения. Они также должны звучать музыкально, когда их поет певец.

Хорошая песня будет развиваться по мере продвижения, ведя нас по знакомому пути, усеянному сюрпризами, чтобы мы были уверены, что мы ее слушаем.Мелодия (то, что поет певец) будет соответствовать гармонии (то, что в основном играют гитары, бас и синтезаторы), так, чтобы она была приятной для слуха, с использованием повторения, чтобы помочь слушателю привыкнуть к последовательности аккордов перед переходом к следующему раздел и другой набор последовательностей аккордов. Хорошая песня также будет иметь хорошее чувство ритма и заставит вашу ногу стучать в ритм, независимо от того, играет ли барабанщик или нет.

Для многих людей процесс написания песен связан с процессом трекинга, поскольку они начинают с барабанной петли и строят оттуда, записывая новые идеи друг на друга, пока они не получат законченную песню.Несмотря на то, что это может быть другой метод, чем певец / автор песен, который сидит со своей гитарой и записной книжкой, чтобы набросать мелодию, результат все равно следует оценивать в соответствии с теми же принципами: достаточно ли мелодия и гармония запоминаются, чтобы оставаться в вашей голове после того, как песня сделана? По мере развития трек привлекает ваше внимание новыми идеями? Это канавка?

Если отбросить все остальные аспекты производства, если вам нужно было сыграть песню только с одним инструментом и вокалом (или просто инструментом), будет ли это хорошая песня? В противном случае остальное не имеет большого значения. Но сделайте это правильно с самого начала, а все остальное будет с легкостью.

Аранжировка

Из всех этапов создания музыки аранжировка, пожалуй, наименее понятна и наиболее игнорируется. Когда песня имеет хороший ритм и мелодию, но через некоторое время становится слишком повторяющейся, это обычно проблема аранжировки. Именно аранжировка делает песню интересной.

Проще говоря, аранжировка песни относится к выбору инструментов, играющих в каждой секции — как они «аранжированы» — и как сами секции расположены на более крупной временной шкале песни.

Если вы написали отличный куплет и припев, недостаточно просто проигрывать их снова и снова, один за другим на повторении. Должно быть какое-то наращивание. Например, 1-й куплет содержит только гитару и вокал, 2-й куплет добавляет бас и ударные, а 1-й куплет добавляет синтезаторные и вокальные гармонии. Это аранжировка различных инструментов в песне.

И то, что вы представили инструмент, не означает, что он должен оставаться там все время. Иногда вы хотите, чтобы во время припева играл только определенный инструмент, или вы добавляете его во второй половине финального припева для кульминационного воздействия, или у вас будет партия, играющая только на левой стороне в течение первой половины. стиха, а затем в стерео для второй половины. Возможности безграничны. Важно, чтобы все двигалось. Даже незначительные дополнения могут вызвать у слушателя большой интерес, независимо от того, осознают он это или нет.

Также возникает вопрос, сколько разделов включить.Мне нравится судить по ощущениям. Обычно вы можете почувствовать, когда раздел достиг своих пределов, или если вам нужно что-то изменить, чтобы заинтересовать людей. Опять же, песня всегда должна быть подвижной, даже если она очень тонкая. Инструменты должны входить и выходить, накапливая энергию, вводя изгибы и повороты на своем пути. Вы также можете поговорить об аранжировке на уровне гармонии и о том, какие аккорды вы используете.

Всякий раз, когда я думаю об аранжировке, я сначала пытаюсь выбрать один или два элемента, которые наиболее важны для песни и на чем я хочу, чтобы слушатель сосредоточил внимание. Затем я слушаю трек и спрашиваю: что еще я могу сделать, чтобы разнообразить его? А что-нибудь еще нужно? Иногда правильный ответ — оставить это в покое. Знание того, когда это делать, — вот что делает хорошего продюсера.

ОТСЛЕЖИВАНИЕ

Теперь мы вводим оборудование. Поскольку процесс записи может относиться ко многим вещам, мы будем называть этот этап «трекингом», а цель — запечатлеть исполнение песни.

Песня существует в эфире. Это просто собрание музыкальных мыслей.Что делает его осязаемым, так это запись этой песни в определенный момент времени. Воспроизведение песни вживую сделало бы ее доступной для передачи, но это не было бы ощутимым, поскольку песня исчезла бы, когда она закончилась. Это запись, которая захватывает песню в формате, который можно слушать непрерывно по желанию.

Трекинг — это процесс записи различных инструментов, которые используются для исполнения песни. Обычно песня записывается по одной дорожке за раз. Каждый раз, когда вы записываете новый трек, вы слышите и все остальные, которые вы записали. Это процесс многодорожечной записи.

Почему важно рассматривать трекинг как отдельный процесс, чем написание песен? Потому что написание песен — это другой вид деятельности, чем выступление. Когда вы пишете, вы хотите, чтобы ваш разум был свободен создавать всевозможные новые ассоциации и связи, поэтому вы экспериментируете без какого-либо редактирования. Однако, исполняя песню — тем не менее, для потомков — вам нужно использовать свой ум, чтобы сконцентрироваться совсем по-другому. Вам нужно сосредоточиться на игре вовремя и с правильным чувством.

Хотя у вас есть много вариантов редактирования для исправления ошибок и улучшения исполнения, есть предел тому, что вы можете делать, сохраняя при этом естественное звучание, и ничто не сравнится с превосходной производительностью с самого начала. Если вы попытаетесь объединить написание и исполнение в один процесс, обычно страдают оба. Чтобы добиться максимальной отдачи от песни, лучше сосредоточиться на каждой отдельно.

Когда вы нажимаете пластинку, покажите результат своей жизни и ни о чем другом не думайте.Каждый раз.

Вы также можете вдохновиться творчеством во время трекинга и захотите использовать некоторые эффекты в реальном времени, такие как Vocal Bender, Waves Tune Real-Time и OVox. Если вы работаете над поп или хип-хопом, эти эффекты могут быть особенно яркими. Посмотрите, как Дэвид и Лусил записывают песню вживую с помощью плагинов:

РЕДАКТИРОВАНИЕ

Возможности цифрового редактирования сделали запись отличного выступления проще, чем когда-либо.Но лучше всего использовать эти инструменты как запасной вариант, а не в качестве альтернативы. И когда приходит время внести некоторые изменения, вы должны рассматривать это как отдельный этап по нескольким причинам.

Во-первых, вы не хотите редактировать, пока вы пишете или записываете. Сосредоточьтесь на этих этапах по отдельности и уделите им все свое внимание, чтобы не терять настроение каждый раз, когда вы останавливаетесь, чтобы что-то исправить. Оставьте редактирование на более поздний этап.

Во-вторых, не переусердствуйте с редактированием, иначе ваша песня начнет звучать слишком «нарезано» и бесчувственно.Думая о редактировании второстепенным образом, вы приложите больше усилий, чтобы добиться стабильного результата и зафиксировать то, что вам нужно вживую, вместо того, чтобы тратить вдвое (или больше) больше времени, пытаясь вместе отредактировать что-то правдоподобное.

Если вам нужны пошаговые инструкции по очистке, редактированию и полировке вокальных дорожек, ознакомьтесь с этим видеоуроком.

Когда придет время редактировать, относитесь к этому как к области «не навреди». Если звучит хорошо, значит, редактировать не нужно.Используйте этот этап, чтобы перемещать части, которые не соответствуют времени, настраивать высоту звука, которая не совсем там, или полировать дорожки, уменьшая начало и конец каждой части, чтобы она входила и выходила плавно. Цель этого этапа — добиться как можно более качественного звучания выступления, не более того.

Если вам интересно, готов ли ваш трек к микшированию, будь то вы или другой инженер, это руководство «Как подготовить вашу продукцию к микшированию» может быть очень полезным для чтения.

СМЕШИВАНИЕ

Для многих именно здесь начинается самое интересное.Вы написали свою песню, записали части, и теперь пора сесть, расслабиться и превратить этот трек в шедевр. Умение хорошо сочетать — это искусство, требующее многих лет обучения и практики. Но это никому не мешает делать это, и вы должны не стесняться нырять и начинать исследовать возможности.

Микширование — это процесс объединения всех инструментов, которые вы записали, в стереофонический двухдорожечный микс (левый-правый или объемный, если вам это нравится). Хороший микс позволит вам четко и детально слышать все инструменты.В нем будет глубина и движение. Это будет хорошо звучать и поддержит замысел музыки.

Сведение — это отдельный мир, и многие люди предпочитают сосредоточиться именно на этом аспекте процесса создания музыки. Мне нравится думать об этом как о дирижере оркестра, где вы можете точно решить, как все будет звучать: какие инструменты будут громче других, где они будут в стереофоническом спектре, какие будут звучать впереди, а какие прозвучит издалека, какие эффекты и когда будут использоваться.

Количество решений, принимаемых в процессе микширования, исчисляется тысячами, и окончательный микс оказывает огромное влияние на способ интерпретации вашей песни. Хороший микс поможет людям оценить вашу песню за ее гениальность.

Микширование — это тема, которая требует гораздо больше места, чем мы здесь, но хорошим началом будет эта серия видео, где вы можете узнать, как начать микширование с помощью плагинов. Если вы новичок и еще не знакомы с различными эффектами, используемыми при микшировании, посмотрите «Основы звука» — серию видеороликов, которые помогут вам начать работу.

Мы подробнее рассмотрим микширование в будущих статьях, но даже первый шаг по настройке громкости всех ваших треков, чтобы они хорошо сочетались, является частью процесса микширования. Начните с этого места, и чем больше вы узнаете о том, как правильно микшировать, тем больше у вас будет контроля над тем, как будет звучать ваш последний трек.

МАСТЕРИНГ

Мастеринг традиционно рассматривался как отдельный этап. Но для многих производителей спальни это просто стало последней частью стадии сведения.Для большинства из вас, читающих это, вероятно, второе, но все же полезно знать, как это произошло.

При записи альбома артисты иногда используют разные студии, продюсеров и инженеров для разных песен. В результате каждая песня будет иметь свое собственное звучание. Мастеринг — это процесс создания связного звучания всех этих песен в одном альбоме. У хорошего мастеринг-инженера безупречные уши и оборудование, и он исправит любые незначительные недостатки в миксе, которые звукоинженер мог пропустить из-за звука в его / ее комнате.Он также повысит уровень всех треков, чтобы они были «горячими» (громкими) и даже по громкости. Пропуская каждую песню через одно и то же оборудование для мастеринга и настраивая ее на один и тот же уровень, это заставляет их звучать так, как будто они взяты из одного альбома.

Так как многие спальные музыканты и продюсеры записывают треки индивидуально без какого-либо намерения объединить их в более длинный альбом, роль мастеринг-инженера сокращается, поскольку нет необходимости делать сборник песен связным. Затем функция сводится к тому, чтобы сделать окончательный микс точным — то есть он будет транслировать звук так, как задумано в различных системах воспроизведения — и поднять уровень настолько горячим, насколько этого хочет артист.

Таким образом, если нет бюджета на отдельного мастеринг-инженера, многие люди предпочитают позволить своему микширующему инженеру позаботиться об этой последней части или сделать это самим, если они микшируют свою музыку.

Как и все остальное, профессионал всегда сделает свою работу лучше всех. Но вы можете «подделать» это с помощью хорошей цепочки плагинов и правильных пресетов. Если вы новичок в мастеринге, ознакомьтесь с этим руководством о том, как мастерить свои собственные треки с помощью всего пяти плагинов.

CODA

Я происхожу из более традиционного певца / автора песен и склонен думать о производстве музыки именно таким образом.У многих продюсеров электронной музыки, ди-джеев и исполнителей хип-хопа, вероятно, будет подход, который во многом отличается, но концепции, о которых мы здесь говорим, в основном универсальны. Неважно, какой стиль музыки вы делаете, все равно существуют фундаментальные проблемы, связанные с тем, чтобы эта музыка звучала хорошо. И независимо от ваших целей, мы все согласны с тем, что хотим, чтобы наша музыка звучала хорошо.

Я знаю только два способа научиться лучше писать музыку: учиться и делать. Независимо от того, играете ли вы на музыкальном инструменте или учитесь смешивать и воспроизводить, есть бесконечные знания, и нет оправдания тому, чтобы не впитывать их.Но одного учиться недостаточно. Вам нужно практиковать то, что вы изучаете. Создавайте музыку без каких-либо намерений. Нажимаем запись и смотрим, что получится. Тогда постарайтесь сделать так, чтобы это звучало хорошо. Делая это снова и снова, вы улучшите свою технику и сможете эффективно работать всякий раз, когда у вас есть сообщение, которое вы хотите донести.

Производство музыки — это просто процесс создания музыки. Чем удобнее вам будет этот процесс, тем легче вам будет сочинять музыку и делать так, чтобы она звучала хорошо.

КУДА ОТ ЗДЕСЬ?

Ну, это зависит от того, чему вы хотите научиться! Мы предлагаем ряд углубленных производственных курсов, посвященных различным жанрам и темам, так что просмотрите и посмотрите, какие новые навыки вы хотите развить!

WAVES AUDIO ESSENTIALS COURS

Mixing Foundations

Изучите самые важные основы микширования мощной музыки с помощью стандартных плагинов Waves.

Основы микширования хип-хопа

Научитесь создавать хип-хоп миксы профессионального уровня с откровенным вокалом, энергичными битами и глубокими низами.

Основы микширования вокала

Изучите основы микширования вокала с помощью простой и понятной методики.

The Essentials of Rock Mixing

Узнайте, как создавать мощные рок-миксы с резким вокалом, широкими гитарами, жесткими басами и барабанами.

Основы микширования EDM / Pop

Узнайте, как микшировать клубные миксы EDM / pop, которые впечатляют и звучат невероятно на любой звуковой системе.

Audio Mastering Essentials

Изучите основные навыки, необходимые для эффективного мастеринга песен для основных современных форматов и потоковых платформ.

Улучшенный звук для создателей контента социальных сетей

Узнайте, как повысить качество звука ваших видео и подкастов, чтобы привлечь больше зрителей и слушателей.

Основы звукового дизайна и постпродакшна видео

Изучите основы звукового дизайна и постпродакшна видео с помощью простой и понятной методики.

Первоначально опубликовано 27 июля 2017 г.

Йони Левиатан — директор по маркетингу и развитию бренда Waves.Высказанные здесь взгляды являются его собственными и основаны на его работе в качестве певца / автора песен с трансляцией на общенациональном радио в США и песнями, лицензированными для MTV, CNN, ESPN, PBS и телеканалов Lifetime.

19 песен, которые имеют значение прямо сейчас

На своих последних концертах перед пандемией Билл Фризелл гастролировал по джазовым клубам США со своим новым квартетом HARMONY: Frisell на электрогитаре вместе с великой драматической певицей Петрой Хаден, Хэнком Робертсом на виолончели и Люком Бергманом на баритонной гитаре.Когда я увидел их в Балтиморе в первую ночь марта 2020 года, мне показалось, что они были в постоянном слиянии мыслей. HARMONY — тихая группа, и, хотя каждый музыкант виртуозен, их цель — выполнить концепцию, в честь которой назван проект. Нет ничего высокого, ни один инструмент не подавляет других; они играют, чтобы смешаться. Бергман и Робертс время от времени добавляли свой собственный бэк-вокал, а Фризелл скользил по всем их мелодиям со своей электрогитарой, иногда дублируя вокальные партии Хадена, иногда создавая драматизм самостоятельно.Иногда — особенно когда они играли старые песни, такие как «Red River Valley» или «Hard Times Come Again No More» — они звучали как камерная группа, собравшаяся у костра в прериях.

В этом месяце Фризеллу исполняется 70 лет, и на данный момент инновации и исследования настолько важны для его музыкальной идентичности, что даже небольшая, бесцеремонная группа, где все поют, кроме него, все еще сияет его чувственностью. Одноименный дебютный альбом HARMONY, выпущенный в 2019 году, первая пластинка гитариста в качестве лидера Blue Note за его 40-летнюю карьеру, содержал ту же неопределенную по жанру смесь музыки, которая типична для Frisell: джазовые стандарты, шоу-мелодии, старый фолк. песни и мелодичные оригиналы.Подробнее

В Балтиморе HARMONY закрылись песней, которую группа не записывала, но Фризелл часто играл в последние несколько лет. Это незамысловатая мелодия с очень глубокой историей. Музыковеды проследили его происхождение от гимна 18-го века, и его версия, вероятно, пела порабощенные рабочие. Это тоже была профсоюзная песня, которую пели бастующие рабочие в 40-х годах, примерно в то время, когда Пит Сигер впервые услышал ее и помог распространить ее среди публики фольклорных фестивалей 60-х годов.Движение за гражданские права, начавшееся со Студенческого координационного комитета ненасильственных действий, приняло его как неофициальный гимн, сделав его достаточно известным, чтобы президент Джонсон процитировал его название в своем призыве 1965 года о принятии Закона об избирательных правах. Во всех этих случаях — а также на площади Тяньаньмэнь, Соуэто и многих других местах протеста, где это звучало, — «Мы победим» было скорее заявлением коллективной надежды, чем призывом к оружию. Это провозглашение веры.

Фризелл сказал мне, что с музыкальной точки зрения песня ему нравится из-за того, насколько глубоко он ее усвоил.«Например, когда вы идете и напеваете или насвистываете, почти не осознавая, что вы это делаете, — это то, чего вы хотите», — говорит он. «Вот что такое« Мы победим ». Это в нас, мелодия и слова. Когда я ее играю, песня похожа на тренажерный зал в джунглях, в котором можно поиграть. Песня есть, и ты можешь взлететь где угодно ».

В Балтиморе Фризелл и его товарищи по группе с радостной целью прошли «We Shall Overcome», Фризелл импровизировал, пока все трое вокалистов объединились.Тогда я не знал, но это будет мой последний концерт с билетами, прежде чем по всей стране потемнеют площадки. Последнее, что я испытал в полном клубе, — это Петра Хейден, высоко поднявшая руки и заставляющая всех нас, включая Фризелла, петь вместе для нашего избавления.

Если бы все пошло по плану , следующим шагом Фризелла было бы сосредоточиться на новой группе, на этот раз номинально джазовом трио, с басистом Томасом Морганом и барабанщиком Руди Ройстоном. Дела, конечно, пошли не так, как планировалось.Ежедневник Фризелла вскоре был заполнен отмененными концертами. «Это было довольно болезненно», — сказал он мне через Zoom, хотя его вездесущая улыбка никогда не менялась. Но дебютный альбом нового трио, в конце концов, вышел в августе 2020 года. Он завершается своей собственной версией «We Shall Overcome» — инструментальной, пасторальной по своему ощущению, соул-балладой в конце пластинки, которую мы скитали по кругу. окраина высокого одинокого кантри и просторного модерна.

Ройстон и Морган хорошо зарекомендовали себя в своей карьере, но они оба моложе Фризелла, и каждый пришел в открытый джазовый мир, который Фризелл помог создать.В начале 1980-х Фризелл начал использовать цифровые петли и другие эффекты в своих выступлениях и записи игры, и в итоге создал совершенно новую роль для электрогитары в джазовой обстановке: создавая атмосферу, полную искрящейся реверберации, отражающих гармоник, волнообразного шепота, который крадется. из-за пределов группы. Создавая эти звуковые фрагменты вокруг трио, с барабанщиком Полом Мотианом и саксофонистом Джо Ловано, он привнес в инструмент новый объем и задумчивость, полностью изменив его динамический диапазон.Его самая тихая игра походила на далекое радио; его самым громким был крик в стиле хэви-метал, который можно было бы аккуратно разместить рядом, например, с гитаристом Living Color Верноном Ридом в дуэте 1985 года «Smash & Scatteration».

Подход Фризелла к своему репертуару был столь же новаторским. Он знал свои стандарты, но с самого начала получил репутацию открытого для поп-музыки и всего остального — наиболее известной из них является его пластинка 1992 года «Have a Little Faith», в которой есть все, от оркестровки балета Аарона Копленда в небольшой группе до музыки к балету Аарона Копленда. зажигательная инструментальная версия песни Мадонны «Live to Tell.В его оригиналах была похожая авантюра: в 90-х он сочинял для скрипки и валторн (в «Квартете»), для музыкантов мятлика (в «Нэшвилле»), для музыки к фильмам и для саундтреков к инсталляциям.

Это великое достижение Фризелла: он делает звук гитары настолько уникальным, что он может сочетаться с чем угодно. Это стало полностью ясно на рубеже этого столетия, когда его записи перешли от импровизированного мятлика к «The Intercontinentals», в котором участвовала группа из греческих, малийских, американских и бразильских музыкантов, а затем к «Unspeakable», основанному на сэмплах. запись сделана с продюсером Хэлом Виллнером, другом с 1980 года.Виллнер также познакомил Фризелла с такими артистами, как Люсинда Уильямс, Элвис Костелло и Аллен Гинзберг, тремя из многих легенд, которые пригласили Фризелла в студию, чтобы добавить свою подпись к своим записям. Каждый год в этом столетии он появлялся или возглавлял новую пластинку, часто на нескольких записях, и все же даже самый одержимый фанат не мог догадаться, как может звучать следующая пластинка.

Фризелл в значительной степени заменил свой старый динамический диапазон на стилистический: в наши дни он играет не так громко, но он играет всем и со всеми.Он находится на молодой стороне статуса джазового старейшины-государственного деятеля, но за последние четыре десятилетия никто другой не принес импровизационный дух этой музыки во многие места.

И теперь, как и многие из нас, он просто дома. «Я не должен жаловаться», — сказал он мне из дома в Бруклине, который он делит со своей женой. «Я здоров, у меня есть гитара. Но вся моя жизнь была связана с музыкальным взаимодействием с кем-то другим ». В какой-то момент он поднял стопку блокнотов и блокнотов для посоха: «Что я буду с этим делать?» он спросил.«Обычно я пишу достаточно, собираю группу и записываю пластинку. Но это после недели или двух написания. Теперь у нас есть год или больше идей ».

Он сыграл несколько концертов на открытом воздухе во дворе дома со своими давними соавторами Кенни Воллесеном на барабанах и Тони Шерром на басу. Он играл аналогичные концерты с Морганом и Ройстоном. Он давал прямые трансляции концертов, в том числе недавнее шоу Тайшона Сори в Village Vanguard с Ловано. Фризелл тоже оплакивал: Хэл Уиллнер умер от Covid-19 в апреле, сразу после того, как они обсуждали свое следующее сотрудничество.И он тренировался — как если бы он вернулся в старшую школу, говорит он, работая над песнями из своих любимых пластинок в своей спальне. Часто это те же самые, что он практиковал в середине 1960-х, от Телониуса Монка до «Звездной пыли».

Но это степень недавней музыкальной связи для парня, который описывает игру на гитаре как свой любимый метод «речи» — парень, который приобрел гитару в 1965 году и с тех пор, как присоединился к своей первой гаражной группе, редко проводил день без игры с кто-нибудь еще.

Фризелл говорит, что не может вспомнить, когда он впервые услышал «Мы победим», но это было когда-то в школьные годы в Денвере. «Я вырос в то время, когда учился по музыкальной программе в государственных школах», — сказал он мне. «Я учусь в седьмом классе, и эта песня звучала примерно в то время. А мой учитель английского, мистер Ньюкомб, играет нам пластинки Боба Дилана, потому что он сказал, что это похоже на стихи. Это был 1963 год, 1964 год. По телевизору вы видите «Hootenanny» вместе с убийством Кеннеди. В январе 1964 года я увидел М.Л.К. говорить в нашей церкви. За пару недель до этого вышла «The Times They Are a-Changin». Затем, через пару недель после этого, «Битлз» были на шоу Эда Салливана. Это было в воздухе ».

Он сказал мне, что район, в котором он вырос, был очень «оставим это Бобру» и преимущественно белым. Это была Восточная средняя школа Денвера, и ее группа свела его с более широкой группой детей, включая будущих участников Earth, Wind & Fire Эндрю Вулфолка, Филипа Бейли и Ларри Данна. «Когда был убит Мартин Лютер Кинг, выступал наш школьный концертный ансамбль, и директор вошел и рассказал всем», — говорит Фризелл.»Это было ужасно. Я был в комнате для оркестра с Эндрю Вулфолком, с моим японско-американским другом, родители которого находились в лагерях для интернированных, и мы утешали друг друга ». Это дало ему ощущение, что музыка преодолевает личные различия и что дух товарищества, разделяемый сотрудниками, является моделью для других форм раздоров. «С того времени я несу с собой идею о том, что музыкальное сообщество опережает свое время, пытаясь разобраться в этом».

«Мы победим» вошла в его репертуар в 2017 году.Это не первый раз, когда он проходит этап размышлений над определенной мелодией, работая над ней в разных условиях: наверняка никто другой не записал столько версий «Шенандоа», и он сыграл «A Change Is Gonna Come» много во время президентства Джорджа Буша. Но по мере того, как мы проходили через последние четыре года, он вернулся к «Мы ​​победим», мелодии из его детства. «Я просто пытался сделать небольшое обнадеживающее заявление», — говорит он. Он не знал, что к тому времени, когда его трио выпустит песню для своего дебюта, это будет летом протестов Джорджа Флойда и смерти Джона Льюиса.Они напомнили ему, говорит он, что «We Shall Overcome» — «одна из тех песен, которые всегда актуальны. Эта песня как бы подводит итог. Каждый раз, когда я думаю о том, чтобы сдаться, встречаются такие люди, как Джон Льюис — мы обязаны им продолжать идти и пытаться ».

Фризелл появился как минимум на девяти альбомах в 2020 году, включая его трио «Valentine», записи Элвиса Костелло, Рона Майлза и Лауры Вейрс, дань уважения музыке Т. Рекса и поэзии Аллена Гинзберга и «Американа», совместная работа с швейцарский гармонист Грегуар Марэ и французский пианист Ромен Коллен.«Americana» наиболее близок к «типичному» альбому Фризелла, что означает, что он показывает не только его вялую многослойную игру, но и его душераздирающее чувство эмоциональной драмы. Темпы низкие, а в трек-лист входят узнаваемые поп-каверы, такие как «Wichita Lineman» и «Re: Stacks» Бон Айвера.

Альбом импровизационный, но уютнее и мелодичнее, чем большинство современных джазов. Это еще один режим, который впервые разработал Frisell. Если вы смотрите торжественные документальные фильмы о битвах в глубинке или знакомы с интерстициальной музыкой общественного радио, вы слышали его влияние.Молодые гитаристы из царства космической страны, такие как Уильям Тайлер и Стив Ганн, также имеют немного скромной манеры Фризелла. Он один из самых тихих гитарных героев в истории инструмента.

Его единственная уловка, как он это объясняет, — это «стараться оставаться на связи с этим чувством удивления и изумления. Вот где полезно иметь других людей. Даже еще один человек. Если я играю сам или пишу мелодию, это одно. Но если я отдам его кому-то другому, он будет играть медленнее, быстрее, и вдруг вы окажетесь в зоне ответственности.Это лучшее место, если ты не на грани того, что знаешь ».

Такое отношение принесло ему всю жизнь, проведенную на сценах и пластинках с артистами, которых он почитал и изучал в детстве, джазовыми исполнителями, такими как Рон Картер, Чарльз Ллойд и Джек ДеДжонетт. Но теперь, когда это путешествие приостановлено, впервые за 55 лет, похоже, что у Фризелла нет другого выбора, кроме как подвести итоги тому, чему он научился у этих художников и его отношениям с их наследием. «Это просто потрясающе, чем мы обязаны чернокожим», — сказал он в какой-то момент нашего разговора.«Наша культура, мы были бы ничем. Ничего не найдено . Но и лично тоже. Он снова вспомнил свои подростковые годы: «В Денвере меня всегда приветствовали. Не имело значения, что я был белым. Я помню великого тенора по имени Рон Вашингтон. Он был в большой группе, где вы просто читали графики, а я мог делать это и выдерживать концерт. Эти концерты устраивал агент, однажды он позвонил мне, и я появился, но это был не большой оркестр. Были только Рон, барабанщик и я. Я вообще не знал никаких мелодий.Он снова засмеялся, а затем описал что-то, напоминающее второй куплет «Мы победим», о том, как идти рука об руку: «Рон был таким крутым. Он просто сказал: «Давай сыграем блюз». Потом еще один. И другой. Он провел меня ».

Джон Линган является автором книги «Родина: южный город, деревенская легенда и последние дни горного Хонки-Тонка». Селина Перейра — бразильско-американский графический дизайнер и художник из Лос-Анджелеса.

16 рок, метал и панк каверов на поп-песни, которые действительно правят — Kerrang!

Даже если миры рока, металла и хардкора редко пересекаются с поп-экосистемой, мы очень многим обязаны хитам Top 40, если задуматься. На кого еще мы могли бы возмутиться в чартах, если бы не поп-исполнители? И где еще мы могли бы черпать сладкие поп-песни, чтобы переосмыслить их по-своему, кричащими способами?

Ознакомьтесь с нижеприведенным множеством обложек, от переосмысленных до полностью реконструированных.И не забывай подпевать…

Fall Out Boy — Beat It (Майкл Джексон)

Выпущенные вместе с концертным альбомом / DVD **** Live In Phoenix, Fall Out Boy добавили панк-чутье к одному из главных хитов MJ. В видео есть несколько интересных эпизодов, а также множество ветряных машин. И нет, мы не можем объяснить, почему там Джон Майер.

A Day To Remember — Since U Been Gone (Келли Кларксон)

Это музыкальное видео должно быть показано в alt.уроки истории рока. От стрижек до футболок — это идеальная капсула времени и мастер-класс «Как это сделать». Поп-хит A Day To Remember полностью переделал оригинал г-жи Кларксон, добавив множество криков и срывов к тому, что уже было гимном гнева.

Я побеждаю — пустое пространство (Тейлор Свифт)

В то время как I Prevail сделали гораздо большие шаги в своей карьере, все началось с этой обложки, написанной самой поп-принцессой.Сейчас у него почти 60 миллионов просмотров на YouTube, изначально он был запущен как часть Punk Goes Pop Vol. 6, но с тех пор сумел перерасти в более широкое сознание сцены. Раннее доказательство того, что у I Prevail была родословная, чтобы добиться успеха.

New Found Glory — Kiss Me (Sixpence None The Richer)

Есть очень хороший кавер на песню … и еще есть кавер на песню настолько хорошо, что люди принимают его за оригинал. Маэстро поп-панка New Found Glory десятилетиями вносили свой вклад в песни из фильмов (From The Screen To Your Stereo, тома с 1 по 3), но этот трек из She’s All That превратился не только в их самую большую кавер-версию, но и одна из их самых больших песен.

Limp Bizkit — Вера (Джордж Майкл)

Limp Bizkit всегда были известны своим непристойным, возмутительным и насмешливым поведением. Здесь они показывают все это на обложке позднего альбома Wham! звездная классика. Кроме того, в видео представлены LB и все их гастрольные выходки, идеально запечатленные в период их расцвета 90-х годов.

Far — Пони (Ginuwine)

Из первого аккорда вы знаете, что эта версия Pony совсем не похожа на плавный оригинал R&B, но она сохраняет всю сексуальную привлекательность, а затем и некоторую.Полный синтезаторов и ироничного использования автонастройки, Фар взял оригинальную мелодию Ginuwine о дикой ночи и добавил ровно нужное количество рок-грува. Однако их навыки вращения тела еще предстоит доказать.

Linkin Park — Rollin ’In The Deep (Адель)

Не уверен, заметили ли вы, но Адель очень популярна во всем мире. Таким образом, имеет смысл, что группа, написавшая ее прорывной хит, сама стала бы культовой. Linkin Park остаются верными оригиналу в ошеломляющей манере: высокий вокал Честера Беннингтона идеально сочетается с простым аккомпанементом клавишных.

Korn — Word Up (камео)

Объедините ню-метал Korn и соул-фанк Cameo 80-х, и вы получите классическую альтернативную кавер-версию. Он удивительно близок к рамкам оригинала, с несколькими более мощными гитарами и более современным производством. Мы все еще надеемся, что когда-нибудь Корн воссоздаст убийственные танцевальные движения Камеи.

Alien Ant Farm — Smooth Criminal (Майкл Джексон)

С самого начала Alien Ant Farm никогда не была группой, которая делала бы что-то обычным способом.В конце концов, их дебютный альбом назывался Greatest Hits. Посмотрите музыкальное видео для этого, чтобы увидеть некоторые веселые моменты начала нулевых, в том числе очень талантливого девятилетнего ребенка, хорошо воспитанного шимпанзе и взрыв машины. Непонятно, почему именно.

Ниже Атлантиды — Тысяча миль (Ванесса Карлтон)

Возможно, в прошлом году мы попрощались с Lower Than Atlantis, но у нас всегда будет потрясающий взгляд на балладу Ванессы Карлтон, исполненной на фортепиано. LTA дает ему полный рок, в комплекте с вокалом Майка Дуче и гудящими гитарами.Однако они не посмели возиться с этой узнаваемой фортепианной линией.

Sleeping With Sirens — Ирис (куклы Goo Goo)

Келлин Куинн долгое время была поклонницей Goo Goo Dolls, поэтому неудивительно, что их самый большой хит в конце концов попадет на концерт Sleeping With Sirens. Его урезанное фортепьяно и акустическая гитара позволяют его вокалу сиять и делают его постоянным выступлением на концертах группы.

Обрамление Хэнли — леденец (Лил Уэйн)

11 лет назад было непросто стать вирусным.Но Фрейминг Хэнли справился с этим, и с видео с двухминутным вступлением, не меньше! Среди знойных игр в покер на раздевание и сцены бильярдного видео, это действительно отличный вариант оригинала Лил Уэйна.

Paramore — Маракуйя (Дрейк)

У нас есть Live Lounge Radio 1, которому мы должны благодарить по многим причинам. На этот раз это был шанс услышать, как пауэр-поп-тяжеловесы Paramore пробуют свои силы в хит-параде Дрейка. Выступление Хейли Уильямс сияет повсюду, привнося свое неповторимое чувство волшебства в студии Beeb.

Наша последняя ночь — Темная лошадка (Кэти Перри)

Вполне естественно, что группа, которая гордится своей специализацией на кавер-версии, попала именно в этот список. Наш Last Night уже много лет заново изобретает поп-классику, и эта тяжелая адаптация «Темной лошади» Кэти Перри — одна из лучших их лучших.

The Amity Affliction — Can’t Feel My Face (The Weeknd)

Вы не знали, что вам нужно слышать крик на танцевальной дорожке, пока не услышали это.Показанный на Punk Goes Pop Vol. 7, The Amity Affliction поместили свой пост-хардкор в мега-хит The Weeknd 2015 года, позже сняв видео, в котором рассказывается история любви зомби посреди апокалипсиса. Эй, а почему бы и нет?

Мы пришли как римляне — Рад, что ты пришел (Разыскивается)

We Came As Romans В этой болезненно-сладкой песне The Wanted используются оригинальные электро-биты, добавлены трескучие гитары и крики на бэк-вокале. Большой? Умный? Возможно, нет, но это, безусловно, победитель.

Отправлено 1 июля 2021 года в 15:39.

Подробнее

5 этапов процесса производства музыки

В этом руководстве рассматриваются пять этапов создания музыки. Изучение того, как ими управлять, поможет вам ориентироваться в процессе создания музыки и ускорить рабочий процесс.

5 этапов музыкального производства

У каждого музыкального продюсера будет свой собственный процесс производства музыки. Практикуясь в своем ремесле, вы разовьете свой собственный процесс создания музыки.Однако вы найдете похожие процессы или этапы, которые проходят музыкальные продюсеры, чтобы закончить треки.

Создание музыки требует творческих и технических подходов. И каждый требует разного мышления. Со временем вы научитесь переключаться между творческим и техническим мышлением в процессе создания музыки. Возможность расставить приоритеты между двумя типами мышления поможет вам работать более эффективно, не теряя при этом темп.

В этом руководстве рассматриваются основные этапы процесса создания музыки.Он дает вам обзор задач, связанных с созданием музыки. Изучение того, как ими управлять, поможет вам ориентироваться на этапах производства и ускорить рабочий процесс.

Вот пять этапов процесса создания музыки.

1. Состав

Композиционная стадия — это процесс генерации музыкальных идей. Процесс композиции включает в себя создание мелодических, гармонических и ритмических идей. Выбор, сделанный на этом этапе, определяет жанр, атмосферу и стиль песни.

Создание ваших основных мелодических, гармонических и ритмических идей с самого начала имеет решающее значение.Как только вы определите основные музыкальные идеи, песни обретут форму вокруг них. Также становится трудно изменить основные идеи песни, не затрагивая впоследствии другие элементы.

Основные идеи, на которых следует сосредоточиться на этапе композиции:

• Выберите тональность, темп и размер песни.
• Выберите основные инструменты и пресеты звука для использования в качестве заполнителей перед этапом звукового дизайна. Сосредоточение внимания на звуковом дизайне или прокрутка банков пресетов на этом этапе замедляет рабочий процесс.
• Создание основной последовательности аккордов, мелодии, контрмелодии, баса и мотивов.
• Создайте базовый бит, поддерживающий ваши мелодические и гармонические идеи.
• Выберите или создайте гармонические слои, которые дополняют и поддерживают друг друга.
• Создавайте вариации своей аккордовой последовательности, басовой линии, мелодии и мотивов для дальнейшего использования при необходимости.
• Разработайте идеи для вступления, куплета, бриджа, припева, разбивки и концовки.
• Запишите или найдите запись вокала, которая соответствует вашим основным музыкальным идеям, если вы планируете использовать вокал.

Этап композиции — это эксперименты с идеями для развития основных элементов вашей песни. Постарайтесь не увязнуть в технических аспектах, таких как звуковой дизайн и сведение. Цель состоит в том, чтобы работать быстро и создавать фундаментальные элементы, которые работают вместе в музыкальном плане.

2. Расположение

Музыкальная аранжировка — это искусство брать ваши музыкальные идеи и выкладывать их на временной шкале для создания финального музыкального произведения. При работе в Ableton Live вид аранжировки предоставляет пространство для аранжировки, редактирования и завершения песен.

На этапе аранжировки вы собираете структуру песни. Вы разработаете вступление, куплеты, бридж, припевы, разбивки и концовку. Это также включает добавление и вычитание различных инструментов на протяжении всей песни для создания или уменьшения напряжения.

Кроме того, хорошо аранжированная песня должна привлекать внимание слушателей, удерживать их внимание и вызывать эмоции. Это также должно создавать ощущение потока и импульса. Наконец, аранжировка должна понравиться как слушателям, так и ди-джеям.Песня, которую сложно свести, может снизить ее привлекательность и влияние.

Проверьте свою музыкальную аранжировку:

• Структура песни : Убедитесь, что ваш микс имеет четко определенные разделы, такие как вступление, куплеты, припевы, бриджи, брейки и завершение.
• Занятые секции : Есть ли в миксе участки, которые звучат слишком загруженно? Проверьте области, где звуки сталкиваются или маскируют друг друга.
• Пустое пространство : Есть ли в миксе области с тишиной или пустым пространством? Неиспользуемое пространство может казаться менее интересным и унылым.
• Переходы и заливки : Хорошо ли перемешивается переход от одного раздела к другому? Убедитесь, что переходы плавные и эффективные. Также проверьте, слишком ли много или мало энергии и напряжения во время наращивания. Наконец, убедитесь, что переходы не выглядят неудобно при добавлении или удалении элементов.
• Вариант : Есть ли изменения каждые 8 ​​или 16 тактов? Убедитесь, что песня прогрессирует и не звучит статично или скучно.
• Механизм : Звучат ли какие-либо части повторяющиеся и застойные? Вы можете добавить движение к элементам с помощью автоматизации, автоматического панорамирования или модуляции, чтобы сделать их более интересными.
• Гармоническая структура : Все ли элементы хорошо звучат вместе? Столкнулись ли какие-нибудь элементы? Убедитесь, что сочетание частей приятно звучит, имеет собственное пространство и имеет смысл при совместной игре.
• Динамика : Есть ли в миксе громкие и мягкие части? Смесь различается по энергии и интенсивности? Есть ли напряжение и расслабление? Эти области играют решающую роль в пробуждении эмоций, энергии и движения.
• Связность : Звучит ли весь микс законченным и связным? Убедитесь, что все разделы имеют смысл и плавность.
• Продолжительность : смесь слишком длинная или короткая? Проверьте, нет ли участков, которые можно обрезать или укорачивать. Длинные, повторяющиеся фрагменты потеряют внимание слушателя.

Не забывайте, что все должно быть просто. Слишком много всего, что происходит одновременно, может показаться неприятным и сбивающим с толку. Кроме того, загроможденная смесь заставляет элементы конкурировать за пространство. Наконец, достижение определенной аранжировки упростит этап микширования.

3. Звуковой дизайн и производство

Искусство звукового дизайна — краеугольный камень производства электронной музыки.Этап звукового дизайна включает синтез, семплирование и обработку звука с использованием эффектов и методов производства.

Процесс звукового дизайна

В процессе звукового дизайна вы будете создавать оригинальные звуки с помощью различных инструментов, выбирать и редактировать пресеты синтезатора, выбирать сэмплы, манипулировать сэмплами, накладывать звуки, использовать комбинацию эффектов и техник редактирования и многое другое.

Обычно легче работать над звуковым дизайном после аранжировки всех частей.Расположение частей в первую очередь поможет вам услышать все в контексте. Также легче выбирать звук, когда все части играют вместе.

Работа над звуковым дизайном после аранжировки также снижает вероятность замены звуков, которые больше не работают в миксе. Ваш выбор звука может не звучать хорошо после аранжировки, если вы работаете над звуковым дизайном на ранних этапах процесса создания музыки.

Более того, звуковой дизайн — это область, которая может затруднить рабочий процесс музыкальных продюсеров.Процесс звукового дизайна также может занять часы, дни и даже недели. По этой причине многие музыкальные продюсеры работают над звуковым дизайном в отдельных сессиях. Некоторые находят это более приятным без ограничений аранжированной песни.

Производственный процесс

Производственный процесс является заключительным этапом перед тем, как сосредоточиться на смешивании. Он может состоять из различных техник, например:

• Заполнение аранжировки звуковыми эффектами, эффектами перехода, заливками и другими сладостями.
• Творческое редактирование образцов . Например, реверсирование звука, растягивание звука, измельчение сэмплов, продвижение звуков, применение творческих эффектов и многое другое.
• Творческое использование звуковых эффектов , таких как фильтрация, задержка, реверберация, хорус, насыщенность и т. Д.
• Применение автоматизации и модуляции для управления инструментами и звуковыми эффектами.
• Устранение проблем , которые могут вызвать проблемы на этапе микширования. Например, добавление фейдов к аудиоклипам для удаления щелчков или тресков, регулировка тайминга или квантования треков и все остальное проблематичное.
• Принятие окончательных творческих решений и подготовка к этапу сведения. Например, удаление ненужных треков, окончательная настройка аранжировки, перенос треков MIDI в аудио, создание основы для микширования и т. Д.

Дизайн и производство звука — это заключительный этап перед микшированием. Прежде чем переходить к этапу микширования, убедитесь, что все звучит хорошо. Будет неприятно, если вам придется прекратить микширование, чтобы исправить что-то пропущенное на предыдущих этапах.

4.Смешивание

Микширование звука — это процесс объединения нескольких слоев звука для создания одной финальной дорожки. Процесс сведения гарантирует, что все части песни хорошо звучат вместе.

Микширование включает в себя балансировку уровней, панорамирование звуков, выравнивание, сжатие, усиление гармоник, устранение проблем и добавление различных эффектов. Сведение также включает автоматизацию, творческое редактирование звуков и предоставление инструментам собственного пространства в миксе. Цель состоит в том, чтобы создать сбалансированную и единую композицию, готовую к мастерингу.

Более того, на этапе микширования вы снимаете свою творческую шляпу и надеваете свою техническую шляпу. Умение смешивать — это искусство, требующее практики и знаний. Существует множество техник и инструментов смешивания. Важно знать, какие инструменты использовать и почему вы их используете!

Прочтите: 10 смешанных ошибок, которые легко исправить. Узнайте, как определить эти ошибки смешивания и как их исправить.

Создание трехмерного микса

Профессиональные миксы также создают иллюзию трех измерений: ширины, глубины и высоты.Размещение звуков в их собственном пространстве также придает вашему миксу больший объем восприятия, ясность и полноту. Например:

Ширина относится к стерео полю и панорамированию звуков в миксе. Панорамирование элементов влево и вправо в миксе создает ширину стерео.

Глубина относится к переднему и заднему расположению звуков в миксе. Например, элементы, которые громче, ярче или сухо звучат в миксе. И наоборот, более тихие, глухие звуки или обработанные с помощью временных эффектов, таких как реверберация, находятся дальше в миксе.

Высота относится к высоким и низким частотам в миксе. Наши уши воспринимают более высокие тона как исходящие сверху, а более низкие — как исходящие снизу. Думайте о высокочастотном контенте как о «верхнем», а о низкочастотном как о «низком». Он также представляет собой тональный баланс всего микса.

Можно перемешать на предыдущих этапах. Однако окончательное сведение должно быть произведено до мастеринга. Это ваш последний шанс решить любые проблемы и добиться, чтобы все звучало отлично.

Прочтите: 5 способов увеличить воспринимаемую громкость. В этом руководстве описаны пять методов, которые используют музыканты для увеличения воспринимаемой громкости звука и достижения более сбалансированного микса.

5. Освоение

Аудио мастеринг — последний этап в процессе создания музыки. Это процесс постпродакшна, когда аудиомикс или альбом готовятся к распространению.

Стадия мастеринга включает в себя серию тонких звуковых процессов, включая эквализацию, сжатие, насыщенность, улучшение стерео и ограничение.Цель мастеринга — сбалансировать стереомикс, сделать звучание всех элементов связным и достичь коммерческой громкости. Он также обеспечивает оптимизацию воспроизведения для всех акустических систем и мультимедийных форматов.

Прочтите: Контрольный список завершения песни: 10 способов завершить микс. Это руководство поможет вам определить и исправить проблемы с вашим миксом.

---

Получите доступ к лучшему в отрасли музыкальному образованию

Овладейте искусством создания музыки и с уверенностью начните свою музыкальную карьеру.

Станьте частью Коллектива. Готовы ли вы начать свое музыкальное путешествие?

История музыки 1920-х, включая стили, группы и исполнителей двадцатых

Популярная музыка 1920-х годов распространялась через ноты, пианино и концерты

До создания индустрии звукозаписи популярная музыка распространялась посредством нот, пианино и живых выступлений. Второй влиятельной технологией, которая помогла создать современную музыкальную индустрию, было коммерческое радио.Первое радио было создано Гульельмо Маркони в 1894 году, а к 1910-м годам первые коммерческие общественные радиостанции начали вещание в Соединенных Штатах. Многие из первых радиостанций принадлежали газетам, производителям радиостанций и универмагам и не использовали рекламу и спонсорство, знакомые сегодняшней аудитории. Когда радио стало широко распространенным и популярным, мир радио и записанной музыки начал сливаться. Прибыль музыкальной индустрии упала с распространением коммерческого радио в двадцатые годы.Начиная с 1923 года Американское общество композиторов, авторов и издателей (ASCAP) требовало лицензионных сборов для воспроизведения своей музыки по радио. Окончательное влияние на музыкальную индустрию пришло ближе к концу десятилетия, когда немое кино превратилось в «звуковое кино», включающее записанные звуки и создавшее совершенно новую площадку для распространения популярной музыки. Киноверсии бродвейских мюзиклов стали чрезвычайно популярными и представили публике по всему миру разные музыкальные жанры. То, что мы все знаем как современная музыкальная индустрия, началось в 1920-х годах со всех этих новых технологий, которые были созданы и использованы для создания и распространения музыки.Музыкальный мир был широко открыт, уступая место популяризации таких жанров, как джаз, блюз, бродвей и танцевальные группы.

Стили музыки, популярные в 20-е годы

Популярные танцевальные коллективы

Пол Уайтман, Нат Шилкрет, Бен Берни, Бен Селвин, Ишем Джонс, Флетчер Хендерсон, Лео Райзман, Тед Льюис, Руди Валле, Винсент Лопес

Популярные джазовые музыканты

Луи Армстронг, Дюк Эллингтон, Джелли Ролл Мортон, Red Hot Poppers, Бикс Байдербеке, Бенни Гудман, Фэтс Уоллер, Мэрион Харрис, Аделаида Холл, Граф Бэйси, Король Оливер

Популярные блюз-музыканты

Мэми Смит, Ма Рейни, Бесси Смит, Лонни Джонсон, Слепой Лимон Джефферсон, Джимми Роджерс, Виктория Спайви, Сара Мартин

Популярные звезды Бродвея

Эдди Кантор, Софи Такер, Фанни Брайс, Хелен Морган, Этель Уотерс, Флоренс Миллс, Мэрилин Миллер, Эл Джолсон

75 песен для хорошего настроения о переезде и уходе из дома

От часов, потраченных на упаковку коробок, до дней, проведенных в Дорога, переезд в новый дом — зачастую долгий и утомительный процесс.К счастью, правильная мелодия может ускорить время. Воспроизведение песен об уходе (особенно оптимистичных) также придаст вам немного бодрости на протяжении всего процесса движения. При составлении плейлиста на день переезда мы рекомендуем добавить эти приятные песни о том, чтобы уходить в очередь. Удачи и счастливого переезда!

Песни об уходе из дома и прощании

• «Уже ушли» Келли Кларксон
• «Начни снова» Тейлор Свифт
• «Отрыв» Келли Кларксон
• «Изменения» Дэвида Боуи
• «Закрытие» Time »Semisonic
• « Come Home »от OneRepublic
• « East Bound and Down »от Jerry Reed
• « Float On »от Modest Mouse
• « Get Home »от Bastille
• « Go Your Own Way »от Fleetwood Mac
• «Собираюсь двигаться» Пол Пена
• «Удачный танец (Время твоей жизни)» от Green Day
• «Прощай, город» от леди Антебеллум
• «Gotta Travel On» Билли Грэммера
• «В путь, Джек» »Рэй Чарльз
• « Дом »Дотри
• « Дом »Эдварда Шарпа и магнитные нули
• « Дом »Джек Джонсон
• « Дом »Майкл Бубл
• « Дом »Филиппа Филлипса
• « Тоска по дому »Дуа Липа
• « Hom eward Bound »Саймона и Гарфанкеля
• « Я всегда буду помнить тебя »Ханна Монтана
• « Я уезжаю »Элвиса Пресли
• « Я уезжаю »Мошенника Флэттса
• « Уходя в путь » Реактивный самолет »Джона Денвера
• « Двигайся »от All American Rejects
• « Двигайся дальше »Хэнка Уильямса
• « Двигайся вверх »Кертиса Мэйфилда
• « Двигайся вверх »от Ja’Net DuBois
• «Выйти» Билли Джоэла
• «Движение» по Supergrass
• «Двигаемся дальше» от «Плохой компании»
• «Двигаемся и перебираемся» Джона Майера
• «Снова в пути» Уилли Нельсон
• «Отправьте меня в путь» от Ржавого корня
• «Стоит мне остаться или уйти» от The Clash
• «Куда-то, что только мы знаем» от Кина
• «Отвези меня домой» от Джесс Глинн
• «Слишком Хорошо прощается », Сэм Смит
• « Куда бы ты ни пошел », The Calling
• « Где я вырос »Кенни Чесни 9002 3
• «Кто говорит, что ты не можешь пойти домой», Бон Джови
• «Куда ты идешь», Дэйв Мэтьюз

Песни о переезде в определенное место

• «Бостон» Августаны
• «Калифорния» »От Phantom Planet
• « California Girls »от Кэти Перри
• « Empire State of Mind »от Jay Z и Alicia Keys
• « Georgia On My Mind »от Ray Charles
• « Going to California »от Led Zeppelin
• «Унесенная страна» Аланом Джексоном
• «Лондонский вызов» от The Clash
• «Полуночный поезд» в Джорджию от Глэдис Найт
• «Нью-Йорк, Нью-Йорк» от Фрэнка Синатры
• «Нью-Йоркское состояние ума» Билли Джоэл
• «Сан-Франциско» Маугли
• «Песня Юга» Алабамы
• «Милый дом Алабама» Линьрд Скайнирд
• «Милый дом Чикаго» Роберта Джонсона
• «Отведи меня домой» Джона Денвера
• «Прогулка по Мемфису» Марка Кона 9 0023

Бодрящие песни для упаковки и транспортировки

• Bulletproof от La Roux
• «Don’t Stop Believin» от Journey
• «Get Lucky» от Daft Punk
• «Happy» от Фаррел Уильямс
• «Hard Day’s Night» от The Beatles
• «I Love It» от Icona Pop
• «Незаменимый» от Бейонсе
• «Life Is a Highway» от Rascal Flatts
• «Открытки» от Джеймса Бланта
• «Roll to Me» »Дель Амитри
• « Время нашей жизни »Питбуля, Ne-Yo
• « Разбуди меня, прежде чем ты пойдешь »от Wham!
• «Прогулка по мечте» от Empire of the Sun
• «Прогулка по солнечному свету» от Katrina and The Waves

Нет времени создать свой собственный плейлист для движущегося дня?

К счастью, вы можете найти готовые плейлисты на Spotify.Все, что вам нужно сделать, это ввести «День переезда» (или что-нибудь еще, связанное с переездом) в поисковой системе, прокрутить вниз до места, где написано «плейлисты», и нажать «посмотреть все». Вы быстро найдете множество подвижных тематических плейлистов, созданных пользователями Spotify. Ознакомьтесь с нашим другим полезным списком еще большего количества песен об уходе из дома, включая дневные мелодии, подходящие для любого типа движения, включая переезд по пересеченной местности, переезд после разрыва, возвращение в родной город и многое другое.

Нужны другие предложения, чтобы скоротать время во время движения?

Если вы заняты упаковкой коробок или едете на большие расстояния, есть множество способов развлечься на протяжении всего переезда.В дополнение к прослушиванию хорошей музыки, вот 5 способов ускорить время во время движения.

• Пригласите друзей на помощь — Собирать вещи дома в одиночестве — неинтересно. Чтобы время прошло быстрее, пригласите на помощь друзей или семью. Даже если они предпочитают сидеть на диване и гулять, все равно будет хорошо в компании.
• Попросите друга присоединиться к вам в поездке — Переезжаете на большие расстояния? Если вы планируете поездку в новый дом, пригласите друга присоединиться.Если во время поездки будет с кем поговорить, это ускорит процесс. У вас также будет дополнительная рука, которая поможет вам устроиться в новом доме.
• Слушайте аудиокнигу — Прослушивание аудиокниги дома и в машине должно заставить вас пролететь незаметно. Чтобы получить большой выбор книг, подпишитесь на Audible. Члены Amazon Prime даже имеют доступ к постоянно меняющейся группе книг Audible без дополнительной платы.
• Слушайте подкасты — Бесконечные списки тем подкастов, от новостей и практических рекомендаций до здоровья и благополучия, должны отвлекать вас от всех волнующих разговоров.Это не только ускорит процесс упаковки и переезда, но и поможет вам узнать что-то новое.
• Позвонить друзьям или семье — Конечно, когда ничего не помогает, вы всегда можете позвонить другу или члену семьи во время переезда. Общение с близкими по громкой связи во время упаковки вещей или за рулем обязательно ускорит время.

Готовы к заселению?

Движущиеся детали оставьте нам. Чтобы найти уважаемую и надежную компанию по перевозке грузов в вашем районе, загляните в раздел «Переезд».com имеет обширную сеть грузчиков. Все наши грузчики имеют лицензии и застрахованы, поэтому вы можете быть уверены, что ваш переезд будет в надежных руках. Чтобы получить дополнительную помощь в организации деталей, позвольте нам предоставить вам лучшие инструменты для организации вашего переезда, когда вы начнете эту следующую главу. Попробуйте наш Планировщик переездов, который предоставляет настраиваемый контрольный список перемещения, списки личных задач, напоминания по электронной почте и купоны, которые помогут вам оставаться организованными во время переезда.

Песен о взрослении — 50 лучших треков о взрослении

Если песни о взрослении и чему-то нас научат, так это тому, что юность никогда не заканчивается.Музыканты любят эту тему, часто возвращаясь к ней несколько раз — вспоминая детство, размышляя о подростковом возрасте или просто о процессе взросления. В отношении процесса старения в музыке есть масса остроумия и мудрости — вот 50 песен о взрослении, которые помогут вам пройти через порой болезненный процесс …

1. «1979» — Smashing Pumpkins

Ключевые слова: « Июньский жук скачет, как камень / Когда фары направлены на рассвет / Мы были уверены, что всему этому не конец. »
Что он заключает в себе: вы почувствуете свою юность.

Объявление

2. «Западное побережье» — Фидлар

Ключевые слова: « Все мои друзья остаются прежними / Я расту, но ничего не меняется / Мне так надоело это дурацкое место / Это такое пригородное и такое скучное »
Что в нем заключено: Этот беспокойный подростковый зуд из пригорода.

3. «Черт возьми» — Blink-182

Ключевые слова: « Все ушли / И я был здесь слишком долго / Самостоятельно столкнуться с этим / Что ж, я думаю, это растет» »
Что в нем заключено: немного пипец.

4. «Время» — Pink Floyd

Ключевые слова: « O В тот день, когда вы обнаружите, что десять лет отстали от вас / Никто не сказал вам, когда бежать, вы пропустили стартовый пистолет »
Что он заключает в себе: Понимая, что время движется быстрее, когда вы старше.

Объявление

5. «Проблемы роста» — Ludacris

Ключевые слова: « Хочу тусоваться с большими мальчиками и играть с большими игрушками / И быть с людьми, производящими весь этот проклятый шум. проиграю в процессе.

6. «Взрослый» — Дэнни Браун

Ключевые слова: « Помните, тогда мы думали, что мы выросли. В детстве мы спешили, чтобы вырасти. d.

7. «In My Life» — The Beatles

Ключевые слова: « Я знаю, что никогда не потеряю привязанность / Для людей и вещей, которые были раньше / Я знаю, что я часто останавливаюсь и думаю о них »
Что он включает в себя: Люди, с которыми вы общаетесь знать, когда вы становитесь старше.

8. «Мы собираемся стать друзьями» — Белые полосы

Ключевые слова: « Когда я проснусь завтра, я готов поспорить / что мы с тобой снова будем вместе гулять / Я могу сказать, что мы будем друзьями »
Что в нем заключено: Те друзья, у которых ты держишься целиком жизнь — и те, о которых вы только думаете.

9. «Айви» — Фрэнк Оушен

Ключевые слова: « Ты больше не ребенок / Мы больше никогда не будем такими детьми» »
Что в нем заключено: Воспоминания, чувак.Воспоминания.
Фрэнк больше не выкладывает свои материалы на YouTube, поэтому, пожалуйста, наслаждайтесь этой кавер-версией Алессии Кара:

https://www.

No related posts.