Разное

Картины в классическом стиле: как повесить на стену, интерьер зала с модульными изображениями в современном и классическом стиле

Содержание

Картины и постеры для классического стиля интерьера

Интерьер в стиле классика предполагает декорирование стен картинами. Это приносит в дом некую самобытность, позволяет придать жилью индивидуальность и шарм. Также правильное оформление много говорит об изысканном вкусе хозяина дома.

Поэтому подход к декору стен в классическом интерьере должен быть максимально ответственным. Заниматься украшением следует в последнюю очередь, когда основная работа по созданию интерьера уже проведена. Для начала вам необходимо выбрать сюжетную линию, которая будет прослеживаться к картинах.

Самые распространенные варианты портреты людей и природа. Это, так сказать, классика жанра, со временем не теряющая свою актуальность. Вы можете остановить свой выбор на городских зарисовках или морской тематике, или выбрать портреты своих близких и родственников.

Портреты, написанные художником, станут поистине изюминкой вашего дома. При выборе красок следите, чтобы они гармонировали с общей цветовой палитрой помещения. Все большей популярностью пользуются картины с точным изображением цветов, растений, животных, бабочек и птиц.

Такие изображения как бы символизируют возвращение к истокам, к природе, что соответствует задачам классического стиля, и чего так не хватает в современном мире. Эти темы отлично подойдут для оформления рабочих кабинетов и библиотек. Также органично вписывается в классический стиль строгая графика.

Картины с изображением отдельных деталей архитектуры будут хорошо смотреться и в гостиной, и в кабинете. Несколько неожиданным, но приятным решением будет разместить на стенах картины абстракционистов. Эти два стиля не только отлично сочетаются друг с другом, но и помогают дополнительно расставить акценты.

Следующим моментом, который не стоит упускать, будет оформление картин. Тщательно подбирайте рамки. Для классического стиля отлично подойдут как строгие тонкие рамки, так и богатые объемные рамы со множеством элементов. Не стоит забывать, что для акварели, так же, как и для графики, требуется паспарту. Последний шаг будет следующим: размещение картин на стене.

Сделать это можно несколькими способами, учитывая их размеры и формат изображений. Коллекция картин в одной тематике хорошо будет смотреться, если развесить их ровно в несколько рядов. При этом рамки также должны быть идентичны. Такой вариант очень подходит для классического стиля. Можно немного разбить строгость, присущую классике, разместив картины разных размеров в художественном беспорядке на одной поверхности.

Это придаст образу вашей комнаты свежесть и оригинальность.

Картины в современном дизайне интерьера офисного кабинета руководителя

  1. Главная страница
  2. Статьи
  3. Выбор стиля интерьера для кабинета руководителя

Никто не будет спорить, что важной частью имиджа любого руководителя является его кабинет. Поэтому очень важно правильно подобрать оформление интерьера, чтобы подчеркнуть сильные стороны компании и личности руководителя, а также создать максимально продуктивную рабочую обстановку в кабинете. Выбор стиля оформления во многом зависит от вида деятельности компании, ее корпоративных ценностей и долгосрочных целей. Однако предпочтения самого хозяина кабинета тоже играют немаловажную роль. Как же выбрать идеально подходящий стиль интерьера? Рассмотрим все возможные варианты.

Оформляем кабинет руководителя в классическом стиле

Сегодня, как и сто лет назад очень популярно оформлять кабинеты руководителей в классическом стиле, который является олицетворением стабильности, процветания и приверженности традициям. Именно в таком кабинете у партнеров и клиентов не возникает никаких сомнений в надежности компании, ее финансовых возможностях и устойчивости на рынке. Поэтому совершенно неудивительно, что кабинеты руководителей международных финансовых компаний, банков, инвестиционных организаций оформлены именно в классическом стиле.

Особенности кабинета в стиле классики:

  • При обустройстве такого кабинета широко используется натуральное дерево или материалы, имитирующие его.
  • Шикарно смотрится пол из доски или дорогого паркета с оригинальным рисунком.
  • Вся мебель выполнена в спокойных тонах, имеет строгую лаконичную форму без излишеств.
  • Мягкая мебель почти всегда обита кожей или же дорогим текстилем.
  • В качестве освещения используют потолочные люстры и светильники в рабочей зоне.
  • Особое внимание уделяется декоративным элементам, которые могут быть выполнены из стекла, фарфора, металла.
  • Интерьер украшается оригиналами картин, которые размещаются на свободных стенах и создают особую атмосферу дорогого, статусного помещения.

Кабинет в английском стиле

Самым консервативным является английский стиль, который отличается сдержанностью и элегантностью. В таком кабинете царит атмосфера строгости и выдержанной роскоши, вся мебель выполнена из качественных материалов и сразу видно, что она дорогая.

В английском стиле оформляют кабинеты в домашних условиях, когда помещение позволяет организовать рабочую комнату, а также в компаниях, где особенно высоко ценится консерватизм и стабильность. Часто такие кабинеты предпочитают юридические контуры с соответствующей клиентурой.

Особенности кабинета руководителя в английском стиле:

  • Стены декорируются тканями или дорогими обоями с вертикальными полосками, оригинальными узорами и позолотой.
  • В качестве напольного покрытия выбирают паркетную доску или мрамор, а для большего уюта укладывают роскошный ковер.
  • Присутствие камина в кабинете отлично дополняет общую картину и создает атмосферу максимального комфорта и тепла.
  • Обязательной является зона библиотеки с симметричными стеллажами.
  • Стены украшают картинами импрессионистов, изображениями на классические темы.

Не стоит забывать, что кабинет в английском стиле – это прежде всего традиции и элегантность, высокое качество во всем, даже самых мелких деталях. Поэтому такой стиль подойдет истинным эстетам.

Оформляем кабинет в стиле хай тек

Кабинет в стилехай тек идеально подходит для руководителей молодых развивающихся компаний, которые занимаются инновационными технологиями, электроникой. Основными правилами оформления кабинета в таком стиле является максимальная функциональность и практичность в сочетании с современными материалами.

Особенности интерьера в стиле хай тек:

  • При обустройстве кабинета в стиле хай тек используют хромированный металл, стекло, искусственный камень, пластик.
  • Мебель, выполненная в данном стиле, отличается причудливыми формами, оригинальным дизайном. Она должна быть удобной и привлекать внимание блеском и вычурными изгибами.
  • В качестве декора здесь в основном используют ультрасовременные модульные картины с графическими изображениями.
  • Кроме этого в кабинете могут располагаться стеклянные напольные вазы, часы неординарной формы и дизайна. Однако стиль хай тек все-таки предполагает минимум декора, поэтом это стоит учитывать.

Кабинет в современном стиле минимализма

Такое оформление замечательно подойдет молодым и амбициозным руководителям, которые не готовы обращать внимание на мелочи вокруг себя и заняты глобальными идеями.

Стиль минимализма подразумевает:

  • Отсутствие лишних деталей в интерьере, которые отвлекают от работы. Фокус должен быть только на основных предметах.
  • Мебель отличается четкими линиями, выполнена из дерева, пластика или других материалов, но лишена каких-либо узоров и украшений.
  • Современный кабинет максимально располагает к эффективному рабочему процессу. Он оформляется в нейтральной цветовой гамме.
  • Дизайн характеризуется простотой и элегантностью.
  • В качестве декоративных элементов могут подойти картины с изображением городов, урбанистических пейзажей.

Кабинет руководителя в стиле арт-деко

Данный стиль выбирают руководители креативных и дерзких компаний, которые развиваются быстрыми темпами и специализируются на творческой деятельности:

  • художественные мастерские,
  • публицистические издания и журналы мод,
  • музеи современного искусства,
  • рекламные компании.

Оригинальное обустройство, совершенно уникальные идеи планировки, ломаные линии – все это является яркими характеристиками кабинета в стиле арт-деко.

В таком кабинете могут располагаться напольные вазы замысловатых форм, статуэтки с футуристическим дизайном, на стенах могут быть самые разнообразные картины.

Оформление кабинета в стиле лофт

Кабинеты в стиле лофт сегодня пользуются особенной популярностью среди руководителей строительных компаний и быстро развивающихся организаций с молодым персоналом. Предполагает просторное помещение с высокими потолками и широкими окнами. Отличительными особенностями данного стиля являются:

  • Отделка стен должна быть в виде кирпичной кладки, а на потолке могут располагаться балки и коммуникации.
  • Широко используется стекло, пластик, бетон, а также искусственный камень.
  • Если нет финансовой возможности сделать кирпичную кладку, тогда можно оклеить стены специальными обоями с принтом натурального камня или кирпича.
  • Стиль лофт отлично смотрится при оформлении кабинета в квартире и позволяет максимально расширить пространство.

Дизайн стен в гостиной — Блог Decoretto.ru

Планируя ремонт в гостиной, первое, что необходимо сделать – это определиться в каком стилевом направлении вы хотите ее видеть, от этого напрямую зависит дизайн стен в гостиной.

Любое концептуальное решение несет в себе свои характерные особенности. Это, как правило, проявляется в симметрии форм, цветовом насыщении, элементах декора, выборе отделочных материалов для стен. Так, например, для классического стиля присуще обилие свободного пространства, отсутствие лишних декоративных деталей, в том числе и на стенах гостиной.

Изысканность и строгость данного стиля, подчеркнут правильные геометрические формы и классические узоры на стенах.  Классический дизайн стен в гостиной можно создать, используя декоративную роспись, обои с классическим орнаментом или однотонное окрашивание стен пастельных оттенков с элементами лепнины.

В отличие от классического стиля, современный дизайн стен допускает яркие цветовые акценты в своей палитре. Основной цвет стен подбирается нейтральный, согласно выбранной цветовой гамме и разбавляется более насыщенными элементами. Это могут быть фотообои соответствующей тематики, современные картины в качестве декора, графические узоры.

Если Вы до сих пор не решили, каким образом оформить стены в своей гостиной, то предлагаем Вам несколько универсальных способов осуществить задуманное.

  1. Использовать фотообои на стенах в гостиной.

Ни для кого не секрет, что фотообои уже давно применяются в качестве декоративного элемента большинства интерьеров. Кто-то скажет, что они уже давно вышли из моды и ими никого не удивишь, но не стоит делать поспешных выводов. Технология их изготовления уже скакнула вперед и продолжает удивлять, украшая интерьеры.

На сегодняшний день, выбор материалов для фотообоев довольно широкий – бумага, винил, флизелин и ткань. Разнородность текстур позволяет вписать фотообои в любую стилистику интерьера. Гладкая поверхность фотообоев подойдет для современных интерьеров, а фотообои с более выраженной текстурой лучше применить в винтажном или классическом стиле. Фотообои с текстурой кракелюра (эффектом трещины, камня) придадут оригинальности и современности дизайну стен в гостиной комнате.

Преимущество фотообоев в том, что их можно изготовить любого размера, цветогового насыщения и тематики. Они наносятся на стены таким же образом, как и обычные обои. Использование широкоформатных фотообоев в дизайне стен гостиной позволит создать неповторимый облик вашему интерьеру.

  1. Использовать картины в качестве декора стен гостиной.

Незаменимым украшением любой гостиной по-прежнему являются картины. Стилистически поддержать интерьер поможет правильно подобранное обрамление, тематика изображения и, конечно же, фактурное оформление картин.

Изображения, напечатанные на декоративном стекле или металле, несомненно, станут стильным и современным дополнением дизайна стен гостиной.

Если вы любите картины в интерьере и хотите применить их в дизайне стен, то интересным решением будет комбинирование картин различных размеров и направлений. Такой подход придаст стенам необычный, замысловатый вид и станет некой изюминкой вашего интерьера. Не стоит бояться подобных экспериментов, ведь ограничения в дизайне придумываем мы сами.

  1. Использовать графические узоры в качестве оформления стен гостиной.

Нанесение объемных графических узоров является довольно распространенным и актуальным дизайнерским решением в вопросе оформления стен. Добиться желаемого результата можно по средствам ручной художественной работы или использовать декоративные наклейки. В отличие от первого, второй вариант более бюджетный и менее трудоемкий, поэтому зачастую дизайнеры советуют применять именно его.  Цветовая палитра и жанры наклеек разнообразны, что, несомненно, облегчает выбор узоров.

 

 

Декоративные наклейки можно сочетать с картинами или использовать их в качестве картин. Такой подход станет необычным и оригинальным решением для вашей гостиной, ведь именно в деталях познается дизайн.

 

 

 

Не бойтесь экспериментировать!

 

Период классицизма Пабло Пикассо

Этот новый классический стиль находился под влиянием классического греческого и римского искусства. Тенденция была характерна для увесистых и безмятежных фигур, облаченных в одеяния в тактильных, но простых пейзажах.

Классическое направление в искусстве продолжало доминировать на сцене Европы более десяти лет. Пикассо стал ведущей фигурой в этом новом направлении искусства.

На ранних этапах этого периода его основное внимание было сосредоточено на рисовании и живописи, которые он делал в основном для личного исследования.

Пикассо был известным художником с непревзойденным мастерством и техникой. Вот почему его первая поездка в Италию в 1917 году послужила стимулом к ​​тому, чтобы оторваться от современного экстремизма и пойти по стопам таких художников, как Рафаэль и Энгр.

Пикассо познакомился с Ольгой Колковой, русской балериной, в 1918 году. В конце концов они поженились, и благодаря ее высокому социальному положению Пикассо начал вращаться в разных социальных кругах.

Это отличалось от богемного образа жизни, к которому он привык. Это, казалось, сказалось на его работе. Например, он перестал быть более провокационным и начал тяготеть к более традиционным и серьезным произведениям искусства. Он назвал этот новый найденный стиль «классицизмом». Его шедевр «Влюбленные» является примером того, как его стиль изменился с его социальными изменениями. «Свирели Пана» — еще одна известная композиция классического периода.

Пикассо продолжал находить увлечение оформлением балетной постановки. Рождение первого сына Пола вдохновило его снова и снова возвращаться к теме «мать и сын». Однако он вернулся и работал над кубизмом, о чем свидетельствует его картина 1921 года «Три музыканта». Работы Зигмунда Фрейда, известного психолога, также оказали глубокое влияние на творчество Пикассо.

Пикассо написал «Свирели Пана» в 1923 году, которую часто считают одним из самых важных его произведений классического периода.Это изображение двух мужчин, один из которых играет на дудочке, а другой слушает музыку. Свирели Пана символизируют греческого бога музыки, дикую природу, горы, природу, пастухов и стада.

Мифологический греческий миф гласит, что у него ноги и рога козла. Пан-флейта символизирует мир и природу. Это произведение считается венцом творчества Пикассо классического периода 1920-х годов. Эта конкретная работа подчеркивает влияние, которое греко-римское искусство оказало на Пикассо во время его путешествий по Италии.

В этот период, как цитируется в цитатах Пикассо, он утверждает, что Бог наказывает художника, даруя ему несчастье славы. Пикассо считал, что слава — худшее несчастье, чем голод и нищета. Пикассо обрел славу и авторитет в середине двадцатых годов.

Однако он не воспринял эту возросшую известность положительно, так как понял, что публика подавляет его индивидуальность, аплодируя каждому произведенному им произведению искусства, не рассматривая его критически.Кроме того, у Пикассо были семейные проблемы. Его жена Ольга, танцовщица-балерина, которая процветала благодаря славе и высокому положению в обществе, не могла понять, почему Пикассо не нравилась слава.

Негативные последствия Первой мировой войны отправили многих парижан на фронт. Однако Пикассо, иностранец, продолжал работать в основном без помех. Он даже впервые побывал в Италии и на юге Франции. Поскольку он был знаком с искусством Помпеи и Древнего Рима, это привлекло новое внимание и послужило стимулом для его возобновившегося интереса к классическому искусству.

Неурядицы войны в Европе привели к восстановлению порядка в Европе. Это рассматривалось как реакция на модернистские экстремистские движения, такие как экспрессионизм и кубизм. Такие художники, как Пикассо, начали сокращать и упрощать свои стили, чтобы соответствовать этому новому порядку. Некоторые из других выдающихся художников, которые последовали его примеру, включают художников движения «Новая объективность», Джорджио де Кирико и Андре Дерена.

Пабло Пикассо родился в Испании в 1881 году.Он вырос там до переезда во Францию, где провел большую часть своей взрослой жизни, работая художником.

Известный как один из самых знаменитых художников в истории, он создал более 20 000 произведений искусства, среди которых рисунки, скульптуры, картины и керамика. Большая часть его работ была разделена на периоды времени, в течение которых он развивал искусство по сложным темам и чувствам.

Синий период

Голубой период (1901-1904) был временем, когда Пикассо жил в бедности.Для его работ этого периода характерны такие темы, как проституция, недоедание и мрачное изображение внутренних мук его друга после того, как он покончил жизнь самоубийством. Большинство цветов, используемых в его работах этого периода, были в основном синими. Одним из таких произведений искусства является портрет Сюзанны Блох.

Розовый период

В эпоху роз (1904-1906) Пикассо, кажется, начинает испытывать успех и даже влюбляется.Это побуждает его начать создавать более оптимистичные картины. В основном он использует розовый и оранжевый цвета в своих работах. Он написал Garçon à la Pipe («Мальчик с трубкой»), которая оказалась одной из его самых дорогих картин.

Период африканского влияния

В период африканского влияния (1907-1909) волна традиционной африканской эстетики начала проникать среди европейских художников.Это был период, вдохновленный африканской скульптурой, и Пикассо не остался в стороне. Les Demoiselles d’Avignon (Авиньонские девушки) — одно из его известных произведений искусства того периода.

Движение кубизма

За этим последовало движение кубизма (1909-1919). Это был период, когда Пикассо и Брак разработали стиль, в котором они подчеркивали сочетания форм на картине.

Они использовали неокрашенные объекты, такие как газеты, и объединяли их на холсте вместе с окрашенными областями, чтобы создать форму коллажа. «Итальянская девушка» — хороший пример произведений искусства того периода.

Ранний классический период – Искусство и визуальная культура: от предыстории до эпохи Возрождения

«Раннеклассический период» (480/479–450 гг. до н. э., также известный как «суровый стиль») был переходным периодом, когда некоторые скульптурные работы демонстрировали пережитки архаизации.Как видно на Kritios Boy , c. 480 г. до н.э. «Суровый стиль» отличается реалистичной анатомией, серьезным выражением лица, пухлыми губами и толстыми веками. Для художников развитие перспективы и множественных линий земли обогащало композиции, как это видно на вазе художника Ниобида в Лувре.

 

  • Определите и опишите форму, содержание и контекст ключевых произведений ранней классики
  • Дайте определение критическим терминам, относящимся к раннеклассическому искусству
  • Опишите различия в архаическом и раннем классическом искусстве
  • Объясните характеристики раннего классического стиля

Храм Зевса в Олимпии

Храм Зевса в Олимпии — колоссальный разрушенный храм в центре греческой столицы Афины, посвященный Зевсу, царю олимпийских богов.Его план подобен храму Афайи на Эгине. Это шестистиль, с шестью столбцами спереди и сзади и по 13 с каждой стороны. Он имеет две колонны, непосредственно соединенные со стенами храма, известные как антис, перед входом (пронаос) и внутренней святыней (опистодомос). Как и в храме Афайи, по обе стороны от внутреннего святилища (наоса) расположены две двухэтажные колоннады из семи колонн.

 

 

Храм Зевса в Олимпии: Иллюстрация Вильгельма Любке, изображающая колоссальный Храм Зевса в Афинах, Греция.

Фронтонные фигуры изображены в развивающемся классическом стиле с натуралистичными, но чрезмерно мускулистыми телами. Большинство фигур показаны с невыразительными лицами стиля Суровый. Фигуры на восточном фронтоне ждут начала гонки на колесницах, и вся композиция неподвижна и статична. Однако провидец с ужасом наблюдает за этим, предвидя смерть Эномая. Этот уровень эмоций никогда не присутствовал бы в архаичных статуях, и он ломает раннеклассический строгий стиль, позволяя зрителю почувствовать неприступные события, которые вот-вот произойдут.

 

 

Провидец с восточного фронтона Храма Зевса, мрамор, ок. 470–455 гг. до н. э., Олимпия, Греция: . Уровень эмоций на лице провидца никогда не присутствовал бы в архаических статуях, и это нарушает раннеклассический строгий стиль, позволяя зрителю ощутить неприступные события, которые вот-вот произойдут.

В отличие от статичной композиции восточного фронтона, Центавромахия на западном фронтоне изображает движение, исходящее из его центра.Кентавры, сражающиеся мужчины и похищенные женщины борются и сражаются друг с другом, создавая напряжение в другом примере раннего изображения эмоций. Большинство фигур изображено в Суровом стиле. Однако у некоторых, включая кентавра, черты лица отражают их гнев и гнев.

 

 

Кентавромахия, ок. 460 г. до н.э.: Западный фронтон храма Зевса в Олимпии.

Двенадцать метоп над пронаосом и опистодомом изображают сцены из двенадцати подвигов Геракла.Подобно развитию скульптуры на фронтоне, рельефы на метопах отражают раннеклассическое понимание тела. Тело Геракла сильное и идеализированное, но в нем есть уровень натурализма и пластичности, что увеличивает живость рельефов. Сцены изображают различные типы композиций. Некоторые из них статичны с двумя или тремя неподвижно стоящими фигурами, в то время как другие, такие как Геракл и Критский Бык, передают ощущение живости благодаря своей диагональной композиции и перекрывающимся телам.

 

 

Геракл и критский бык, ок. 460 г. до н.э.: На этом фрагменте метопы Геракл изображен в более динамичной и эмоциональной позе. Это из храма Зевса в Олимпии. Афина и Геракл, изображающие стимфалийских птиц, ок. 460 г. до н.э.: Этот фрагмент метопа изображает Геракла с относительно спокойным языком тела. Из храма Зевса в Олимпии.

Мальчик Критиос

Небольшая статуя, известная как Мальчик Критиос, была посвящена Афине спортсменом и найдена в Персерхутте Афинского Акрополя.Его название происходит от известного художника, которому когда-то приписывали скульптуру. Мраморная статуя является ярким примером раннеклассического скульптурного стиля и демонстрирует отход от жесткого стиля, характерного для архаичных куроев. Торс изображает понимание тела, а пластика мышц и кожи позволяют статуе оживать.

Часть этой иллюзии создается стойкой, известной как контрапоста. Это описывает человека, вес которого переносится на одну ногу, что создает сдвиг в бедрах, груди и плечах, создавая более драматичную и натуралистическую стойку, чем жесткая фронтальная поза.Это положение контрапоста оживляет фигуру за счет соотношения между напряженными и расслабленными конечностями.

Однако лицо мальчика Критиоса невыразительно, что противоречит натурализму, наблюдаемому в его теле. Это известно как суровый стиль. Пустые выражения позволяют скульптуре казаться менее натуралистичной, что создает экран между искусством и зрителем. Это отличается от использования архаичной улыбки (теперь ее нет), которая была добавлена ​​​​к скульптуре, чтобы повысить их натурализм.Однако ныне пустые глазницы когда-то были инкрустированы камнем, чтобы придать скульптуре реалистичный вид.

 

 

Мальчик Критиос, мрамор, ок. 480 г. до н.э., Акрополь, Афины, Греция: Эта мраморная статуя является ярким примером раннеклассического скульптурного стиля и демонстрирует отход от стиля, наблюдаемого в архаическом курои.

Поликлет

Поликлет был известным греческим скульптором и теоретиком искусства в период с начала до середины пятого века до нашей эры.Он наиболее известен своим трактатом об обнаженном мужчине, известным как «Канон», в котором описывается идеальное эстетическое тело, основанное на математических пропорциях и классических условностях, таких как контрапоста.

Считается, что его Дорифор, или Копьеносец, представляет собой скульптурное изображение Канона. Статуя изображает молодого, хорошо сложенного воина, держащего в левой руке копье, к левому запястью которого прикреплен щит. Оба военных орудия сейчас утеряны. Фигура имеет строгое лицо и контрапостную стойку.В другом развитии, отличающемся от жесткого и, казалось бы, неподвижного архаического стиля, левая пятка Дорифора приподнята над землей, что подразумевает способность ходить.

 

 

Дорифор: Дорифор Поликлета (Копьеносец), как полагают, является его скульптурным изображением Канона. Это римская мраморная копия греческого бронзового оригинала, ок. 450 г. до н.э.

Эта скульптура демонстрирует, как использование контрапоста создает S-образную композицию.Сопоставление напряженных ног и напряженных рук и расслабленных ног и расслабленных рук, расположенных поперек тела друг от друга, создает в теле букву S. Динамическая сила этой формы композиции размещает элементы — в данном случае конечности фигуры — напротив друг друга и подчеркивает создаваемое этим напряжение. Статуя, как визуализация канона Поликлетия, также изображает греческое чувство симметрии, гармонии частей, увиденной здесь в пропорциях тела.

Бронзовая скульптура греческого раннего классического периода

Сохранившиеся греческие бронзовые скульптуры раннего классического периода демонстрируют мастерство греческих художников в изображении тела и выражении движения.Бронза была популярным материалом для лепки у греков. Состоящий из металлического сплава меди и олова, он обеспечивает прочный и легкий материал для использования в древнем мире, особенно для создания оружия и предметов искусства. Греки использовали бронзу на протяжении всей своей истории.

Поскольку бронза является ценным материалом, на протяжении всей истории бронзовые скульптуры переплавлялись для ковки оружия и боеприпасов или для создания новых скульптур. Греческая бронза, которую мы имеем сегодня, в основном сохранилась из-за кораблекрушений, из-за которых материал не использовался повторно, а скульптуры с тех пор были извлечены из моря и отреставрированы.Греки использовали бронзу в качестве основного средства скульптуры, но большая часть наших знаний о греческой скульптуре происходит от римских копий. Римляне очень любили греческое искусство, и коллекционирование их мраморных копий было признаком статуса, богатства и интеллекта в римском мире.

римские копии, выполненные из мрамора, имели несколько отличий от оригинала из бронзы. Были добавлены распорки или опоры, чтобы помочь удержать вес мрамора, а также свисающие конечности, которые не нуждались в поддержке, когда статуя изначально была сделана из более легкой и полой бронзы.Стойки появились либо в виде прямоугольных блоков, соединяющих руку с туловищем, либо в виде пней против ноги, поддерживающей вес скульптуры, как в этой римской копии Diadoumenos Atenas.

 

 

Diadoumenos Atenas (римская копия): Удлинение, соединяющее ствол дерева с ногой фигуры, является примером распорки, используемой в мраморных римских копиях оригинальных греческих изделий из бронзы.

Восковая техника

Техника литья по выплавляемым моделям, также известная под французским названием cire perdue, — это процесс, который древние греки использовали для создания своих бронзовых статуй.Первый шаг процесса включает в себя создание полномасштабной глиняной модели предполагаемого произведения искусства. Это будет ядром модели. После завершения из глиняного стержня изготавливается форма, а также создается дополнительная восковая форма. Затем восковую форму помещают между глиняным сердечником и глиняной формой, создавая карман, и воск выплавляется из формы, после чего зазор заполняется бронзой. После охлаждения внешняя глиняная форма и внутренние глиняные сердечники аккуратно удаляются, и бронзовая статуя завершается.Несколько частей свариваются вместе, недостатки сглаживаются, а затем добавляются любые дополнительные элементы, такие как инкрустированные глаза и ресницы. Поскольку глиняная форма должна быть сломана при извлечении фигуры, метод выплавляемых восков можно использовать только для изготовления единственных в своем роде скульптур.

C Возница Дельф

Дельфийский возничий — раннеклассическая бронзовая скульптура возницы в натуральную величину. Надпись у основания говорит нам, что статуи первоначально были посвящены человеком по имени Полизал из Гелы Аполлону в святилище Аполлона в Дельфах.Полизал заказал и посвятил работу в память о своей победной гонке на колесницах во время Пифийских игр. Возничий — единственная сохранившаяся часть большой группы статуй, в которую входили колесница, конюхи и лошади.

 

 

Возничий Дельф: Возничий Дельф. Бронза. в. 475 г. до н.э. Святилище Аполлона, Дельфы, Греция.

В то время как комиссар был тираном греческого колониального города Гела на Сицилии, считается, что статуя была сделана в Афинах.Он был сделан по выплавляемой восковой технике из нескольких частей, а затем собран.

Возничий стоит прямо, его правая рука вытянута, чтобы схватить поводья; его левая рука отсутствует. У него высокая талия, что, вероятно, выглядело более естественно, когда он стоял на своей колеснице. Однако, несмотря на высокую талию, фигура обладает высокой степенью натурализма, наравне с мраморными скульптурными разработками раннего классицизма. Руки, лицо и ступни прорисованы с высокой пластичностью, а инкрустированные глаза и добавление меди на губы и ресницы добавляют степень натурализма.По сравнению с архаическими скульптурами это выглядит очень естественно. Однако, как раннеклассическая скульптура, Возничий еще не достиг полного классического стиля. Архаичной улыбки больше нет, но он предстает почти пустым и невыразительным, наравне с другими скульптурами, выполненными в суровом стиле раннеклассического периода.

Воины Риаче

«Воины Риаче» — набор из двух обнаженных бронзовых скульптур воинов-мужчин, обнаруженных у берегов Риаче, Италия. Они являются ярким примером ранней классической скульптуры и перехода от архаического к классическому стилю скульптуры.

Фигурки обнаженные, в отличие от Возничего. Их тела идеализированы и кажутся динамичными, с освобожденными конечностями, контрапостным смещением веса и повернутыми головами, что подразумевает движение. Мышцы смоделированы с высокой степенью пластичности, которую бронзовый материал усиливает за счет естественных отражений света. Дополнительные элементы, такие как медь для губ и сосков, серебряные зубы и глаза, инкрустированные стеклом и костью, были добавлены к фигурам, чтобы увеличить их натурализм. Обе фигуры изначально держали щит и копье, которые сейчас утеряны.Воин Б носит шлем, и похоже, что воин А когда-то носил венок на голове.

 

 

Воины Риаче: Воин А (справа) и Воин Б (слева). Бронза, ок. 460–450 гг. до н. э., Риаче, Италия.

Артемисион Бронза

Бронзовый Артемисион представляет либо Зевса, либо Посейдона. Оба бога изображались с густыми бородами, что означало зрелость. Однако невозможно идентифицировать скульптуру как того или иного бога, потому что это может быть либо молния (символ Зевса), либо трезубец (символ Посейдона) в его поднятой правой руке.Фигура стоит в героическом обнаженном виде, как и следовало ожидать от бога, с раскинутыми руками, готовясь нанести удар. Бронза выполнена в строгом стиле с идеализированным мускулистым телом и невыразительным лицом. Подобно Charioteer и Riace Warriors, Artemision Bronze когда-то имел инкрустацию стеклом или камнем в своих теперь пустых глазницах, чтобы повысить его реалистичность. Правая пятка фигуры отрывается от земли, что предвосхищает движение, которое фигура собирается предпринять. Полный потенциал движения и энергии бога, а также изящество тела отражены в лепке из бронзы.

 

 

Бронза Артемисион: Бронзовая фигура Артемисион изображает Зевса или Посейдона, ок. 460–450 гг. до н. э., мыс Артемисион, Греция.

Керамика раннего классического периода Греции

Керамическое искусство ранней классической Греции демонстрирует важные композиционные разработки и повышенный натурализм в фигурах. В этот период сохранилась техника красно- и чернофигурной росписи керамических изделий. В то время как художники продолжали создавать чернофигурные картины во втором веке до нашей эры, эта техника становилась все более редкой, уступая место краснофигурной живописи около 520 г. до н.э.Аттические краснофигурные вазы экспортировались по всей Греции и за ее пределы и долгое время доминировали на рынке тонкой керамики. Лишь несколько центров гончарного производства могли конкурировать с Афинами по новаторству, качеству и производственным мощностям.

Картина с красной фигурой

Краснофигурная живопись продолжала процветать в ранний, высокий и поздний классические периоды. Натурализм фигур в раннеклассической вазописи продолжал расти, поскольку фигуры становились менее коренастыми и менее линейными.И фигуры, и их драпировка стали казаться более пластичными, а сцены часто изображали один момент мифической истории или события. Кроме того, на роспись ваз стали влиять изменения, происходящие как в скульптуре, так и в крупномасштабной росписи стен и панелей.

Маньеристы

Маньеристы были группой аттических художников-краснофигуристов, известных своими аффектированными (эмоциональными) сюжетами. Они были активны примерно с 480 г. до н.э. и почти до конца пятого века до н.э.Главной их особенностью является то, что они сохранили черты чернофигурной вазописи в краснофигурной технике.

Их фигуры кажутся вытянутыми и имеют маленькие головы, складки одежды ниспадают жестко и напоминают лестницу, а изображения обрамлены чернофигурным орнаментом. На диапазон мотивов также повлияли предыдущие периоды. Фигуры жестикулируют, как будто используя язык жестов — руки часто кажутся жесткими и театральными. Мы можем видеть типичные для маньеризма маленькие головы и жеманные жесты в картине художника Пана «Геракл, сражающийся с Бусирисом» (ок.470 г. до н.э.).

 

 

Геракл сражается с Бусирисом: Красная фигура в стиле маньеризма, созданная художником Паном, ок. 470 г. до н.э.

Считается, что краснофигурный кратер художника Ниобида, изображающий Артемиду и Аполлона, убивающих детей Ниобы, датируемый 460 г. до н. э., представляет собой композицию, вдохновленную панно. Сторона сосуда с изображением Артемиды и Аполлона связана с мифом о боге-близнеце и богине, убившей четырнадцать детей Ниобы после того, как она хвасталась, что ее способность рождать детей превосходит Лето, мать Аполлона и Артемиды.

Эта история отсылает к древнегреческим предостережениям против высокомерия или чрезмерной гордыни. Эта сцена — одна из первых сцен росписи ваз, в которой фигуры изображены на разных линиях земли. Аполлон и Артемида стоят в центре сосуда, а дети Ниобы падают на землю вокруг них. Один ребенок даже упал за скалу в ландшафте.

На другой стороне вазы — изображения богов и героев, с Гераклом в центре. Все фигуры стоят и сидят на разных линиях земли.Фигуры с обеих сторон изображены под разными углами, включая вид в три четверти, а профильный глаз используется для фигур в профиль, впервые в греческой вазописи.

 

 

Геракл с богами и героями: Этот кратер был нарисован Ниобидским художником. На оборотной стороне кратера изображены Артемида и Аполлон, убивающие детей Ниобы. Афинский краснофигурный чашевидный кратер, ок. 450 г. до н.э., Орвието, Италия. Артемида и Аполлон, убивающие детей Ниобеи: Нарисовано Ниобидским художником на афинском краснофигурном чашечном кратере, ок.450 г. до н.э., из Орвието, Италия.

Берлинский художник — еще один известный вазописец раннего классицизма. Его уникальный стиль изображает фигуры, изолированные от контекста, на небольшой линии земли на глянцевом черном фоне. Его фигуры также начинаются в середине вазы и распространяются на плечо сосуда, останавливаясь у горлышка.

Он уделяет особое внимание деталям тела и драпировке каждой фигуры и позволяет фигуре и драпировке выражать эмоции, пространство и движение.Его картина под названием «Ганимед с обручем и петухом» передает ощущение динамизма, организовав тело через серию диагональных очертаний, используя контурные линии для обозначения расположения мышц и сухожилий под кожей.

 

 

Ганимед с обручем и петухом: Нарисовано берлинским художником на чердачном краснофигурном колокольном кратере, ок. 500–490 гг. до н.э.

Бело-земляная живопись

Живопись по белому фону возникла около 500 г. до н.э. и приобрела популярность в следующем столетии.Техника основана на использовании красок вместо шликера для создания полихромных сосудов. Сосуды были сначала покрыты белым шликером, а затем добавлены различные цвета краски. Белый фон и методы обжига позволяли использовать различные цвета, включая синий, желтый, красный, коричневый и зеленый. Поскольку этот стиль менее долговечен, чем черно- и краснофигурная живопись, его часто использовали для вотивов и в качестве подношений на могилу.

Обычные контурные рисунки в технике белого фона не доминировали в этом стиле примерно до середины пятого века до нашей эры.В течение первых 50 лет бело-фоновой живописи, известной как Тип I, изображения напоминали обычную чернофигурную живопись, с единственным отличием в цвете фона. Это изображение Геракла, сражающегося с Герионом, представляет собой пример бело-фоновой живописи Типа I.

 

 

Геракл сражается с Герионом: Геракл (в центре) атакует Гериона (крайний справа). У их ног лежит раненый Эвритион. Афина (слева) наблюдает за происходящим.Чердачный чернофигурный бело-фоновый лекиф.

Роспись по белому фону часто можно увидеть на лекифе, сосуде, используемом для хранения масел, которые иногда использовались для помазания мертвых. Из-за этой погребальной функции лекитои также использовались в качестве подношений на могиле. Таким образом, многие сцены, нарисованные на лекитои на белом фоне, изображают или намекают на погребальные сцены (такие как погребальные обряды и ритуалы) или изображения воинов, оставляющих своих жен на битву и смерть. В то время как сцена битвы Геракла с Герионом изображает довольно жестокую прелюдию к смерти, образы более поздних lekythoi несколько более уравновешены.

 

 

Женщина, посещающая гробницу: Нарисовано художником Танатос на аттическом белом фоне лекифос, ок. 440–430 гг. до н. э.

Художник-ахиллес, ученик берлинского художника и создатель как краснофигурных, так и белокоральных сосудов, является одним из самых известных художников-белографистов. Сцены, которые он рисовал на своих белоземных лекифах, полны пафоса и печали, часто изображая женщин, сидящих перед могильными стелами или прощающихся с мужьями, связанными битвой.

 

 

Муза с лирой: Нарисовано художником-ахиллом на аттическом лекифе с белым фоном, ок. 440–430 гг. до н. э.

В целом, как в бело-фоновой, так и в краснофигурной живописи раннеклассического периода форма тела доводилась мастерами до совершенства. Расписные сосуды теперь изображали фигуры на двумерной плоскости с иллюзией трехмерного пространства. Эти фигуры были переданы в этом пространстве естественно, с точки зрения их движения и формы.

Чернофигурная живопись почти исчезла в раннеклассический период и в основном использовалась для предметов, сделанных так, чтобы казаться старыми или напоминающими античные стили, такими как победные амфоры для Панэллинских игр.

 

 

  • Скульптура, найденная на фронтоне и метопах храма Зевса в Олимпии, представляет стиль рельефной и фронтонной скульптуры раннего классического периода.
  • Суровый стиль — раннеклассический стиль скульптуры, в котором тело изображается натуралистично, а лицо остается пустым и невыразительным.Этот стиль отмечает понимание художником мускулатуры тела, сохраняя при этом экран между искусством и реальностью со стоическим лицом.
  • Contrapposto — это смещение веса, изображенное на теле, которое вращает талию, бедра, грудь, плечи, а иногда даже шею и голову фигуры. Это увеличивает натурализм тела, поскольку правильно имитирует внутреннюю работу мускулатуры человека.
  • Kritios Boy — ранний пример контрапоста и строгого стиля. Эта мраморная статуя изображает обнаженного юношу, мускулистого и хорошо сложенного, с видом натурализма, который растворяется при рассмотрении его лица в строгом стиле.
  • Поликлет, художник и теоретик искусства, разработал канон создания идеального мужского тела на основе математических пропорций. Его Дорифор (Копьеносец) считается скульптурным изображением его трактата. Фигура стоит в контрапосте, лицо строгое.
  • В то время как бронза была популярным материалом для греческих скульпторов, сегодня существует мало греческой бронзы. О большинстве известных скульпторов и скульптур мы знаем только по мраморным римским копиям и немногим уцелевшим изделиям из бронзы, часто оставшимся после кораблекрушений.
  • Раннеклассические изделия из бронзы вылеплены методом литья по выплавляемым моделям. Фигуры созданы в стиле Суровый с натуралистичными телами и пустыми, невыразительными лицами. Легкий внешний вид скульптур обусловлен их полостью и способствует их подразумеваемой потенциальной энергии и движению.
  • Дельфийский возничий, воины Риаче и бронза Артемисион — все они демонстрируют скульптурные характеристики раннего классического строгого стиля, а также демонстрируют характеристики бронзовой скульптуры, включая легкость материала и живость, которых можно было достичь.
  • Краснофигурная живопись продолжалась в раннеклассический период. Изменения в изображении тела и драпировке фигур начали меняться, отражая стилистические изменения и повышенный натурализм, наблюдаемый в классической скульптуре.
  • Стиль краснофигурной живописи также стал разнообразным, поскольку художники начали изображать фигуры на нескольких линиях земли, показывать персонажей с разных точек зрения (включая вид в три четверти) и использовать больше натурализма (как видно из работ Ниобиды). Художник).
  • Живопись по белому фону, разработанная в 500 г. до н.э., стала популярной в классический период. Белая глиняная посуда была покрыта белой шликером перед обжигом и окраской, что позволяло использовать полихромию.
  • Ранняя бело-фоновая живопись (тип I) напоминала чернофигурную живопись, пока не была вытеснена более привычными контурными рисунками. Роспись по белому фону стала основным стилем для lekythoi, сосудов, используемых для хранения масел, которые имели погребальный контекст. Из-за этого контекста многие сцены, нарисованные на лекифах, изображали сцены погребальных обрядов и ритуалов или сцены, намекающие на надвигающуюся смерть.

Адаптировано из «Безграничная история искусства» https://courses.lumenlearning.com/boundless-arthistory/chapter/the-early-classical-period/ Лицензия: CC BY-SA: Attribution-ShareAlike

«1. Греческие боги и богини раннего классического периода» Сабины Шмальбек

Имя класса и дата

Искусство 230: Древнее искусство. Осень 2015

Тема

Боги и богини в ранней классической Греции

Описание

Греческие боги и богини раннего классического периода

Сабина Шмальбек

Тема этой выставки – греческие боги и богини раннего классического периода.Ранний классический период, также называемый переходным периодом, длился с ок. 480-450 гг. до н.э. [1] Это был переходный период между архаическим периодом и высоким классическим периодом.

На протяжении классического периода греки интересовались гуманизмом, рационализмом и идеализмом.[2] Внимание к деталям и реалистичность обусловлены их стремлением точно изображать человеческие тела. В раннеклассический период тела, особенно скульптурные изделия, демонстрируют более реалистичные фигуры с моделированием анатомии.Позы фигур начинают становиться более реалистичными по мере того, как стиль отходит от жестких, блочных характеристик архаического периода. Пример этого можно увидеть в бронзовой статуе Артемисиона Зевса или Посейдона. Поза бога открытая и менее жесткая, поскольку фигура переносит свой вес с задней ноги на переднюю. Пример популярного способа изображения более реалистичной позы можно увидеть в статуе Диониса . В пьесе используется расслабленная поза контрапоста.

Начало контрапоста приходится на раннеклассический период.[3] Как видно из Dionysus , контрапоста использует стойку с утяжеленной ногой и свободной ногой. Это передает более расслабленную, реалистичную позу. Туловище со стороны несущей ноги короче, чем с другой стороны, а плечо с более короткой стороны туловища ниже, чем с другой стороны. Многие произведения этого периода показывают начало контрапоста, потому что, хотя вес у них приходится на одну ногу, более короткий торс и нижняя часть плеча находятся не на той стороне, поэтому это не настоящий контрапост.

Еще одна характеристика этого периода — суровый стиль; Суровый стиль получил свое название от серьезного выражения лиц испытуемых.[5] Строгий стиль изображает мужчин с коротко остриженными волосами, пустым выражением лица, симметричными и общими чертами лица и круглым квадратным подбородком.[6] Стиль передает «простоту, силу, энергию, рациональность, самодисциплину и интеллект».[7]

Художники раннего классического периода использовали самые разные материалы: от мрамора до керамики, от бронзы до терракоты. Гончары и художники продолжали развивать стиль красных фигур, популяризированный в предыдущий период. Рисование красной фигуры — это когда силуэты предметов изображаются черной краской, оставляя красный цвет сосуда неокрашенным для окрашивания кожи; детали поверхности добавлены дополнительной черной краской.Красная фигура позволяла художнику легко добавлять больше деталей, а живописцы увеличивали свои возможности в создании «гибких, округлых фигур, поставленных в еще более сложных и динамичных позах». к процессу выплавляемого воска. Процесс выплавки воска — это когда восковая скульптура помещается в форму с отверстием сверху и снизу. Металл заливается сверху, а излишки материала стекают снизу, оставляя незавершенный кусок. Поскольку он полый, скульптуры могут быть довольно большими, не беспокоясь о большом весе; это также облегчало вытягивание конечностей, потому что это не влияло на баланс, как мрамор.[9] Мраморная техника продемонстрировала более развитое понимание изображения анатомии с моделированием мускулатуры, а не с поверхностными деталями.

Драпировка в раннеклассический период более реалистична, чем в предыдущие периоды. Вместо стилизованных узоров складок драпировка ниспадает таким образом, что более реалистично показывает сборку ткани и форму тела. Пример этого можно увидеть в терракотовой статуэтке Nike ; ткань почти прозрачна, поскольку она прижимается к ее ногам, а складки ткани между ее ногами и за ее телом предполагают движение.В ткани больше наблюдательность художника, чем стилизация. Изображение драпировки продолжает развиваться в последующие периоды.

Древние греки верили во многих богов; главные из них — 12 олимпийцев. Боги и богини контролировали многие аспекты жизни греков. Поскольку боги имели такую ​​большую власть над людьми, в их честь было построено множество храмов и святилищ.

Храмы и святилища были местами поклонения; поклонение обычно происходило у алтаря снаружи возле храма.Настоящий храм не был местом для общественного поклонения; лишь немногие избранные могли войти во внутреннюю комнату, где находилась культовая статуя бога и жертвенные орудия.[10] В храмовой целле обычно хранились подношения и предметы по обету, которые люди дарили божествам; в казне также хранились приношения.

Некоторые изображения богов и богинь были просто воссозданием божества, в то время как другие изображали сцены из мифологии. Кратер «Смерть Актеона » показывает историю Артемиды, натравившей на него собак Актеона после того, как он увидел, как она купается.Мифологические сцены часто несут в себе мораль или предостережение; этот напомнил людям уважать богов. Некоторые произведения искусства предназначены для украшения или в качестве подношения божеству. Это кратер, который, скорее всего, использовался как «чаша для пунша» для вина.

Характерной чертой раннего классического периода являются общие невыразительные черты лица. Это означает, что богов обычно идентифицируют по их иконографии. Например, на рельефе Mourning Athena ее легко узнать, потому что она носит свой шлем и свою обычную одежду из хитона.Когда нет иконографии, становится трудно понять, кто является предметом. С Artemision Zeus или Poseidon истинная личность неизвестна. Субъектом является бог, и идентичность между Зевсом и Посейдоном была сужена из-за бороды, но без молнии или трезубца идентичность не может быть более конкретной. Хотя бывает трудно отличить различных божеств, легче отделить богов от смертных. Боги и богини в этот период не изображаются с открытыми ртами; это физический символ их достоинства и самоконтроля.[11] Смертные обычно открывают рты, чтобы они не казались менее уравновешенными, как божества.

Ранний классический период был временем множества технических достижений в различных средствах массовой информации. Многие условности и стили этого периода остались и развились в последующие периоды, отметив ранний классический период как начало развития культового классического греческого стиля.

Сноски

1 Джон Гриффитс Педли, Греческое искусство и археология , (Река Аппер-Сэдл, Нью-Джерси: Pearson Education, Inc., 2012), 207.

2 Мэрилин Стокстад и Майкл В. Котрен, Том I История искусства , (Ривер Верхнего Седла, Нью-Джерси: Pearson Education, Inc., 2014), 120.

3 Стокстад и Котрен, Том I История искусств, 120.

4 Сара Арчино, « ART 230: Early Classical Greek Lecture» (лекция в Университете Фурмана, Гринвилл, Южная Каролина, 6-11 ноября 2015 г.).

5 Педли, Греческое искусство и археология , 209.

6 Сара Арчино, « ИСКУССТВО 230: Ранняя классическая греческая лекция».

7 Эндрю Стюарт, «Персидские и карфагенские вторжения 480 г. до н. э. и Начало классического стиля: Часть 2, Находки из других мест в Афинах, Аттике, других местах в Греции и на Сицилии; Часть 3, Суровый стиль: мотивы и значение», American Journal of Archeology 112 (2008): 602.

8 Стокстад и Котрен, Том I История искусств , 126.

9 Стокстад и Котрен, Том I История искусств , 120.

10 Робин Соуэрби, Греки: введение в их культуру (Соединенное Королевство: Тейлор и Фрэнсис, 2014), 98–99.

11 Арчино, « ИСКУССТВО 230: Ранняя классическая греческая лекция» .

Работы цитируются

1. Арчино, Сара. « ИСКУССТВО 230: Ранняя классическая греческая лекция». Лекция в Университете Фурмана
, Гринвилл, Южная Каролина, 6-11 ноября 2015 г.

2. Педли, Джон Гриффитс. Греческое искусство и археология . Река Аппер-Сэдл: Pearson Education Inc., 2012.

.

3. Соуэрби, Робин. Греки: введение в их культуру. Соединенное Королевство: Тейлор и Фрэнсис, 2014 г.

4. Стюарт, Эндрю. Персидские и карфагенские вторжения 480 г. до н. э. и Начало классического стиля: Часть 2, Находки из других мест в Афинах, Аттике, других местах в Греции и на Сицилии; Часть 3, Суровый стиль: мотивы и смысл». Американский журнал археологии 112 (2008): 602.

5. Стокстад, Мэрилин и Майкл В. Котрен. Том I История искусств. Верхнее седло
Река: Pearson Education Inc., 2014.

КЛАССИЧЕСКИЙ ПЕРИОД ПИКАССО | Галерея Джона Соке

Во время Первой мировой войны внимание Пикассо переключилось с кубизма на стиль под влиянием классического греческого и римского искусства и мифологии, характеризующийся безмятежными и весомыми фигурами в развевающихся одеждах на вневременных и минималистичных пейзажах.Этот сдвиг сигнализировал о большей тенденции в Западной Европе, которая будет доминирующей силой в искусстве более десяти лет. Как всегда, Пикассо был лидером в этом новом направлении. В первые годы этого этапа он в основном занимался живописью и рисунком и создал несколько графических работ. Большинство из них были созданы для личного исследования и не были опубликованы до самой смерти художника в рамках знаменитой Caisse à Remords.

 

В середине 1920-х годов Пикассо снова начал серьезно заниматься гравюрами по заказу двух издателей: Амбруаза Воллара и Альбера Скиры.В 1926 или 1927 году Воллар пригласил Пикассо для создания иллюстраций к «Неизвестному шеф-повару» Бальзака. Считается, что «Сюита Воллар» — пожалуй, самая известная серия гравюр Пикассо, состоящая из ста гравюр, — также была заказана примерно в 1927 году. Примерно в то же время или вскоре после этого Пикассо согласился проиллюстрировать «Метаморфозы» Овидия для Скиры. Эти крупные проекты ознаменовали начало более глубокого увлечения гравюрой, которое усилилось в 1934 году, когда он начал работать с Роже Лакурьером, разжигая глубокую страсть к гравюрам, которая сохранялась на протяжении всей его жизни.

 

Историки традиционно относят классический период творчества Пикассо к 1914–1925 годам, после чего соглашаются, что он перешел к работам, связанным с сюрреализмом. Хотя этот временной промежуток является точным, если подумать о его уникальной работе, Пикассо оставался связанным с классическими темами в своих гравюрах до конца 1930-х годов. Причины этого не ясны. Некоторые приписывают это влиянию дилера Амбруаза Воллара, который предпочитал классический стиль Пикассо его работам с сюрреалистическим влиянием.Однако «Метаморфозы» Овидия были заказаны Альфредом Скирой, и Пикассо утверждал, что выбрал текст по своему усмотрению (в мемуарах Франсуазы Жило «Жизнь с Пикассо», 1964, стр. 191). Бриджит Бэр, куратор печати в Музее Пикассо и автор каталога-резоне гравюр художника, объясняет это общим несоответствием между его работой в области гравюры и работой в других медиа, утверждая, что он часто использовал графические медиа для изучения альтернативных направлений в искусстве. его искусство. Еще один историк, Лиза Флорман, утверждала, что привлечение Пикассо к классическим сюжетам в своих гравюрах можно объяснить его стремлением бросить вызов условностям и его верой в то, что «в искусстве нет ни прошлого, ни будущего.Всякий раз, когда мне нужно было что-то сказать, я говорил так, как, по моему мнению, должно было быть сказано. Различные мотивы неизбежно требуют различных способов выражения. Это не подразумевает ни эволюцию, ни прогресс, а адаптацию идеи, которую хотят выразить, и средств выражения этой идеи» (цитата по «Picasso Speaks», The Arts, May 1923).*

 

Какими бы ни были причины, по которым Пикассо решил развивать классические темы в своих гравюрах до 1930-х годов, важно отметить стилистические различия между его полотнами 1920-х годов и его более поздними линейными офортами.Фигуры в его классических картинах имеют тяжелое и сильно смоделированное присутствие, напоминающее скульптуру, и помещены в тактильные, хотя и простые пейзажи. Напротив, фигуры на его классических гравюрах плотские и человеческие и существуют в сказочном пространстве. Некоторые пластины изящно выполнены простыми выгравированными линиями, а другие тщательно обработаны с использованием нескольких техник глубокой печати в одной композиции. Доминирующими темами являются классические мифы, художественное творчество и коррида.

 

*В мифах и метаморфозах: классические гравюры Пикассо 1930-х годов.Кембридж: Издательство Массачусетского технологического института, 2000, 3–4.

4 июня 2020 г.

Введение в историю классического африканского искусства

При описании традиционного африканского искусства принято писать в настоящем времени, не указывая повторно, что описывается только один момент времени.

Frank Willett[1]

Различные современные научные методы позволили нам получить данные, полезные для построения истинной истории африканского искусства. Для описания эволюции классического африканского искусства одни ученые отдавали предпочтение племенной классификации, другие — историческому подходу, третьи — наконец, функциональному анализу. Уильям Фагг (1964) утверждает, что в Африке на художественном уровне каждое племя составляет свою замкнутую вселенную; его горизонт останавливается на его собственных границах.[2] Это, по его словам, дискретные и исключающие группы; для них искусство выражает их внутреннюю солидарность и их автономию и, в свою очередь, отличает их друг от друга. По его словам, границы племени закрыты. Однако не все племена имеют четкую границу; четкая, фиксированная граница — это проекция современных европейских фактов на традиционные границы. Границы нынешних африканских государств являются результатом колонизации и часто охватывают несколько ранее существовавших этнических регионов.

Это не единственная форма территориального деления племен и населения в Африке.Племя может быть рассеяно; она может состоять из двух или более однородных подгрупп, разделенных одной или несколькими другими популяциями; его также можно смешивать с разными популяциями; или, наконец, он может быть либо однородным и концентрированным, либо смешанным. Например, в некоторых регионах Демократической Республики Конго рассредоточение и смешение являются наиболее распространенными формами расположения. Например, пеулы или фулани живут почти по всей Африке: в Нигере, Нигерии, Сенегале, Чаде, Центральноафриканской Республике, Судане, Гвинее и северном Камеруне.В случае такой этнической группы трудно или даже невозможно провести четкие границы.

Исторический подход использует время, чтобы отличить художественные творения прошлого от творений настоящего. Но стандартные исторические ориентиры не учитывают преемственности африканского художественного творчества или ритма жизни в Африке. Они не допускают существования множественных идентичностей в африканском художественном творчестве.

Функциональный анализ объектов, ставших эстетическими объектами, также сопряжен с проблемами.В музеях такие предметы служат доказательством разных контекстов, мест и времен. Но в этом процессе деконтекстуализации и реконтекстуализации они приобретают новое значение и теряют свой первоначальный смысл. Выставленный в музее традиционный объект теряет свое «функциональное бытие» и становится «существом, создающим смысл» — смысл, приписываемый коллекционеру или куратору.

Все это объясняет, почему в дальнейшем, если я говорю о племенах или африканских этнических группах, я призываю их только для того, чтобы следовать условным выражениям и классификациям.Однако вслед за Чейком Анта Диопом я предпочитаю изучать классическое африканское искусство, начиная с различных стилей африканской пластики. Я подхожу к классическому искусству не с точки зрения исторической преемственности форм, ни через используемые предметы или материалы (терракота, дерево, металл, кожа, ткань, бисероплетение и т. д.), ни через его утилитарную или декоративную функцию, но с точки зрения стиля.

Я знаю, что вопрос об африканских стилях сложен; существует множество африканских искусств и множество стилей, более или менее соответствующих различным этническим группам или королевствам.Каждый стиль реализуется через определенные формы. К истории африканского искусства подходят обобщенно — и ошибочно — исходя из этнического происхождения его предметов. Часто считалось, что африканское искусство представляет собой только традицию. Но африканская художественная реальность включает в себя стили, которые во многом превосходят их этническое происхождение и социально-религиозные традиции. Бывает, что многое в этом классическом искусстве не проистекает из религиозных практик. Так, например, происходит в королевском искусстве, прославляющем власть, — в портретах королей, прославляющих правителя.

Классическое африканское искусство чрезвычайно разнообразно. Это эссе направлено на то, чтобы понять разнообразие классического африканского искусства, изучая его различные стили. Моя сфера деятельности не распространяется на современное африканское искусство или, другими словами, на художественные выражения, родившиеся после Второй мировой войны (1945 г.), а скорее фокусируется на доколониальном африканском искусстве или художественном производстве, существовавшем до шестнадцатого века, другими словами. , до начала более широких контактов Африки с Западом.Объекты, изучаемые здесь, чаще всего были обнаружены в ходе археологии. Если на Западе термин «классический» относится к стилям Древней Греции и Рима, характеризующимся понятиями элегантности, гармонии, композиции, пропорций и перспективы, то в странах Африки к югу от Сахары он относится к тому, что обычно называют l’. арт негр.

В своей работе здесь я различаю два основных направления: реалистическое, или натуралистическое, и экспрессионистское, или геометрическое.

1. Археологические открытия

Плодотворные археологические исследования, проведенные в двадцатом веке, обнаружили огромное количество каменных, терракотовых и бронзовых скульптур в различных районах центральной и западной Африки.Но именно в Нигерии была найдена самая старая африканская скульптура. Нигерийские художники создавали прекрасные произведения из самых разных материалов: терракоты, бронзы, дерева, камня, слоновой кости и т. д.

коллекция, единственная в своем роде, терракотовых скульптур, датируемых 2000-2500 лет назад. Первые проявления этого художественного выражения были обнаружены недалеко от Нока, деревни, расположенной к северу от слияния рек Нигер и Бенуэ в центральной Нигерии, которая дала название доисторической культуре, имевшей первостепенное значение в эволюции африканской скульптуры.(Культура была названа Фаггом, который понял историческое значение открытия.) Искусство Нок известно чистотой своих форм, геометрической обработкой глаз и бровей и техникой перфорации глаз, ноздрей, ушей и губ. .

Скульптура «Нок» изготовлена ​​из терракоты. Головы в их почти естественном величии, кажется, принадлежали статуям, изображающим человеческое тело: «Они тщательно отглажены; закалка, сделанная из щебня, появляется только там, где поверхность изношена.Есть также несколько фигурок животных, включая слонов и обезьян. Форма этих статуй далеко не одинакова».[3] Терракоты Нок составляют древнейшую африканскую традицию , стиль которой приближается к натурализму . Их восстановление позволяет изучать художественные традиции, школы и движения, возникшие в этом регионе Африки. Великие школы Ифе, Бенина, Ово, Ибо и других местных нигерийских традиций скульптуры из камня, слоновой кости, металла или глины действительно могут связать свою генеалогию с терракотой Нок, которая представляет собой законный, заслуживающий доверия архетип. .Мы вернемся к этим другим народам и их отношению к культуре Нок.

Как правило, эти терракотовые фигуры изображают людей, животных, растения и т. д. Люди занимают центральное место и принимают различные позы: стоят, стоят на коленях, преклоняют колени или сидят. Они часто являются ритуальными объектами или делаются в память о королях, королевах и религиозных деятелях, одетых в религиозные одежды.

Декоративные бусы статуй и изящные прически привлекают внимание наблюдателя и подводят нас к пониманию, что это развитое искусство.Художники Нока обладали техническими знаниями, необходимыми для придания формы и отверждения глины. Они знали свойства своих материалов, обладали ноу-хау и ловкостью, необходимыми для создания этих терракотовых произведений с их большой художественной ценностью. Жесты, позы, инструменты и прически фигур были определены в соответствии с нормами, установленными определенными кодексами.[4]

Терракотовая человеческая голова размером 33,8 см, датируемая пятым веком до нашей эры, выставлена ​​в Национальном музее Нигерии.Обнаруженная недалеко от Нока в 1954 году на глубине четырех метров, эта человеческая голова

имеет удлиненную форму, выпуклые треугольные глаза, большие приплюснутые ноздри и открытый рот с широкими губами. Волосы уложены в типичном стиле для голов Нок, в узлах, напоминающих современные нигерийские прически. Отверстия, пробитые в глиняном слое, пробитые у зрачков и ноздрей, под глазами, у рта и пучки волос на макушке с большим мастерством интегрированы в художественный стиль изделия.[5]

Все это снова позволяет нам увидеть, что общество Нок практиковало сложное искусство: его художники обладали техническими знаниями для придания формы и обработки глины. У них были средства, необходимые для создания произведений с большой художественной ценностью.

В ходе раскопок 1959 и 1964 годов английский археолог Терстен Шоу обнаружил артефакты культуры ибо, датируемые девятым-десятым веками. Омотосо Элуеми [6] предполагает, что эти предметы представляют собой древнейшие изделия из бронзы, изготовленные в странах Африки к югу от Сахары «с помощью техники выплавляемых восков».Эти изделия из бронзы имеют естественные формы и искусно декорированные поверхности. Их стиль свидетельствует о высоком художественном уровне ибо и очень сложной технике обработки металла. Эти предметы, изготовленные «сложным искусством» из бронзы, калебаса, керамики и бисера[7] и представляющие собой оружие, украшения, знаки отличия, ритуальные сосуды или металлические орудия, свидетельствуют о богатой и сложной художественной деятельности ибо. Среди шедевров искусства ибо — «Церемониальная чаша», датируемая девятым-десятым веками нашей эры и находящаяся на выставке в Нигерийском национальном музее.Бронза с высоким содержанием свинца, длина 35 см. Объект искусно украшен геометрическими мотивами.[8] В Национальном музее также хранится церемониальная ваза в виде гигантской раковины улитки, датируемая также девятым-десятым веками нашей эры. Это также бронза с высоким процентным содержанием свинца; его размер составляет 29 см, он украшен геометрическим орнаментом.[9]

Многочисленные скульптуры были обнаружены в 1933 году в Эсио, нигерийском городе на западном берегу Нигера; на них изображены мужчины, женщины и дети, а также животные.Они выставлены в музее Esiẹ. Местный миф гласит, что эти скульптуры представляют иностранцев, которых божественные силы превратили в камень, чтобы наказать их за то, что они оскорбили царя Эсиха. Эти скульптуры, созданные между одиннадцатым и четырнадцатым веками, украшены бусами и браслетами. Художественный стиль разнообразен.[10]

Раскопки в некрополе Бура-Асинда-Сикка, к северо-востоку от Ниамея, в Нигере, выявили одно из самых важных открытий в африканской археологии: погребенные скелеты, увенчанные человеческими фигурами или всадниками, датируемые между третьим и одиннадцатым веками. века А.D. Две из этих фигур хранятся в Институте исследований в области гуманитарных наук (IRSH) в Ниамее. Они оба из терракоты и изображают всадников. Одна, размером 62 см, тщательно украшена и предполагает удивительную вертикальность из-за ненормального приподнятия головы животного. На другой, 28 см, изображена человеческая фигура, тело которой покрыто драгоценностями.[11]

Многочисленные керамические и терракотовые предметы были обнаружены в Калабаре, на крайнем юго-востоке Нигерии: вазы и сосуды, человеческие головы, статуэтки, подголовники, полированные каменные топоры, браслеты и раковины, все великолепно украшенные и датируемые между пятым до десятого века А.D. В конце 1990-х Экпо Эйо и его команда из Мэрилендского университета обнаружили многочисленные терракотовые подголовники, статуэтки и богато украшенные вазы. Один из этих подголовников в форме каноэ, хранящийся в Национальном музее Калабара, датируется примерно 445 годом нашей эры и имеет размеры 44,5 см. Его конфигурация свидетельствует о мастерстве художника в сложной технике. Другой подголовник, датируемый 1100 годом нашей эры, хранится в том же музее. Его цилиндрическая форма и геометрические мотивы придают ему большую эстетическую ценность.[12]

В Нигерии цивилизация Нок — старейшая известная цивилизация к югу от Сахары — датируется периодом между 500 г. до н.э. и 200 г. н.э. Набор предметов, найденных на глубине 6-8 метров, включает украшения из бисера, украшения, а главное, терракотовые статуи, среди них фрагмент коленопреклоненного тела, голова с прической с пятью узлами, бородатый статуя со шрамами на лице и головой обезьяны. Эти фигуративные терракотовые работы свидетельствуют о связном стиле, которого больше нигде нет: слегка геометрическая обработка головы, иногда сферической, а иногда в форме конуса или цилиндра, и совершенство глаз, ноздрей и ушей.В то время контактов с иностранцами практически не было. Но перед лицом технического совершенства художников Нока некоторые другие исследователи не нашли другого объяснения, кроме того, что эти работы должны были быть разработаны на основе элементов, происходящих из других мест. В конце концов, однако, следует признать, что эти древние произведения из Ганы, Бенина, Кот-д’Ивуара, саванны Судана и экваториальных лесов Центральной Африки — африканские.

Первые признаки художественной деятельности в Африке относятся к очень далекому прошлому: многие памятники относятся к периоду среднего палеолита (между 100000 и 3500 годами до н.э.) и имеют отметки красной охрой.[13] Эта охра, вероятно, служила для окраски украшений, инструментов и гробниц. Мы часто находим инструменты и украшения утилитарных предметов с такой маркировкой. В еще более далеком прошлом, все еще в Африке, на стоянках, датируемых 200000 и 500000 годами до нашей эры, исследователи утверждали, что симметричные конфигурации кремневых огранок свидетельствуют об определенном эстетическом смысле.

В своей коллективной работе Искусство Африки: 7000 лет африканского искусства, Эцио Бассани, Омотоасо Элуйеми, Виолата И. Экпо и Жан-Луи Подра (2005) намеревались изучить и объяснить африканское художественное творчество прошлых веков. , по крайней мере частично.Первый раздел книги начинается с описания творений суданских цивилизаций, расположенных на полпути между древним Египтом и Африкой к югу от Сахары.[15] К ним относятся очень старые художественные произведения из камня и терракоты, датируемые пятым-четвертым тысячелетиями до нашей эры, а также другие каменные предметы цивилизации Мероэ, второго-третьего веков нашей эры. показать «самую богатую и наиболее убедительную панораму африканского искусства» (29): терракота Нок (V век до н.до пятого века нашей эры), бронзы Ибо (с первого по десятый века нашей эры), бронзы и терракоты Ифе (двенадцатый-пятнадцатый века нашей эры), бронзовые фигуры Тада и Джебба (четырнадцатый по шестнадцатый века нашей эры), произведения из историческое королевство Бенин (пятнадцатый-восемнадцатый века нашей эры) и терракоты Ово (пятнадцатый век нашей эры).

В Нигере в ходе раскопок были обнаружены терракоты Бура-Асинда-Сикка (третий-одиннадцатый века нашей эры), фигуры из мыльного камня в Сьерра-Леоне (пятнадцатый-шестнадцатый века нашей эры.э.), скульптуры из мягкого камня в Зимбабве (XII-XV вв. н.э.).

В ходе своих исследований региона Тассили в Сахаре Анри Лоте обнаружил множество наскальных рисунков, некоторые из которых содержат символы и маски, похожие на маски западноафриканских племен.[16] Тщательное изучение этих работ подтвердило существование разных периодов и стилей, основанных, например, на изображениях животных, которые с тех пор исчезли из региона Сахары, таких как слон, носорог и, в частности, тип буйвола. , Bubalus antiquus (около 5000 лет до н.С.). Сцены, изображающие домашних животных, таких как коровы, быки и козы, относятся к более поздней эпохе. Там мы видим надрезы, перфорации и царапины. Картины также присутствуют на участках с большими стенами из гладкой скалы. Самые старые картины Тассили датируются примерно 5400 лет до н.э. Картины, например те, где люди в масках смешиваются с буйволами и коровами, датируются 3500 годом до нашей эры. Сцены с изображением коров и овец были сделаны около 2600 г. до н.э., а изображения всадников – примерно 1200 г. до н.э.C. В большом регионе, простирающемся от крайнего юга Африки до реки Самбезе, каменные стены и уступы украшены изображениями различных людей и животных. Они имеют сильное сходство с найденными в районе Сахары и обнаруженными в центре Танзании.

Производство этого вида работ, древнейшие из которых относятся к эпохе неолита, продолжается и по сей день. Мы точно знаем, что самые современные сцены были созданы народом сан, группой охотников-собирателей кхукхэн.В девятнадцатом веке сан еще расписывали стены своих пещер и хижин; эти изобразительные достижения с их магическим характером были предназначены для помощи в охоте на изображенных животных. Помимо рисования новых сцен, художники также ретушировали и перекрашивали уже сделанные ранее. Самые яркие из этих сцен, такие как изображения животных, пойманных в ловушку, или людей в движении, были завершены между 1800 и 1600 годами до нашей эры; более старые, вероятно, расположены между 3000 и 2500 годами до н.С. [18]

2. Ифе и Бенин Реализм

Термин «реализм» здесь относится ко всем формам репрезентативного искусства, характеризующимся поиском реальной, повседневной жизни и объективного изображения мира. Художники-реалисты, озабоченные истинным, обычно показывают действительное, не идеализируя его. «Наиболее типичной реалистической школой в Африке, согласно нашим нынешним знаниям (за пределами Египта), безусловно, является школа Ифе, давшая начало школе Бенина. Он известен своими работами из терракоты, камня и бронзы […].Для него характерны реализм, безмятежность и уравновешенность»[19]. Это также религиозная столица, где проживал Они, или божественный царь. Йоруба формировали свои королевства с начала пятнадцатого века. Их религия основана на поклонении олицетворенному божеству, которого можно вызвать и расспросить через оракула, чьи ответы интерпретируются провидцами.Именно в изображении этих божеств искусство йоруба, наследующее скульптурные традиции Ифе и Бенина, достигает своего самого прекрасного выражения. Богиня Одудува, которую символизирует женщина, дающая грудь своему ребенку, носит королевскую корону. Бог Олорун иногда принимает облик морского божества, как показывают некоторые изображения, в которых проситель предлагает ему коробку с предметами для гадания. Шанго, бог грома и сражений, появляется в виде всадника, вооруженного копьем.

Йоруба также придают особое значение близнецам. Если один из близнецов только что умер, мать приказывает создать статую (ибеджи), изображающую мертвого ребенка, о котором она заботится так же, как и о живых. После смерти матери выживший ребенок, в свою очередь, позаботится об ибеджи. Если оба близнеца умирают, мать поступает так же с двумя статуями, объектами поклонения.

Искусство Ифе и Бенина выражалось в изображении более или менее исторических персонажей.Искусство Ифе включает работы из терракоты и бронзы (головы и бюсты), а также каменную скульптуру (табуреты и культовые предметы из кварца, монументальные гранитные монолиты, статуэтки людей и животных).

Эта цивилизация Ифе является продолжением цивилизации йоруба. Искусство, которое позже станет известным в Бенине, следует за этим искусством бронзы. Это искусство, практика, эволюция и, наконец, упадок которого связаны с судьбой королевской семьи, ее ценностями, политической и экономической историей государства.Бронзы, установленные на колоннах во внутренних дворах дворца, образуют хронику, изображающую наиболее важные события гражданской, религиозной и военной жизни короля и его двора. Производство бенинского искусства поддерживалось политическими и социальными структурами.

В своих ритуальных практиках люди Ифе продолжают использовать одни и те же предметы. Традиция литья бронзы существовала в Ифе задолго до первых контактов с Европой в конце пятнадцатого века. С помощью научных тестов найденные Львом Фробениусом предметы были датированы двенадцатым-пятнадцатым веками.[20] Раскопки Грэма Конома привели к выводу, что уже в тринадцатом веке бенинские кузнецы переплавляли бронзовые стержни и превращали их в браслеты.

«Школа Бенина известна прежде всего своими бронзовыми фигурами: вооруженными солдатами, портретами королей в высоких коралловых воротниках и членов королевской семьи; а также за его скульптуры из слоновой кости, скульптурные бивни, рассказывающие историю короля, или маски». [21] Исторически королевства Ифе и Бенин были связаны политическими и художественными традициями.Примерно в тринадцатом веке из Ифе прибыл Игуэйга, плавильщик, который научил бини искусству изготовления бронзы. Художники бини создавали различные предметы из слоновой кости, железа, дерева и бисера, но прежде всего статуи, головы и бронзовые бляшки свидетельствуют об эволюции их искусства. До конца четырнадцатого века искусство Бенина все еще зависело от Ифе. Между пятнадцатым и шестнадцатым веками художественное производство в Бенине обогатилось появлением новых форм искусства из бронзы и слоновой кости: бронзовые дощечки, на которых изображалась жизнь двора и его военные победы, бронзовые головы в память об умерших королях и королевах. -матери, трофейные головы также из бронзы в память о военных победах, бронзовые фигуры придворных чиновников, украшавших дворец и его святыни, а также драгоценные знаки отличия из бронзы и слоновой кости, которыми аристократы украшали себя во время государственных церемоний.

В период с конца шестнадцатого до начала восемнадцатого века произведения были посвящены славе королевской фигуры. Красивая бронзовая голова, предназначенная для украшения алтаря царственных предков и датируемая шестнадцатым веком, хранится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке. Une belle tete de la reine-mère [Прекрасная голова королевы-матери], датируемая шестнадцатым веком нашей эры, выставлена ​​в Нигерийском национальном музее в Лагосе. Он вылеплен из бронзы и имеет размеры 51.5 см. Эта работа входит в число самых известных бронзовых голов Бенина. Его высокая коническая прическа и ожерелье из бисера являются частью знаков различия, принадлежащих рангу королевы-матери (Ийоба). Характерные рубцы на лице бенинцев над надбровными дугами и носом (две вертикальные линии) практикуются во время определенных религиозных церемоний.

Пара леопардов [Пара леопардов] выставлена ​​в том же музее. Размер одного 50,5 см, другого 49,3 см. В своем реализме скульптуры изображают анатомию леопарда, грациозная свирепость которого особенно выражается через изображение зубов и глаз.У Оба (король) была монополия на литье из бронзы, а также на обработку слоновой кости и кораллов. В многочисленных святынях дворца находились памятные бюсты и другие фигуры, предназначенные для украшения алтарей, ритуальных табуретов и сосудов, а также фигурки животных, символизирующие власть короля.

Упадок искусства бронзы начался в конце семнадцатого века с английской экспедиции в 1897 году. А поскольку совершенство техники литья по выплавляемым моделям в Бенине необычно, в его книге [ Африканские племена и цивилизации ] Герман Бауманн серьезно считал (как и многие другие эксперты в других местах), что мастера должны были прийти из Индии или Европы.Но он вернулся к этим гипотезам после того, как узнал, что промышленность достигла высокого уровня совершенства в Бенине, а также узнал, что в этом регионе всегда было много мастеров по бронзе. Поэтому он дистанцировался от мысли, что бенинские бронзы могли возникнуть под иностранным влиянием (европейским или индийским): либо Европа, либо индийский регион.Родина техники выплавляемого воска, область действия которой простиралась от востока Либерии до земель Бамума, очевидно, находится внутри Судана, а затем и дальше на север.[24]

Но это не мешает ему утверждать, что бенинские кувшины с ручками, датируемые между 1500 и 1575 годами, являются копиями западноевропейских моделей шестнадцатого века, и что мармитовые барабаны Ибо, Иджо и Ева и, вероятно, также Барабаны из калебаса Ибо, Агнис, Аканс и Гас имеют палео-средиземноморское происхождение.В общем, Бауманн объясняет мельчайшие детали африканского художественного творчества вмешательством так называемых «хамитов» и европейцев.[25]

Бенин и Гана являются домом для племен, культура которых напоминает нигерийскую: фон и ашанти . В начале XVII века Фон образовали королевство Дагомея (современная республика Бенин). Искусство йоруба оказало такое глубокое влияние на фон, что иногда бывает трудно отличить маску фон от ее эквивалента йоруба.Ашанти, населяющие центр Ганы, основали свою республику в семнадцатом веке. Изобилие золота в этом королевстве привело к очень красивому ювелирному делу, что проявляется в маленьких масках, статуях, драгоценностях, чашах и табуретах, сделанных из золота с использованием техники выплавляемого воска. Ашанти также обладают замечательными навыками ткачества, которым они занимаются из хлопка и шелка.

Что касается совершенства этих предметов искусства Ашанти, в «À propos des Kuduo Ashanti» [«Об Ашанти Кудуо»] Дениз Польме задается вопросом, «как шедевры такой тонкой техники могли быть реализованы без совета и влияния чужая цивилизация — западная цивилизация.Она цитирует Р.С. Рэттрея, который в своей первой книге об обществе ашанти задавался вопросом, могли ли такие драгоценные предметы быть созданы в самой стране: «достоверно, — пишет она, — что форма некоторых сосудов и украшения почти всех из них содержат напоминания, которые представляют собой нечто иное, чем чисто африканское искусство». интегрированы в их цивилизацию, чтобы формировать объекты, которые мы можем определенно причислить к их шедеврам.[27] Подобные оценочные суждения, сопровождающие каждое утверждение о богатом разнообразии африканского художественного творчества, в конечном счете лишь свидетельствуют о состоянии интеллектуального беспорядка.

Другие реалистические стили включают стили Ово и Сапи, существовавшие между пятнадцатым и семнадцатым веками. Раскопки, предпринятые в Ово, древнем городе, расположенном на восточной границе земель йоруба, на полпути между Ифе и Бенином, показывают, что «искусство Ово представляет собой недостающее звено между искусством Ифе и Бенина».[28] Найденные предметы датируются периодом между ними. тринадцатом и шестнадцатом веках.Техника изготовления терракоты Ово восходит к традиции Ифе. Раскопки под руководством Экпо Эйо в 1971 году привели к обнаружению большого количества культурно ценных произведений, изображающих людей и животных из терракоты, топоров из полированного камня, каури, пальмовых орехов и фрагментов металлических гонгов. Эти останки являются признаком богатства, которое, кажется, указывает на присутствие королевской династии. Они также рассматриваются в связи с культом Оронсе и его поклонением. Этот культ, вероятно, зародился около 1340 года, во время правления олово (короля) Ререгенджена.Этот король женился на очень красивой Оронсе, в которой, согласно мифу, сосуществовали человеческая и духовная природа. Из духовного мира Оронсе пообещал защитить Олово и его людей при условии принесения ей обильных человеческих и животных жертвоприношений.

Очень красивый Owo Pendentif [нагрудный кулон] выставлен в Национальном музее Нигерии в Лагосе. Он датируется пятнадцатым веком нашей эры и имеет размеры 28,4 см. Это «бронзовый нагрудник-подвеска в виде бараньей головы; зрачки подчеркнуты железными вставками в бенинском стиле.[30] Древнее искусство Ово в целом воспроизводит темы классического стиля Ифе четырнадцатого века. Хотя они были созданы на месте, некоторые терракотовые произведения искусства Ово напоминают черты искусства Ифе, в то время как другие напоминают работы Бенина на формальном и концептуальном уровне. Искусство Ово характеризуется работами из терракоты и скульптурами из слоновой кости.

Сапи, древний народ, живший в Сьерра-Леоне, производил фигуры и головы людей и животных, скромные по размеру, но концептуально монументальные.По мнению специалистов, эти предметы предшествуют первым контактам с европейцами. В коллекции Марио Менегини мы находим удивительную фигуру вождя сапи : фигуру из мягкого камня (мыльного камня) размером 27 см, датируемую пятнадцатым-шестнадцатым веками. Эта фигура обладает впечатляющей монументальностью; это символическое изображение вождя с его оружием и знаками власти. Размеры и исключительная плотность формы делают работу еще более яркой, подчеркивая авторитет изображенного человека.Две фигуры Сапи, сидящие спиной к спине, также хранятся в той же коллекции. Они датируются пятнадцатым-шестнадцатым веками, имеют размер 23 см и также сделаны из мягкого камня (мыльного камня). Искусное построение объема больших голов и тел двух фигур, соединенных сзади, придает большую ценность этой изначальной паре, чья выразительная сила и величественность остаются нетронутыми.

Столкнувшись с совершенством и повышенным реализмом этих произведений Ифе, некоторые исследователи (например, Лео Фробениус) стремились определить их греческое происхождение.По их мнению, Бенин не смог бы создавать работы в «классическом» стиле, столь отличающемся от типов человеческих фигур, характерных для искусства стран Африки к югу от Сахары. Тем не менее, техника литья бронзы была обнаружена в Ифе, начиная со второго тысячелетия нашей эры. Терракоты, обнаруженные в 1963 году, датируются 1060 годом, а это означает, что искусство Ифе «явно предшествовало приходу португальцев в Бенин» [31] (Jacques Maquet, 1995).

Повышенный реализм человеческого изображения, происхождение которого ищут в Греции, Карфагене, Индии и Португалии, объясняется, скорее всего, необходимостью прославления местных царей [.…] Моделирование практиковалось в Нигерии, начиная с первого тысячелетия до нашей эры, о чем свидетельствует открытие в 1943 году цивилизации Нок недалеко от горнодобывающего центра Джос. Двадцать или около того мест, датируемых десятым-третьим веками до нашей эры, дали нам керамические скульптуры, реализм которых является прообразом стилей Ифе. Более того, в Ифе ст. Окончательно нокское железоделие фиксируется с конца III в. до н.э.

Бронзы Ифе датируются, скорее всего, началом второго тысячелетия до нашей эры.D. Терракоты, обнаруженные в 1963 г., удалось идентифицировать с помощью радиоуглеродного анализа. В результате получилась дата 1060 год, плюс-минус сто лет. Таким образом, это искусство явно предшествовало приходу португальцев в Бенин.

Таким образом, было бы абсурдно искать средиземноморское происхождение произведений искусства, созданных в Бенине. После открытий Фробениуса в последующие годы исследователи, такие как Фрэнк Уиллет, Бернард Фагг, Экпо Эйо, Питер Гарлейк и Оливье Майерс, обнаружили бронзовые и терракотовые скульптуры, которые были погребальными или религиозными предметами, а также керамическую плитку.[32] В Национальном музее Ифе хранится Tête d’Oni (Голова Они) из латуни и золота размером 28 см. Он датируется двенадцатым-пятнадцатым веками нашей эры. Отверстия, видимые на голове, служат для крепления королевской короны; те вокруг рта и на щеках предназначались для «закрепления расшитой бисером вуали, предназначенной для того, чтобы скрыть нижнюю часть лица царя», а те, что вокруг шеи, «для закрепления головы на деревянном симулякре, когда она публично выставлялась во время церемоний. [33] В том же музее мы можем видеть и верхнюю половину фигурки Они.Датируемый пятнадцатым-шестнадцатым веками нашей эры, он изготовлен из латуни с высоким содержанием свинца и имеет размеры 37,3 см. Названный «Они Лафогидо», это одно из самых красивых изделий из нигерийской бронзы.

Все эти предметы свидетельствуют о мастерстве художников королевства Ифе. Эти изделия из бронзы, выполненные в технике выплавляемых восков, являются художественным подвигом. Прежде чем исчезнуть примерно в четырнадцатом веке, эта техника была передана в королевство Бенин.

3. Реалистичные стили бакула, гуро, бауле, ибибио, экои, биджаго и игбо

Такой же чистый реализм, как реализм бенин и ифе, также характеризует деревянные предметы, изготовленные школой бакуба в центральном Конго.В Центральной Африке скульптуры легли в основу необычайно красивых произведений, в том числе великолепных достижений куба (или бакуба) в Конго (бывший Заир), которые говорят на языке банту и живут в провинции Касаи, области, ограниченной рекой Касаи. и его приток Санкуру. Согласно их традициям, они пришли с Запада и были изгнаны из Кванго в шестнадцатом веке вторжением джага; ранее они жили недалеко от Атлантического океана. В конголезском королевстве Бакуба статуи часто несут на себе отличительные знаки королевской семьи.

Короли определяются объектами или мотивами, уникальными для них, которые связаны с событиями, которые произошли во время их правления или которые относятся к их биографиям. Эти события представлены емким образом, относящимся не столько к отдельному человеку, сколько к нации и ее отношению к царю.

Бакуба известны своими скульптурами и тканями. Их статуи представляют собой мифические ценности и помещают их в линию исторической преемственности; идеи постепенно переходят в область истории.Это изменение бросается в глаза и в других областях культуры. Бакуба придают большое значение истории своего народа. Их повелитель — хранитель всей человеческой и космической жизни. Он является краеугольным камнем общества и вселенной, а изображения олицетворяют его.

Конголезские художники создали прекрасные изделия из слоновой кости. Красивый рог из слоновой кости с геометрическим орнаментом хранится во Флоренции, в Museo degli argenti e delle porcellane . Орнамент, тонко выгравированный на инструменте и мастерски раскинувшийся по пространству в виде спирали на его конической поверхности, свидетельствует о руке виртуоза, в совершенстве владеющего своим материалом.Мотивы, которые мы также находим в скульптуре, а также в татуировках, принадлежат фигуральному наследию двух Конго, которое восходит к далекому прошлому, задолго до их контакта с европейцами или арабами.

В своей статье «L’art plastique chez les Bapende» Жан ван ден Босше считает, что изделия из слоновой кости представляют собой «важный арабский импорт в Бельгийское Конго». [34] Комментируя этот тезис, Шейх Анта Диоп отмечает: ирония: «Центральная Африка, родина слона, не получила бы даже моральной выгоды от работы с слоновой костью; эта техника должна быть импортирована из аравийской пустыни!»[35]

Куба славятся своими скульптурами.Они ваяли прекрасные портреты своих правителей, которые изображены со скрещенными ногами и полуопущенными веками в бесстрастной позе. Самая старая из найденных сегодня скульптур, датируемая семнадцатым веком, хранится в нью-йоркском Бруклинском музее. Бытовые предметы хорошо сделаны и украшены разнообразными геометрическими формами. У них есть специальный сосуд для каждого вида посуды, несколько категорий корзин для разных целей, футляры для бритв, шляпные коробки и красиво вышитые юбки из рафии.Куба лепили табуретки, стулья, чашки, трубки и барабаны, которые украшали орнаментальными узорами. Красивая деревянная скульптура Bom Bosh датируется примерно 1650 годом и также находится в Бруклинском музее.

Гуро — племя, проживающее в центрально-западной части Кот-д’Ивуара. Они известны яркими красочными масками, используемыми для ритуальных практик. «Стиль гуро характеризуется работами, изображающими узкие лица с острыми, тонкими чертами. Голову иногда венчает птица.Мы находим маски, шкивы для ткацких станков и (реже) статуи[36]». Скульптуры Гуро памятны и повествовательны. Для него характерны изогнутые ноги, прямая грудь и объемный бюст, длинная шея под овальной головой, круглые щеки, овальные глаза, высокие верхние веки и плавные дуги бровей, рельефные келоиды на щелях губ, лбу, шее и спину, а также нацарапано на изображаемом лице.

Бауле , проживающие в Кот-д’Ивуаре на границе Республики Бенин (ранее Дагомея), производили гири в виде статуй и золотых украшений, а также изделия из бронзы или меди, аналогичные к представителям ашанти.Они также имеют тенденцию украшать ритуальные предметы и всевозможную мебель или архитектурные элементы: колонны, дверные перемычки, табуреты, чашки, барабаны, ложки, гребни и веретена. Фигуры предков бауле также являются замечательными образцами африканского искусства.

Ibibio , племя, живущее на юго-востоке Нигерии, Ганы, Камеруна и Экваториальной Гвинеи, также создало удивительные изображения своих предков с подвижными руками и ногами, а также с шарнирными масками и челюстями. Их очень выразительные маски называются Идиок и представляют собой духов.Они вырезаны из твердого коричневого дерева и полностью окрашены в черный цвет.

Экои , племя, живущее на юге Нигерии и западе Камеруна, очень близко к ибибио. Раньше они производили замечательные маски, которые закрывали танцору всю голову и ниспадали на плечи; эти маски представляли собой человеческое лицо с огромными широко открытыми глазами, большим носом и открытым ртом, из которого можно было увидеть набор деревянных или металлических зубов. Некоторые из их древних масок считаются одними из самых красивых африканских произведений искусства.

Биджаго — племя, обосновавшееся на островах архипелага Биджаго, вдоль побережья Гвинеи-Бисау. Их художественный стиль уникален. Он включает в себя множество предметов повседневного использования (рыбалка, сельское хозяйство), личного пользования (табуреты, плетеные изделия) и ритуальных практик (святыни предков, маски). Их маски, часто используемые для церемоний инициации возрастных групп, принимают форму полорогих, а также акул или рыб.

Для игбо , к западу от болот дельты Нигера похороны являются поводом для величайших церемоний.Для стиля игбо характерны работы по выплавляемым моделям из меди и бронзы. Бронзовые изделия игбо, обнаруженные и датированные девятым веком, свидетельствуют о высоком уровне технического мастерства. Во время погребальных обрядов игбо носят выкрашенные в белый цвет маски с замысловатыми головными уборами. Они также практикуют ряд церемоний плодородия, во время которых носят маски, символизирующие женский пол. Скульпторы делают из дерева маски, статуэтки, табуретки и корзины. Статуэтки из глины на бамбуковом каркасе представляют собой менее известное искусство.Игбо поклонялись природным силам: солнцу, воде, небу и всему Эль, земле, источнику плодородия и, таким образом, владельцу всего, что живет и проживается. Жаке Маке рассказывает нам, что Але приказал голосом бога построить дом: квадратный и открытый со всех четырех сторон, покрытый цинковой крышей и часто единственный в деревне. Глиняное изображение Але с ребенком на руках стояло в центре мбари . На другой его стороне находился Амади-Оха , бог грома, помощник Але .Третьей важной фигурой была богиня воды с ее тонкими чертами лица. Удав, фирменное животное Эль , всегда находился в доме. Художники игбо могли свободно воображать изготовление всех остальных статуэток, заполнявших мбари. [37]

4. Другие реалистические стили: Мпонгве, Бена Лулуа, Сао, Азанде, Мангбету, Кую, Батеке, Ибо

Мпонгве — жители Центральной Африки, проживающие в Габоне. В Nations Nègres et Culture, Cheikh Anta Diop поясняется, что «стиль Понгве характеризуется работами, демонстрирующими тонкий реализм, с особыми прическами и фигурами, окрашенными в белый цвет в какую-то относительно недавнюю эпоху.[38] Эти работы иногда имеют косые глаза.

Бена-Лулуа , , которые также живут в Конго (ранее Заир), известны прежде всего удивительным разнообразием их фигур и украшений, прекрасными иллюстрациями африканского искусства в его самом мощном проявлении. Очень красивая Mortier pour le chanvre [Конопляная ступка ], вылепленная из дерева, хранится в парижском Музее человека.

Сао — древнее население Центральной Африки, которое проживало в некоторых частях современного Камеруна, Чада и Нигерии.Сао в совершенстве владели глиной и керамикой и преуспели в изготовлении домашней и религиозной мебели, такой как вазы всех форм, печи с вентиляционными отверстиями, горшки, драгоценности, игрушки и денежные символы. Медь плавили по выплавляемым моделям. Голова из терракоты Сан, датируемая девятым-одиннадцатым веками, хранится в Музее естественной истории Ла-Рошели, Франция.

азанде (или азанде ) — народ, проживающий в Демократической Республике Конго, Центральноафриканской Республике и западной части Южного Судана.Для своих социально-религиозных ритуалов они используют статуи под названием «Янда». Эти антропоморфные и зооморфные статуэтки изготовлены из дерева и терракоты.

Мангбету — племя, живущее на северо-востоке Демократической Республики Конго, чей стиль утонченный и реалистичный. Это художественное произведение, демонстрируемое архитектурой, мебелью, оружием, инструментами, украшениями, украшениями тела, музыкальными инструментами, такими как пятиструнная арфа и мухобойки с ручками из дерева или слоновой кости, обернутыми медной, латунной или железной проволокой, — в основном искусство. двора, предназначенного для вручения королевским семьям во время церемоний, а не как искусство социально-религиозных обрядов.Это также объясняет, почему маски (обычно предназначенные для социально-религиозных церемоний) редко встречаются у мангбету. Головы детей обматывают шнурами из рафии. Эта практика направлена ​​на повышение интеллекта и красоты и восходит к Древнему Египту. Женщины носят краску для тела и шрамы, а также сложные прически с большим разнообразием шпилек из дерева, слоновой кости, железа или меди. Статуи мангбету имеют удлиненную голову с высоким головным убором.

Кую — племя, проживающее в Центральной Африке к западу от Габона, в центре Республики Конго и на западе Демократической Республики Конго.Они создали объекты, удивительные и ошеломляющие благодаря использованию множества цветов. В L’Art des Kouyou-Mbochi de la République populaire du Congo: Tradition artistique et histoire: étude de cas en Afrique équatoriale (1989) Анн-Мари Бенезеш изучает распространение стилей и мотивов кую. Их статуи, будь то женские, мужские, асексуальные или андрогинные, часто имеют покрытые шрамами лица, приоткрытые губы, стертые зубы и выступающие пупки. Они являются частью церемоний djo (бог-змей и создатель мира).

Батеке — племя Центральной Африки, проживающее в Республике Конго, Демократической Республике Конго и на юго-востоке Габона. Их классические статуи обычно имеют выпуклый живот. Они создали маску под названием kidoumou , деревянная часть которой имеет форму диска, окрашенного в яркие цвета.

Искусство Baga (Гвинея) и Bamoun (Камерун) также может быть классифицировано как реалистическое, но имеет экспрессионистские тенденции (форма носа).

5. Искусство африканского экспрессионизма

Реалистическому искусству противостоит экспрессионистское или геометрическое искусство, отличающееся большей свободой и смелостью. Достоинство этого вида искусства состоит в том, что оно позволяет правильно изобразить человеческую фигуру, несмотря на отсутствие какой-либо анатомической правды. Это направление охватывает три стилистические группы, которые Шейх Анта Диоп в Nations nègres et Culture (1954) классифицирует следующим образом: стили с полыми формами, стили с плоскими формами и стили с кубистическими формами.

Стили с полыми формами включают стили Батока (или Кота) и Маконде. Стиль кота (или бакота): кота , или бакота, — это население Центральной Африки, проживающее в восточной части Габона и на границе Республики Конго. Искусство Кота славится фигурами предков и садами-реликвариями, которые часто воспроизводятся. Стиль бакота принимает вогнутые формы. Работы производятся из меди или дерева. Для кота изображения предков представляют собой стилизованные изображения, овальные структуры под перевернутым полумесяцем.Самое удивительное в этих фигурках — тонкие латунные пластины, украшенные геометрическим орнаментом. Голова-реликварий из плетения и латуни хранится в частной коллекции в Милане, а предковая фигура из дерева и меди находится в Британском музее.

Другие стили, в том числе м’бете (Габон), бакуэле (Конго), маконде (Восточная Африка) и махона (замбезе), очень близки к бакота.[40]

Стиль маконде : Маконде — племя в Мозамбике.Они известны своей скульптурой, которая связана с поклонением предкам. Они делают предметы повседневного обихода, такие как ложки, декоративную мебель, кухонную утварь и т. д., а также маски для посвящения для молодых обрезанных мальчиков, вылепленные из светлого дерева и окрашенные в разные цвета. На эти маски, называемые Mapico (форма единственного числа, lipico), изображающие мужские и женские лица, прикреплены человеческие или животные волосы, раковины или кости с губными губами или шрамами. Эта липико-маска находится в музеях по всему миру: в Британском музее, парижском музее набережной Бранли и Музее антропологии в Ванкувере, Канада.

Стили с плоскими формами включают стили догонов, бамбара, фанг и сенуфо. Догоны живут в юго-восточной части излучины Нигера, в гористой местности, называемой откосом Бандиагара; они также известны талантом своих создателей. Согласно традиции, они прибыли из Манде, региона, расположенного к юго-востоку от их нынешнего местонахождения и центра империи Кейта. Говорят, что догоны прибыли на свое нынешнее место, на откос Бандиагара в Мали, между тринадцатым и пятнадцатым веками нашей эры.Д. Они создали богатую мифологию и большие стилизованные скульптуры. Скульптура догонов, включающая в себя маски и статуэтки, прежде всего религиозна. Статуэтки, хранящиеся в семейных святынях, изображают предков или мифических существ. Стили догонов используют плоские формы. «Наиболее типичным стилем является стиль догонов (откос Бандиагара), маски которого имеют прямоугольную форму, нос выступает из вертикальной плоскости лица, а волосы обозначены круглым объемом на лбу». значительный: женский предок выполнен в идеалистической манере, без чопорности; гермафродит Номмо с высоко поднятыми руками верхом на лошади; или старик, чье превращение в змею обозначено деревом, выбранным художником.Большинство масок догонов используются в похоронных обрядах. Как правило, они состоят из «очень стилизованного лица и увенчаны деревянной полосой с резными или перфорированными геометрическими узорами, образующими своего рода строительные леса». а также деревянную танцевальную маску в Музее человека в Париже. Догоны также разработали увлекательную архитектуру, в которой каждый элемент дома носит символический характер, как, например, в случае замков из резного дерева, над которыми изображена стройная птица или пара близнецов, самец и самка.Помимо фигурок, уникальных своим высоким уровнем стилизации, догоны создали работы редкого качества, чья древность была подтверждена, которые представляют собой более узнаваемые анатомии, лицевые разрезы, изящные прически, украшения и швы.

Бамбара , проживающие на территории современного Мали, признаны лучшими скульпторами региона. Для их художественного творчества характерна «стилизация форм, угловатых структур и геометрических орнаментальных мотивов .»[43] Подобно йоруба, они почитают близнецов и представляют своих предков через очень выразительные фигуры. Однако самые эффектные маски Бамбара производятся, чтобы гарантировать плодородие земли. Эти маски под названием Tyi wara , образец которых хранится в нью-йоркской коллекции Anspach, символизируют антилопу, великолепно утонченную и оснащенную длинными рогами, требующими большого мастерства; они прикреплены к голове танцовщицы, одетой в ритуальный костюм.

Для племен манде, даже если художники не изображают признаки политической власти, как в Конго, или персонажей определенной степени исторического значения, как в Ифе и Бенине, искусство все равно связано с обществом.В целом она основана на мифологических фактах, являющихся частью космогонии племен. Действительно, «статуэтки, изготавливаемые племенами Манде, — это иногда джинны, иногда легендарные герои, но не исторические фигуры».[44] Это художественное произведение связывает мифические факты, имеющие отношение к политической и социальной организации, а также к верованиям и мифам, которые составляют их космогонию, а также их демографию: «Цель произведения искусства — утвердить постоянство и актуализировать мифическую систему, которой должна соответствовать земная жизнь.45 Таким образом, как говорит нам Жан Лауд, произведение искусства конкретизирует «философию в досократовском смысле этого слова». 46 , Камерун и Экваториальная Гвинея отличаются своими скульптурами. Их религиозная вселенная основана на поклонении предкам вокруг реликвий прославленных мертвецов клана. Их скульптуры замечательны; они

изображают вогнутый профиль, с выпуклым лбом, слабым подбородком и заостренной бородкой, а глаза полузакрыты в узкие щелочки.От этих творений исходит выражение глубокого созерцания, безмятежности и концентрации. Тела принимают очень вытянутые и почти цилиндрические формы; руки скрещены, скрещены на груди и держат небольшой предмет или кулон вдоль тела. Скульптуры клыков также характеризуются великолепными полированными цветами, полученными путем последовательной обработки дымом и нанесения пальмового масла.

Во время церемоний члены нгил , ритуального объединения защиты Фанг от ведьм и бандитов, носят строгие белые маски с большим круглым лбом над треугольным лицом с маленьким ртом, занимающим его ширину; переносица делится на две круглые надбровные дуги, под которыми находятся узкие глазные щели.Они хранят черепа предков в цилиндрическом реликварии, увенчанном статуэткой из темного дерева или, проще говоря, скульптурной головой. В лицах, вырезанных треугольником, часто больше мягкости и безмятежности, чем в масках. Деревянная статуэтка-реликварий когда-то находилась в Национальном музее африканского и океанического искусства, а статуэтка женского предка находится в Музее человека в Париже. В Буркина-Фасо бобо делают маски, похожие на маски их соседей-догонов. Скульптуры над масками плоские, украшены геометрическими узорами ярких цветов.

У сенуфо , проживающих в Кот-д’Ивуаре, есть скульптура, которая в своих самых красивых образцах напоминает скульптуру бауля. Их маски очень декоративны, с орнаментальными рогами, подвижными челюстями, птичьими клювами и геометрическими узорами. Они входят в число произведений, которые чаще всего воспроизводятся продавцами поддельных предметов африканского искусства. Красивый Senufo Pilon [Pestle] в форме птицы-носорога, используемый в похоронных церемониях для обозначения танцевальных шагов, хранится в Музее человека в Париже.

К этой группе плоского искусства Чейка Анта Диоп добавляет искусство Убанги-Шари . К югу от реки Убанги простирается тропический лес, регион, мало-помалу населенный племенами банту из Великих озер. область, край.

Стили с кубистскими формами включают стили Dan, Basonge и Luba. Мы находим кубистскую группу главным образом с Dan и Basonge. дан — племя в центрально-западной части Кот-д’Ивуара и в северной Либерии.Они известны качеством своих скульптур. Они создают маски с красивой полированной окраской. У них также есть маски, характеризующиеся преувеличением или модификацией форм, с носами в форме клювов или впалыми щеками, из которых выходят рога, в то время как глаза имеют цилиндрическую форму, а лоб пирамидальной формы. Искусство дан характеризуется изготовлением масок посвящения для мальчиков. Эти маски воплощают духовную силу леса, которую даны называют gle. Их статуи изображают знаменитых замужних женщин.

Басонге (сонгье) — народ, проживающий на юго-западе Демократической Республики Конго (бывший Заир). Они создали впечатляющие статуи, часто покрытые шипованным металлом, с удлиненными лицами, округлыми лбами и веками и большими глазами, а также мужские или женские кубистские маски, называемые Kifwebe , используемые в ритуалах; у них сильные черты лица, шрамы, параллельные линии, прямоугольный рот, удлиненный нос и выпученные глаза.Скульпторы Basonge также изготавливают сиденья, табуретки, ступки, чашки и т. д. Скульптуры Songye стилистически очень близки к скульптурам Luba. «Эти две школы характеризуются ярко выраженным кубистским экспрессионизмом. Глаза, рот, нос и даже щеки часто выражены выступающими правильными геометрическими объемами. Геометрический аспект этих работ, в частности, повлиял на современное западное искусство, начиная с кубизма 1907 года». были уничтожены в межплеменных войнах.Люба живут на юго-востоке Конго (бывший Заир) и являются одними из самых ярких представителей африканского искусства. Красивая фигурка женского предка из полированного дерева хранится в Музее человека в Париже. Табуретки в виде обнаженной женщины, стоящей на коленях и несущей на голове сиденье, также относятся к мастерским работам этих людей. Их подголовники — настоящие художественные изобретения, а скульптуры их предков очень деликатны.

Позиция многих искусствоведов и этнологов начала 20 -го -го века по всем направлениям и самым полным образом заключалась в том, чтобы подвергнуть сомнению африканское происхождение искусства стран Африки к югу от Сахары.Глубочайшее стремление ансамбля академических тезисов сводилось к отчаянному желанию отрицать африканское происхождение африканских масок, скульптур и фресок. Почти все они считали африканское происхождение искусства черных африканцев априори невозможным. Они безрезультатно пытались найти внешнее происхождение африканского искусства и приступили к субъективному анализу африканских произведений искусства. В конце концов они, после ряда интеллектуальных вывертов, столь же беспричинных, сколь и умных, погрязли в собственных противоречиях и замазали трудности проблемы, полагая, что таким образом продемонстрировали внешнее происхождение африканского искусства в глазах всех. добросовестные зрители.

Говоря о традиционной африканской архитектуре, в своей работе «Африканская цивилизация » (Париж: Gallimard, 1936) Лео Фробениус утверждает, что глиняные стены происходят из Западной Азии; по его мнению, жилища на сваях, остроконечные хижины и их вариации, а также все дома с протяженными стенами, встречающиеся в эфиопской архитектуре, встречаются и в родственных стилях Юго-Восточной Азии и Меланезии, где мы также встречаем те же типы арочных каркасов и ручки щита. Он даже предполагает, что в Африке коническая крыша и хижина для переселенцев были введены в архитектуру под давлением западноазиатской цивилизации (ср.п. 190). Точно так же М. Ольбрехтс утверждает, что восточное искусство Ба-Луба, представленное большими фигурами нищих или кариатидами, имеет «хамитское» происхождение. Короче говоря, для этих ученых Африка ничего не создала.

В своей книге Les peuples et les civilizations de l’Afrique [Африканские племена и цивилизации] (1948) Герман Бауманн демонстрирует аналогичную тенденцию. По его словам, большинство видов наскальных рисунков и гравюр в Африке связано с работами художников, которые делали наскальные рисунки в восточной Испании (43).Согласно Бауманну, мы находим все еще живущий тип древних охотников и цивилизации в южном Конго и западной Анголе, в центре восточной Африки, на востоке у сомалийцев, пастухов галла на границе северного Конго, во внутренних районах Кот-д’Ивуар, Золотой берег и север Того. Этой группе он приписывает многие черты, связанные с «хамитской» цивилизацией, что, по его мнению, понятно, поскольку евро-африканские охотники следовали теми же путями миграции и предпочитали ту же среду обитания, что и пастухи.Точно так же он утверждает, что работы с кожей, бисером и стеклом, а также художественные каменные скульптуры и терракотовые скульптуры йоруба в значительной степени имеют палео-средиземноморское происхождение. Он даже соглашается с Фробениусом в связи странствующих африканских певцов и их профессии со средиземноморским климатическим циклом, а также разделяет его мнение в связи со средиземноморским лобным луком, заостренной стрелой в форме шпоры и с зацепляющейся выемкой с защитным механизмом. для большого пальца и руки при выстреле (86).Он даже задается вопросом, не связано ли искусство наскальных рисунков, которое является частью непрерывной традиции от позднего палеолита до наших дней, скорее, с работами палеолитических художников юго-западной Европы (104).

По его мнению, именно из Шираза, в Персии, на восточное побережье Африки были завезены не только архитектурные искусства, такие как обработка камня и столярное дело, но также ткачество из хлопка, шитье одежды и исчисление времени. С этой точки зрения «хамиты» также должны были принести «щиты, сделанные из шкур животных, модель лука с веревкой животного и спиральными креплениями, копье с утопленным концом, обрезанным и кожаным ремнем, прикрепленным квадратной застежкой. », кожаная одежда, фартук для сушки и плетеные изделия, закрученные спиралью.Все эти предметы, по-видимому, были принесены людьми, входившими в первую волну «хамитов» (ср. стр. 242–243).

Точно так же «богато вышитые канури и хаусса бубу по своему крою и отделке сходны с восточными византийскими моделями» (324). Круглые кожаные щиты или щиты из необработанной шкуры центрального Судана имели бы то же происхождение, фактически связанное с азиатским щитом (325). Барабан из глиняного мармита представляет собой элемент, просочившийся из древней глиняной цивилизации Средиземноморья в Центральный Судан (326), а вазы, продаваемые купцами Хаусса, напоминают обычную средиземноморскую керамику своей росписью и искривленными формами (326).

В том же духе замечание Жан-Поля Лебёфа в «L’art du delta du Chari» («Искусство дельты Шари»).[49] После раскопок в озере Чад на месте древней цивилизации сао он утверждает, что у него возникло искушение, «увидев некоторые фигурки из обожженной глины, подумать о доэллинском Средиземноморье» (101), и он цитирует маску, обнаруженную в Кадабе (Камерун). ), что «напоминает странный стиль терракоты с горы Филакос (Крит)» (102).

В своей статье «L’art plastique chez les Bapende» («Пластическое искусство Бапенде») Жан ван ден Босше говорит по существу то же самое, заявляя: «Согласно Р.P. Bittremieux, предки Бапенде должны были прийти с Востока, ведомые «белокожими» мужчинами после споров. Возможно […], что это относится к арабам. Мы увидим, верна ли эта гипотеза, когда обратимся к маскам Пенде из слоновой кости» (167).

Карл Эйнштейн время от времени развивает столь же смелые размышления о внешнем влиянии, которое могло воздействовать на Африку, которая «всегда африканизировала все импортированные стили». Действительно, он использует словарь западной истории и отличает «средневековый» стиль от «ренессансного»; он относится к африканскому периоду «классицизма» или «барокко».[50]

·

Все эти теории построены на одном и том же воображаемом фундаменте; они не основаны на объективном исследовании. Напротив, скудость аргументов, которые приводят эти авторы, ошеломляет; их скудость без достаточных доказательств и их беспричинная спекуляция доказывается их хрупкостью. Все эти теории стремятся уничтожить — вольно или невольно — африканскую культуру. Лучший способ господствовать над народом — уничтожить его культуру, заставив африканцев поверить, что они не несут ответственности за ее создание; словом, все они склонны отказывать африканцам в «нравственном благе»[51] сознания своей культурной традиции.

Таковы взгляды на иностранное происхождение африканского искусства. Все они исходят из того, что в Африке не было собственного художественного творчества и что все творение недавнее, что в Африке нет ничего древнего. Но этот взгляд заставляет нас задаться вопросом, что в такой оригинальной художественной нищете могло бы объяснить высокий уровень цивилизации, известный в Африке. Многие недавние открытия поставили под сомнение идею о том, что африканские цивилизации возникли недавно. И, как совершенно справедливо пишет Онора Агесси:

[Я] было бы очень легко каждый раз, когда человеческие общества обнаруживают определенное сходство, возвращаться к гипотезе, продиктованной нынешним соотношением сил, восклицая: «Но нет! Эти предметы не могли быть произведены африканцами в шестом веке до нашей эры.С.! Наверняка здесь имело место влияние европейского перехода!» Мы узнаём в этом восклицании вид размышлений, которые европейцы постоянно предпринимали, когда слышат, например, об объектах искусства Нок или, в частности, о фигурках Ифе.[52]

Возрождение античности в Европе

Аполлон Бельведерский с сотворением Адама

Классицизм, или повторение классических тем, стилей и образов в искусстве, архитектуре, литературе и других аспектах культуры, всемогущ в западном обществе.На самом деле, сама демократия родилась из афинского demokratia , соединив древнегреческие слова dēmos и kratos , которые означают совокупность людей и правление соответственно. Одним из самых знаменитых периодов классического возрождения был европейский Ренессанс, особенно итальянский Ренессанс, который может похвастаться некоторыми из самых известных художественных и архитектурных шедевров западного мира, такими как Давид Микеланджело и Базилика Святого Петра в Ватикане.Это возрождение греко-римской культуры в период Возрождения называется классицизмом эпохи Возрождения, которое можно увидеть во многих культурных областях того времени.

Литература эпохи Возрождения и классицизм

Возрождение классицизма в эпоху итальянского Возрождения частично проявилось в повторном открытии древних латинских и греческих текстов такими авторами, как Цицерон, Платон и Аристотель. Эти работы стали идеализированными и стали рассматриваться как неотъемлемая часть культурного просвещения и интеллектуализма после невежества средневекового периода.

Афинская академия Рафаэлло Санцио да Урбино (Рафаэль) , 1509-1511

Итальянские авторы также обращались к древнегреческим и римским предшественникам в своих постановках театра и поэзии в эпоху раннего Возрождения. Особенно примечательны в этом отношении поэты Данте и Петрарка. «Божественная комедия » Данте написана в древнегреческом стиле, состоящей из трех частей, и постоянно опирается на классическую поэзию, в частности на «Энеиду» Вергилия. В нем даже фигурирует сам Вергилий как проводник Данте в подземный мир.Петрарка, латинский ученый, лирик, писатель и поэт, также был убежденным сторонником гуманизма, и многие из его произведений опираются на римскую литературу и культуру.

Данте и Вергилий в аду Вильям-Адольф Бугро, 1850

Это классическое возрождение распространилось по Италии и другим европейским странам. Среди других известных авторов эпохи Возрождения Никколо Макиавелли, Мишель де Монтень, Уильям Шекспир и Джованни Боккаччо.

Архитектура эпохи Возрождения и классицизм

Одним из наиболее важных и определяющих элементов периода европейского Возрождения была архитектура итальянского Возрождения.Италия претерпела заметный переход от готического стиля, связанного со средневековым периодом, к стилю Возрождения, связанному с древними греко-римскими периодами.

Этот переход можно увидеть в некоторых контрастных аспектах каждого архитектурного стиля. Одним из них был переход от готической стрельчатой ​​арки к арке романского ренессанса. Кроме того, архитектура эпохи Возрождения имитировала древние колонны дорического, ионического и коринфского стилей, а также римский купол и туннельный свод.

Пример купола в стиле ренессанс в классическом стиле с романскими арками , 1905 Пример архитектурных деталей в готическом стиле, включая стрельчатые арки

Архитектура раннего Возрождения была известна тем, что демонстрировала классические фасады, но в то же время включала в свою структуру готические элементы. Собор Санта-Мария-Новелла (1420 г.) во Флоренции, Италия, служит примером перехода от готики к архитектуре эпохи Возрождения. В то время как ранее построенная часть собора включает в себя более острые и темные элементы готической архитектуры, фасад, разработанный позже Леоном Баттисти Альберти, украшен романскими арками и представляет собой римский храм с колоннами и традиционным остроконечным фронтоном. крыша.

Фасад собора Санта-Мария-Новелла, спроектированный Леоном Баттисти Альберти, Флоренция, 1420 г.

По мере распространения стиля Возрождения по Италии и Европе архитектура также менялась, представляя более орнаментированный, традиционно классический стиль. В 15-м и 16-м веках, известных как «Высокое Возрождение», были представлены известные архитекторы, такие как Рафаэль и Микеланджело. Tempietto (1502) в Сан-Пьетро-ин-Монторио, спроектированный Донателло, представляет собой образец классического стиля с римским куполом и дорическими колоннами.В нем также есть римские арки, статуи в греко-римском стиле и детали триглифа в интерьере.

Темпьетто Донато дель Браманте (Донателло) в Сан-Пьетро-ин-Монторио , Рим, 2014 г.

Искусство эпохи Возрождения и классицизм

Художники эпохи Возрождения также повторяли классические стили. Одним из самых известных средств для этого присвоения была живопись, которая имела классические образы и использовала древние шедевры в качестве предметов для произведений искусства. Известные художники, такие как Андреа Мантенья, Джованни Беллини, Тициан и Леонардо да Винчи, создавали произведения искусства в период Возрождения.

Сотворение Адама Микеланджело Галилей, 1508-1512

Классические темы преобладали в живописи эпохи Возрождения. Хотя католицизм оставался важной темой, в то время в произведениях росло количество мифологических деталей и повествований. На картине Сандро Боттичелли «Рождение Венеры » (1484–1486) эпохи раннего Возрождения изображена обнаженная Венера, выдающаяся богиня из римской мифологии (греч. Афродита) , поднимающаяся из моря.

Рождение Венеры Сандро Боттичелли, 1484-1486

Вам нравится эта статья?

Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей

Пожалуйста, проверьте свой почтовый ящик, чтобы активировать подписку

Спасибо!

Рафаэль  Афинская академия  (1509–1511) Фреска эпохи Высокого Возрождения изображает нескольких древнегреческих философов среди других фигур.Произведение установлено в том, что кажется комбинацией афинского и католического храмов, поскольку в нем много классических элементов и форма креста. На заднем плане греческие боги Аполлон и Афина.

Это увлечение классикой коснулось не только живописи. Скульптура тоже стала воплощать классический реализм и идеализм. Были многочисленные ренессансные воссоздания греческих и римских статуй или новые произведения, выполненные в древнем греко-римском стиле. Самый известный пример — « Давид» Микеланджело (1504). Давид иллюстрирует многочисленные элементы классического реализма, стоя в архетипической контрапосте позе против бревна (используемого для поддержки) с точеной фигурой, сильно напоминающей греческого бога, такого как Аполлон.

Давид Микеланджело Галилей, 1504

Аполлон Бельведерский (римская копия Леохара) , 120–140 гг. н.э.

Классицизм в другие периоды

Важно признать, что, хотя классицизм был очень заметен во время европейского Возрождения, он также распространился на периоды после Возрождения и в неоклассицизм.Фактически, многие аспекты современного западного общества опираются на древнюю греко-римскую культуру. Итальянское Возрождение, возможно, было «возрождением» классицизма, это был не единственный период, в котором он существовал, и сегодня можно увидеть элементы классицизма во многих художественных, архитектурных и культурных сферах.

Автор: Шарлотта ДэвисBA Art History Шарлотта — писательница из Портленда, штат Орегон, в настоящее время живет в Лондоне, Англия. Я искусствовед с обширными знаниями в области истории искусства, классики, древнего искусства и археологии.

Художник, смешивающий классическое европейское искусство с черной городской молодежью — Quartz

LL Cool J а-ля Джон Сингер Сарджент. Ice T в роли Наполеона Дэвида. Чернокожий мужчина в зеленой толстовке с капюшоном, из которого выглядывают обтягивающие белые штаны Hanes, позирующий, как та скандальная томная мраморная скульптура в Музее Орсе. На первый взгляд работа Кехинде Уайли может показаться знакомой подделкой или лучшими попытками мира искусства создать интернет-мем.

AP Photo/Jacquelyn Martin

37-летняя художница-портретистка, которая в январе была награждена Медалью искусств Государственного департамента США и чья ретроспектива недавно открылась в Бруклинском музее (платный доступ), наиболее известна переделкой европейских шедевров с помощью Афроамериканские подданные.

Наполеон, пересекающий Альпы, с картины Жака-Луи Давида. он вырос. Уайли набирает людей, в основном незнакомцев, чтобы они выбрали позу из книги старых европейских мастеров и воспроизвели ее для портрета.

Родившийся в семье нигерийца и матери-афроамериканки, фон его картин ссылается на африканские узоры ткани, извивающиеся в композиции, чтобы дать дополнительные подсказки по его теме.Например, в этой переинтерпретации Наполеона Дэвида Уайли встраивает крошечные плавающие сперматозоиды на красный фон, как отсылку к африканской мужской мужественности или, возможно, к распущенности.

© Kehinde Wiley, Фото: Сара ДиСантис, Бруклинский музей аналогичный вид достоинства или тщеславия, который можно найти в старых картинах.«Я использую влияние французского рококо с его яркостью и вульгарностью, чтобы дополнить кричащую одежду и демонстрацию «материального потребления», очевидного в культуре хип-хопа», — сказал он.

© Kehinde Wiley, Фото: Max Yawney

© Kehinde Wiley, Фото: Katherine Wetzel, © Музей изящных искусств Вирджинии

© Kehinde Wiley, Фото: Jason Wyche, любезно предоставлено Шоном Келли, Нью-Йорк

Предоставлено Galerie Даниэль Темплон, Париж. © Kehinde Wiley

Предоставлено Galerie Daniel Templon, Париж.© Kehinde Wiley

Формула не нова. Сопоставления старого/нового, высокого/низкого часто встречаются в современном искусстве (примеры: комментарий Кары Уокер о гонках с помощью графических силуэтов, автопортреты сенегальского фотографа Омара Виктора Диопа или даже обложка журнала COLORS с изображением черной королевы Елизаветы). с 1993 г.), а также в социальных сетях.

В отличие от интернет-мема, предназначенного для потребления в виде однокалорийных визуальных фрагментов, его работа вознаграждает внимательного зрителя на нескольких уровнях.

Но в отличие от интернет-мема, предназначенного для потребления визуальными фрагментами с одной калорией, его работа вознаграждает внимательного зрителя на нескольких уровнях. Уайли, имеющий степень магистра Йельского университета, на самом деле переворачивает с ног на голову несколько традиций в художественном каноне.

В дополнение к замене традиционных сюжетов портретной живописи (читай: состоявшихся белых аристократов) современными афроамериканцами, художник также переворачивает отношения между придворным портретистом и натурщиком, смешивая власть и печать клиента и создателя.Сравните это с работами, выполненными, скажем, при Генрихе VIII, который полагался на Ганса Гольбейна, чтобы замаскировать свой тучный, стареющий образ внушительным портретом.

Работы Уайли выставлялись по всему миру и даже появлялись в популярном телесериале «Империя». Но в отличие от мема, его безупречный портретный портрет лучше всего встречается вживую. Ретроспектива работ Уайли в настоящее время выставлена ​​в Бруклинском музее в Нью-Йорке и будет путешествовать по США.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.